The London eye (engine) - A.Sommeling

La luz esencial. Adrian Sommeling.

El maestro del still con cinemática

En nuestra terca búsqueda de maestros de la creación actual más vanguardista y en el apartado que concierne al diseño multimedia y las artes digitales, al tropezar con el trabajo de Adrian Sommeling hemos tenido que hacer pausa, hollar asiento, respirar hondo y hasta tragar saliva; para durante y después culminar con solemne protocolo de café, copa y habano.

Adrian Sommeling es un mago deteniendo el movimiento sin convertirlo en reposo. Buena parte de sus gráficos contienen esa tensión de un instante capturado en la secuencia de cinética más inquieta e impaciente de la que es imposible aprehender un fotograma de calma. Su talento al aplicar los procesos Color burn y Color dodge o su temple calibrado a la hora de tratar el proyecto con los filtros HDR de los Nik plug-ins de Google… -o cualquiera de sus análogos de otras marcas sucesoras- …convierten el disparo originario de su cámara en auténticas viñetas de historietas dibujadas. Así es la magia de la postproducción de hoy en día, en la que el logro de un trucaje de intención fotorrealista se fusiona con un pretendido cariz vintage y caricaturesco tan de moda en estos tiempos, en los que el procesado de alto rango dinámico (HDR) se ha convertido en un estándar en la industria. Pero en el caso de Sommeling, el balance entre ambas pautas se torna magnificente.

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Un guión y un argumento en un solo fotograma

Este singular fotógrafo, artista digital, diseñador gráfico y Web… -que mora en sus Países Bajos- …viene ganándose la vida operando en el mercado de la publicidad y trabajando para empresas nacionales e internacionales, cuando no contratado por agencias y gobiernos. Y no nos debería asombrar esto último pues dado el dominio que ostenta en retoque y postproducción Photoshop, lo extraño será que no acabe contratado por la NASA a fin de echarles un cable a la hora de afinar un pelín más en sus patéticas y del todo inverosímiles imágenes de “exploración cósmicacómica“, tan pésimamente trucadas como aún peor, ‘renderizadas.

Según sus testimonios propios, en sus primeras etapas se enfocó más en el diseño gráfico y la programación Web; pero tras no muchas temporadas de constante aplicación actualizada… -en el siempre mutante entorno de las tecnologías digitales- …la fotografía acabó conformando su principal obsesión; hasta tal punto que en las actuales fechas (octubre, 2017) no se limita a trabajar los encargos de sus clientes sino que, en ratos libres, se divierte sin cesar ingeniando todo tipo de escenarios surrealistas, alocados e insensatos en los que, casi siempre se hace eco del carisma socarrón y vivaracho de su cómplice vástago; un buen actor, expresivo y altamente espabilado cuyo padre no titubea a la hora de insertarle en escenas tan mágicas como hilarantes hasta convertirle en el carácter vital de estas historias delirantes e imposibles.

“Love to tell stories with my photos. It’s an addiction…” – Adrian Sommeling.

¡Desde luego que le gusta narrar semblanzas inéditas con cada una de sus fotos intrincadas y arriesgadas! Y hasta el mero hecho de verlas también puede llegar a crear adicción a cierta audiencia; porque cada imagen de su hijo pululando por los aires o surcando decorados virtuales asombrosos nos evoca una aislada secuencia congelada de un más que probable cómic disparatado, increíble y aventurero que se extiende atrás y avante en una línea de tiempo a la que asistimos en su momento más cúspide, aun perdiéndonos tanto su introducción y exordio… como su efecto, peroratio y desenlace.

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La animación congelada en un instante puntero

A las imágenes de Sommeling solo les falta hablar y animarse en el tejido de su espacio y de su tiempo para estirarse y elongarse en episodios de vida y devenir de historieta de tebeo, asombrosa, fascinante y milagrosa. Nadie sabe cómo acaban los relatos e imaginarios de los Sommeling, -padre e hijo-; lo que sí estamos llamados a atestiguar aturdidos es al clímax de intención e intensidad que alcanzaron una vez llegaron ambos a inmortalizar tales supuestos sucesos en su estudio, con la ayuda de su avanzado maremágnum cibernético.

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El resumen de un portfolio de imaginación incesante

Se nos hace un tanto cuesta arriba tratar de confeccionar un epítome del trabajo de Sommeling por cuanto gustaríamos de incluir el total de su muestrario sin dejar apenas signos o evidencias sin cubrir. De modo que lo más práctico a estos efectos va a ser zambullirse en sus cuentas de 500px, Flickr o Instagram y tras su