Surrealist reality. Kinga Britschgi.

 

About Kinga Britschgi, in her own words.

Kinga Britschgi is a Hungarian artist living in the United States. She is best known for her magical digital images that always have some dark surrealistic elements. She was born in Nagyatád, Hungary and moved to the U.S. in 1995. She has a degree in Fine Arts (graphic design), TEFL (Teaching English as a Foreign Language), and Elementary Education.

Her works were published in numerous professional publications and in 2013 Adobe chose her as one of the artists in their ‘New Creatives’ campaign.

She lives with her husband and son in Boise, Idaho.

– I earned a degree in Elementary Education, including Art Education and also in Teaching English as a Foreign Language. For a long time I had a very hard time deciding which direction I wanted to take. In Hungary, it seemed to be teaching English and some art, in the United States, it is mainly art with some teaching.

I try to make art a daily ritual or at least a daily engagement. Although I usually define myself as a collage-painter and block printer, I have mainly four areas of interest: collages (in a broad sense; as I am also attracted to assemblage, bricollage and such things), block printing, artist books and computer graphics.

I create my pieces from “found objects.” Mainly old ephemera, books, charms, photos, nature’s treasures, fabric and a lot of other sources. I also have innumerable rubber stamps. I am a “metallic” fan: gold, copper, silver, bronze.

Lately I have returned to some of my old college routines: oil paintings, some watercolor and pencil drawings. My favourite and always returning motif is the female nude in many, many forms.

As I also write (unfortunately much less lately than I used to) I often use my writings as a starting and/or inspiring point. I create either a ‘visual writing chunk’ (when the actual words, their physical appearance, have vital parts in the finished piece) or merely an illustration for the chosen sentences.

Recently, while I was drawing for one of my newer collages, I stopped and started to think: why do I not draw/paint a ‘whole-story’ picture? (You know: women are sitting in a sun-lit forest chatting; little cottage on a river bank or even a portrait; you know what I am talking about.) Why do I feel the urge of pasting bits and pieces to / at / below / above / through my seemingly unfinished drawings / paintings and finish them in this way, creating a collage? It is not because I could not paint or draw an ‘epic’ picture, I guess. It is because I do not think in a linear way, and because I always want to express much more than I ever could in any other ‘linear‘ form. I am not saying other directions are wrong; what I mean is, that for the ultimate and only way of my self-expression is the collage form with its unbelievable freedom.

I am a very slow artist; in this context it means that although collage seems to be a very improvisational form, for me it is a very, very serious, bittersweet battle: when I finish my piece I can tell you exactly why I have chosen a certain piece of paper or why I attached that label or why I positioned that rusty piece of metal just there. What I mean is, yes, even if I hate this term, my pieces do have some message; on the other hand I am the last person who expects anyone to ‘go for’ this message. But it is extremely important for me to create purposefully; to know what I do and why exactly I do that in that certain piece. I do believe that in this way I create something that is worth looking at, ‘deeper‘ than a decoupage (“a surface decoration“). And I do believe that even if my ‘message’ cannot be discovered sometimes, the piece can put up with time for a long while and please people as it is being born out of a painful but extremely joyful creative process.

I do not like the term, “fast and easy to make.” I think it is always very hard to make something meaningful and in a lot of cases it is a long and frustrating process. But this is exactly what is most beautiful about being an artist.

In the future, I am planning to go back to school and study printing and book arts.

Per più informazioni leggi qui:

http://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com/2016/06/Kinga-Britschgi.html

© Tutt’Art@ | Pittura * Scultura * Poesia * Musica |

Info imported from: tuttartpitturasculturapoesiamusica

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Kinga Britschgi Tutt'Art@

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More about ‘Kingabrit’

I am a Hungarian artist having been living in the U.S. since 1995. Although my art degree is graphic design I work in both traditional and digital media. Apart from magazine covers and cd covers my works appeared in several professional magazines. I like to create magical worlds in my pictures and my specialty is creating surrealist photo manipulations / photo collages with a touch of fantasy; I call them ‘surrealist reality’. I sometimes design digital collage elements that my clients can mix-and-match to make their own art pieces.

Corporate & personal print designs (posters, flyers, invitations, brochures), book- and cd-covers, packaging, digital illustrations, and digital fine art. Ten plus years of experience in the creative field.

If you are interested in hiring me for a graphic design job visit my website ( kingabrit.wix.com/kinga “Contact” tab) or simply send me a note here. Please allow me a few days to respond.

I am a professional graphic designer and digital artist working in both traditional and digital media. My specialities are print designs, illustrations, and surreal digital fine art. I love creating corporate and personal flyers, brochures, cards, direct mail pieces (mailers), signage, magazine ads, and banners. I am also designing eye-catching book- and cd-covers.

I do have a very specific and unique way of seeing the world around me, so my designs, although always very professional and effective, stand out of the mainstream designs helping my clients a great deal to achieve their business goal. My clients include Adobe, Sydney Theatre School (Australia), The College of Idaho, Olibet (Belgium), and numerous small businesses and individuals.

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Links to Kinga’s demos:
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Kinga Britschgi shop:

Open Edition, Digitally Signed and Signed Prints

Thank you for your interest in my digital fine art prints! You can order your Open Edition Prints of my images here:

Kinga Britschgi Prints

There are many options and sizes, greeting cards, and a lot of gift items (mugs, coasters, etc) – check them out!

If you would like to have a signed print (either digitally signed or with an original signature, please let me know through my Contact Page and I will get back to you very shortly.

Kinga Britschgi on Behance

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Representation:

Sullivan Moore
http://www.sullivanmoore.com
rep email: kate@sullivanmoore.com
phone: 631-235-5245

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Daniel Merriam. Surrealismo contemporáneo rococó.

La imaginación, la forma y el color al servicio de la psicodelia más cándida, inocente y arquetípica.

Daniel Merriam es un ilustrador surrealista contemporáneo, más conocido por su técnica de pincel seco y por su estilo imaginativo, onírico y colindante con los paisajes y personajes que en su día nos invitaron a ensoñar narradores y dibujantes como Lewis Carroll, John Tenniel o incluso Walter Crane, Arthur Rackham, Mark Ryden o Ray Caesar. Aunque sus influencias más confesadas fueron las de  N.C. Wyeth, Maxfield Parrish, Gustave Doré, pasando por la expresividad de los trazados de Norman Rockwell o el modernismo de Alfons Muchalas visiones únicas de Merriam constituyen un collage de capas y elementos de imágenes coloridas en un estilo propio que recupera el territorio de los sueños más salvajemente infantiles y evocadores, así como el romance por la psicodelia más inocente, legendaria hasta a veces zambullirse en lo arquetípico; de tal modo su trabajo alcanza la sensibilidad tanto de los amantes del arte clásico como del contemporáneo.

Nacido en 1963 en York, Maine aprendió a pintar muy joven y durante su infancia hizo uso de su técnica y su imaginación a modo de metodología reflexiva siempre en clave de juego. Estudió diseño mecánico y arquitectónico y aplicó sus habilidades dimensionales y pasión por la arquitectura en el negocio de diseño y construcción de la familia. A partir de un punto decidió reciclar y readaptar su talento enfocándose en el campo creativo de las más puras bellas artes.

Entre los muchos logros de Merriam está un título honorario de maestro de cartas humanas de la Universidad de Nueva Inglaterra en reconocimiento a la posible contribución social de su arte, varios premios Broderson y el Premio de la Asociación de Prensa Escolástica de Nueva Inglaterra. Sus catálogos han sido incluidos en los archivos permanentes de varios museos y bibliotecas de todo el mundo. Ha celebrado más de un centenar de exposiciones individuales en los Estados Unidos, Europa y Oriente Medio y ha obtenido aclamaciones de numerosas publicaciones nacionales e internacionales así como comentarios elogiosos emitidos por diversos reportajes, documentales y noticiarios de televisión.

Merriam es también fundador y propietario de Bubble Street Gallery, un emporio californiano de arte e imaginación.

“No hay mayor parque de atracciones que la imaginación misma.” – Daniel Merriam –

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Los pueblos de Nueva Inglaterra se hacen eco de las imágenes de la arquitectura americana temprana. Las casas de pan de jengibre, coloniales y victorianas construidas por los carpinteros de los barcos motean el paisaje dentado. Nací allí, el 1 de febrero de 1963, en el puerto de York, un pequeño pueblo en la costa de Maine, donde crecí como el niño medio en una familia de dos muchachas y de cinco muchachos.

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La creatividad llenó todo el aire. Nuestra casa estaba llena de una variedad de instrumentos musicales. Dos pianos sonaban constantemente mientras siete hermanos practicaban con ellos diariamente. Mi madre abría las ventanas y cantaba mientras tocaba himnos, haciendo sonar serenatas en el barrio. A menudo nos sentábamos alrededor de la mesa de la cocina y dibujábamos en bolsas de papel hasta que estaban cubiertas por dentro y por fuera con dibujos de cualquier cosa que pudiéramos imaginar. Las horas las pasamos en la tienda de carpintería de mi padre tallando barcos de juguete y otras cosas divertidas para jugar.

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Mi familia pasó los veranos en una pequeña cabaña en el lago Mousam. Recuerdo los juegos en el vecindario: Rowboating, pesca, construcción de castillos de arena, y hacer fogatas en la playa por la noche. Corrimos por los bosques descalzos jugando al escondite, y no nos poníamos un par de zapatos hasta que comenzámos en la escuela llegado el otoño. Nuestra bodega estaba llena de acuarios y cubos llenos de ‘pollywogs’, monos de mar y tortugas recogidas de un pantano cercano a un bosque de arándanos.

Mi pasatiempo favorito era escalar árboles. Buscaba el árbol más alto que pudiera encontrar, me subía a sus ramas y comenzaba a subir. Empujaba hacia arriba de miembro a miembro hasta que las voces de los niños que jugaban abajo se desvanecían con el crujir de las hojas. Me aventuraba más y más, poniendo a prueba mi fe a medida que las ramas crecían progresivamente a mi paso. Una vez cerca de la copa, me sentaba precariamente en un extremo, apoyado contra el tronco mientras se balanceaba en el viento. Este era mi propio mundo, y desde allí pude verlo para siempre.

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Cuando no estaba jugando, seguía a mi padre, Fremont, mientras él trabajaba y le hacía una pregunta tras otra observando cada uno de sus movimientos, tan metódico y eficiente. Recuerdo el olor de la madera recién cortada y el sonido de su voz al explicar su oficio. Él era un ingeniero estructural y trabajó muy duro a fletando su propia empresa de construcción. Mi padre estaba encantado de que me interesara tanto en su trabajo y pronto me hizo trabajar a su lado. Él me dio herramientas de carpintero como regalos para cumpleaños y Navidad. Aprendí a manipular la madera sin que se rompiera y a hacer girar un martillo con el ritmo de un baterista. Durante la noche observaba cómo dibujaba los planos de las casas que debía construir. Estos fueron sus sueños y yo fui testigo de la magia de su realización.

A la edad de doce años trabajaba en el bosque con mi padre construyendo cabañas de troncos, cortando troncos con un hacha, una cuchilla y una motosierra. Nuestra familia se trasladó a una nueva casa en el corazón de la región de los Lagos de Sebago. La catedral de pinos majestuosos se elevaba sobre la gran casa colonial holandesa que se orientaba al noroeste alrededor de a unas once millas del lago, con una vista del Monte Washington en la distancia. Esta casa solitaria no tenía no tenía cimientos ni fosa séptica y no estaba aislada térmicamente para los largos inviernos de Maine. Cavamos los cimientos a mano, arrastrándonos sobre nuestras manos y rodillas, raspando el lecho rocoso de las trincheras estrechas. Mi padre había crecido en una granja y creía en las virtudes del trabajo bueno y duro. Seguí trabajando para él en mi adolescencia pero poco a poco me encontré pasando más y más tiempo en el santuario de mi dormitorio.

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Fue allí, en mi pequeño escritorio de roble al lado de la ventana, donde empecé a pasar horas dichosas dibujando y pintando. Con un lápiz y una nueva pila de papel blanqueado que me regaló un amigo pronto había dibujado bastantes imágenes fantásticas para empapelar mi habitación entera. Recuerdo de vez en cuando mirar hacia abajo y ver a mi padre trabajando duro en el patio. Aunque sabía que deseaba que le ayudara yo rezaba para que se las apañara sin llamarme. Finalmente se percató de mis dibujos y me llamaba desde mi habitación para mostrarlos orgulloso a sus amigos. Sin embargo fue difícil para mi padre aceptar el arte como una vocación viable. Recuerdo su lucha con su intangibilidad. Para mayor tormento suyo sus cinco hijos sentían inclinaciones artísticas.

La escuela fue difícil para mí. Mi capacidad de atención flaqueaba como un foco en el ejercicio de memorizar fechas y nombres, un hábito que de alguna manera parecía fuera de mi alcance. Mis profesores decían que yo… “simplemente no estaba allí”.

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Pasaba la mayor parte de mi tiempo mirando desde la ventana de la clase, soñando despierto, viajando en el tiempo a través de mundos lejanos. A pesar de mis notas erráticas y la falta de interés, mi ventaja en el desempeño de lo artístico de alguna manera me hizo ganar el apoyo de algunos de mis maestros.

Entré en el Bridgton Art Show cuando tenía quince años y gané el primer premio en la categoría de estudiantes. En la ceremonia de entrega de trofeos me presentaron a Alan Magee quien había ganado el gran premio por su pintura titulada ‘Stones’. Me sorprendió su técnica: Un gran realismo, acometido de manera tan simple. Alan pasó mucho tiempo hablando conmigo y para mí marcó un estándar de excelencia no sólo ya por su trabajo sino por su calidad personal. Nunca he podido igualar sus habilidades pero en vez de eso he cultivado méritos propios. A lo largo de mi carrera he recordado esa reunión con Alan y siempre escucho u ofrezco algo de asesoramiento a los artistas aspirantes.

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Sentí que había llevado una vida más bien privilegiada, protegido por el clima rural de Maine y la realidad de asistir a la universidad para estudiar arte parecía fuera de mi alcance. Tal vez me faltaba confianza o tal vez carecía de ánimo. En cualquier caso nunca fui a una escuela formal de arte. Estudié durante dos años en el Instituto Técnico Vocacional Central de Maine diseño mecánico y arquitectónico y más tarde comencé a trabajar para arquitectos y constructores.

Mi padre a menudo batalló conmigo desde su compleja comprensión del cálculo y las fórmulas que se desplegaban a lo largo de las páginas. Él deliberaba sobre ellas durante lo que parecían horas presuponiendo que yo iba a ser capaz de seguir su ritmo. Aunque no heredé la competencia matemática de mi padre mis ojos para la perspectiva y mi habilidad para ilustrar la arquitectura resultaron muy útiles durante mis primeros años de trabajo con arquitectos y diseñadores. Después de poner a prueba mis habilidades mi padre me invitó a trabajar en su compañía. Con gusto acepté su oferta ya que trabajar en el negocio familiar parecía prometer mayores recompensas.

A medida que el negocio crecía me veía cargado con más y más responsabilidades. Con el tiempo entré en depresión y mis sentidos comenzaron a flaquear. Al final llegué a un punto en el que me abrumé y me sentí profundamente culpable. Dándome cuenta de que nunca iba a alcanzar la excelencia en el negocio de la construcción decidí que debía emprender lo que más anhelaba. Mi padre tuvo una charla de sincera conmigo y me reveló un lado de él que yo nunca había presenciado anteriormente. Me dijo que tenía la impresión de que estaba dejando echar a perder mi talento. Me pareció extraño oír a este hombre fuerte y corpulento sugerir que debería aspirar a hacer carrera artística. Esto implicó el inicio de lo que iba a ser la búsqueda de una nueva visión de por vida; una que dio a mi vida un nuevo significado.

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Decidí cultivar mi arte y aprender a sobrevivir de él. Aceptar cualquier otro tipo de trabajo sin duda habría sido una distracción ya que no había mantenido mi ritmo de creatividad durante mi anterior empleo. Trabajé en mi estudio día y noche, siete días a la semana, parando sólo para dormir un par de horas encima del tablero de dibujo hecho en casa. Alquilé mi casa porque no podía asumir el pago de la hipoteca y nunca estaba en ella. Mi hogar estaba en mi cabeza y mi cabeza en mi estudio. No disponiendo de tiempo libre para el ocio diligentemente mantuve este ritmo durante dos años.

Cuando cumplí veintitrés me mudé a la ciudad portuaria de Portland, en Maine. Trabajando para una galería de arte pude apañar un contrato de alquiler comercial para un sótano vacante en el piso de abajo. Estaba oscuro y mohoso y el horno parecía consumir la mayor parte del oxígeno. Las paredes estaban hechas de ladrillo y piedras desmenuzadas. El mortero se había convertido en polvo y los depósitos de calcio se alineaban en las grietas. Encontré algunas viejas puertas francesas, las dispuse en segmentos y colgué las luces del techo. Aquello fue mi hogar por un tiempo pero al final el horno explotó y el sótano se inundó con agua negra y fuliginosa. Me encontré en la calle en una fría noche de invierno caminando a través de una tormenta de nieve, demasiado orgulloso para ir a casa de mis padres por la mera necesidad de acceder a un hábitat en el que dormir.

Hubo momentos en que tuve ganas de rendirme pero al final hice que las cosas cambiaran perfeccionando mi talento artístico. Si no hubiera sido por mis flaquezas nunca habría descubierto mi fortaleza. A medida que mi corpus de trabajo creció también lo hizo mi lugar en la comunidad de arte.

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Hay personas en nuestra sociedad que creen en que el artista tiene un lugar en el mundo. Tengo la suerte de conocer a algunas de esas personas y nunca han dejado de creer en mí. Ellos han compartido sus pensamientos y sentimientos y me han dado apoyo y aliento. Me han demostrado que lo que hago es importante. A través de mi arte he aprendido la importancia de seguir mi corazón.

 – DANIEL B. MERRIAM –

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Texto de la Web site oficial de Daniel Merriam

Galerías de exposición del trabajo de Daniel Merriam

Catálogo de originales de Daniel Merriam

Catálogo de copias impresas de Daniel Merriam

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Testimonios de Merriam importados del blog ‘elhurgador.blogspot.com.es’

Nací en York Harbor, un pequeño pueblo de pescadores con una próspera escena turística veraniega. La zona atrae a decenas de artistas debido a sus cualidades rústicas y un encanto de viejo mundo. Teníamos mucha exposición al arte en la región. De hecho, las expectativas artísticas eran bastante altas debido a las prósperas artes locales y su formación académica. De niño vi a algunos de los mejores ejemplos de arte moderno original de nuestro tiempo. Me sorprendieron tanto que me vi obligado a dominar las habilidades de arte, incluso cuando aún era un niño. Maine también es bastante rural, por lo que los paseos por los bosques eran naturales para mí. Podía caminar millas sólo, sin una brújula o un camino a seguir. Pero además de lo mucho que sabía de la tierra, también era un maestro de las aguas. Entre la navegación, la pesca y el buceo, pasé tanto tiempo en el agua como fuera. Mi mundo estaba hecho de la crudeza de la realidad de la naturaleza y los tratamientos de fantasía de mi percepción. Mi conexión con la naturaleza, sin duda, está arraigada en las formas y patrones dentro de mi arte. Tanto mi familia como nuestra comunidad poseían una calidad caprichosa que permanece en mi arte hasta el día de hoy. Podría decir que mi infancia es lo que más ha inspirado mi arte.

En 1980, cuando me entrevistaron para una escuela de arte, no se estimulaba el trabajo figurativo. Me habían dicho que mis habilidades no serían apreciadas. Escogí trabajar como ilustrador antes que convertirme en un pintor abstracto. Las modas en arte habían cambiado varias veces desde entonces, y afortunadamente las obras figurativas han mantenido un fuerte interés entre los coleccionistas de arte. En cuanto a educación artística, no tuve casi ninguna. Tuve clases de arte en la secundaria, pero fueron muy básicas. Aprendí mis técnicas mediante la observación y por ensayo y error.

Es difícil para mí encontrar un mentor, pero nunca olvidaré la generosidad de Alan Magee al compartir conmigo sus sabiduría. Por supuesto la naturaleza es mi mayor inspiración. Cuando se menciona la literatura, no puedo menos que encontrar una conexión entre las obras de Ernest Hemingway y mi infancia. Yo estaba menos por la mitología de lo que estaba por Julio Verne. También me interesaba la ciencia y la historia, y sus relaciones con el arte y la religión. La música siempre ha sido la otra mitad de las inclinaciones artísticas de mi familia, y para mí permanece como parte de mi tapiz emocional.

‘Fantástico’ podría ser el término académico [para describir mi arte] hasta hace unos 6 años. Ahora aceptamos nuevos movimientos en el arte como el Steampunk, Neo victoriano, lowbrow, surrealismo pop. Realismo imaginario y Realismo mágico son dos de los nuevos que luchan por reclamar su puesto. Mi arte puede caer en cualquiera de esas categorías. Me considero un surrealista romántico. Estoy influenciado por el Art Nouveau, y la Belle Époque, el gótico, renacimiento, victoriano, vaudeville, y cualquier otro que me fascine.

[El circo y el teatro] son las arenas donde abunda la imaginación. Tengo afinidad con los intérpretes, supongo que porque yo interpreto a través de mi arte. El escenario es mi caballete.

Testimonios de Merriam importados del blog ‘elhurgador.blogspot.com.es’

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Entrevista de BSC news France a Daniel Merriam

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Fragmentos de entrevista a Daniem Merriam en ‘The thinker’s garden’

“No es casual o académico que me haya convertido en un artista. Mi trabajo se ha manifestado por medio de la imaginación hiperactiva de un niño que estaba en cierto modo profundamente preocupado. Los dibujos y las pinturas fueron la manera que encontré para manejar o equilibrar el horror y el caos que estremecieron y casi destrozaron mi mundo. Es por soñar despierto que he sobrevivido y por la pintura por lo que he fijado los sueños de mi elección de la manera que es más adecuada para el mundo del arte, que para cualquier otra existencia.”

“Hoy me acerco a los temas de mi pintura con un sentido de responsabilidad hacia ese sueño, ya que es el pozo del que bebo. Más allá de la retórica que se puede entrever atravesada en el mundo del arte durante los últimos treinta años, los frutos de la imaginación siguen siendo el recurso más renovable y profundamente humano que tenemos a nuestra disposición.”

“No sólo me rompí los dientes como arquitecto sino también como caricaturista político. Descubrí el poder de la pluma justo antes de descubrir el poder eminente de la censura. No es hasta que tenemos nuestras libertades amenazadas que nos damos cuenta de lo poderosa y frágil que es nuestra libertad de soñar.”

Mis pinturas son vehículos para mis sueños, no simplemente el producto de ellos. Esto permite al espectador recoger el argumento donde lo dejé y reescribir sus desenlaces una y mil veces. No deseo que concluyan nunca, de manera que que limito cualquier movimiento o expresión que pudiera facilitar el medio para alcanzar un final. El pintor captura el tiempo en un contexto seleccionado, ya sea secuencial o estático. Está implícita y percibida dentro de la intención del artista si son conscientes de su medio.”

Mi madre había coleccionado una serie de libros ilustrados por N.C. Wyeth, Maxfield Parrish, Gustave Doré sólo por mencionar algunos. Siempre me impresionó la entonación de Norman Rockwell y su capacidad para observar y representar el carácter humano con un estilo coherente y comunicativo. Más tarde supe que estos ilustradores fueron entrenados clásicamente y llevaron la antorcha del arte figurativo a través de las oscuras sombras proyectadas en el mundo del arte después de la Segunda Guerra Mundial y los efectos del futurismo. Encontré la historia subyacente de Alphons Mucha como un gran ejemplo de la disparidad entre las culturas y el arte, tanto en lo regional como en lo político. Creo que mi trabajo incorpora un giro de la estética del siglo XIX y XX, respaldado por las huellas de la disciplina que todavía persigue la tradición de los artistas que frecuentaban mi estado natal de Maine.”

“Me gustaría pensar en Bubble Street como la semilla de la cual pudiera desplegarse una vía real a mi estilo. Como muchas cosas que sueño, estas ideas pueden vivir en mi mente como nutriente de sueños futuros, pero algunas de ellas pueden deslizarse a través de las grietas y engendrar semillas en el mundo real. Tal como está, Bubble Street es mi emporio de objetos y artistas encontrados que colaboran con mi propio arte en un ambiente que se mantiene fiel a la lengua vernácula. El mundo sigue siendo mi lugar de exhibición. Bubble Street es el edificio de ladrillo y mortero del intento de un artista.”

“Daría la bienvenida a cualquier excusa para vestirse con un traje y mezclarme con otros entusiastas.”

Mucho se puede decir sobre el punto álgido del rococó y sus patrones de ornamento. Me considero un estudiante de la escuela de Eastlake y no ya sólo del corpus europeo, pero la extrapolación que se dio en los EEUU después de Eastlake había alcanzado su punto máximo. Me gustaron especialmente los estilos de transición como el Victoriano transmutado en Art Nouveau. Los motivos grotescos y ornamentos del período de resurgimiento del Renacimiento compararon una altura del diseño que fue tristemente interrumpida en su pico por las muertes en masa y el miedo de los fantasmas (bye-bye a los ángeles en la arquitectura). Había una sensibilidad Jules Verne a estas estéticas que se beneficiaba de la ingenua edad de la globalización temprana. La diversidad de materiales y motivos tejidos por arquitectos clásicamente disciplinados rivalizaba con los romanos y economizaba la frivolidad del rococó y la redundancia de los patrones moriscos. Al ser atados por el dogma de la religión y no contaminados por los intereses de un mundo corporativo, el diseño fue potenciado por el pasado y el futuro. Ojalá pudiera haber visitado París antes de la bola de ‘recking’.

– Entrevista completa a Daniel Merriam en ‘The thinker’s garden’ –

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Perfil de Daniel Merriam (Wikipedia)

Daniel Merriam es un ilustrador surrealista contemporáneo y es más conocido por su técnica de pincel seco y estilo imaginativo.

Merriam creció en Nápoles, Maine y es uno de entre sus siete hermanos. Estudió diseño mecánico y arquitectónico en el Instituto Técnico Vocacional Central de Maine. Más tarde trabajó para el negocio de diseño y construcción de su familia y como ilustrador arquitectónico y comercial. Tuvo su primera exposición individual como artista en la galería Abacus en Maine en 1987.

Merriam ha producido cuadros para las portadas de libros de Paula Volsky y Neal Barrett Jr. publicados por Bantam Books, así como para la Mid-American Review. Su trabajo también fue utilizado en el playbill de ‘El sueño de una noche de verano’ de William Shakespeare, producida por el McCarter Theatre de New Jersey. Publicó dos catálogos de colecciones de sus pinturas en 1998 y 2007 que forman parte de los archivos permanentes del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo Nacional de Ilustración Americana y el Museo Peninsular de Arte.

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Ha organizado exposiciones en Estados Unidos, Europa y Oriente Medio. El trabajo de Merriam está incluido en las colecciones públicas del Museo de Arte de Riverside, Merrill Lynch, The Gesundheit! Institute y el Manhattan Club, entre otros.

Los galardones de Merriam incluyen varios Premios Broderson, primer puesto y el Premio de la Asociación de Prensa de Escolas de Nueva Inglaterra, primer puesto, por caricaturas editoriales.

En 1987 recibió una Maestría Honoraria de Cartas Humanas de la Universidad de Nueva Inglaterra en reconocimiento de la posible contribución social de su trabajo.

Texto original del perfil de Daniel Merriam en Wikipedia

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Daniel Merriam official Web site

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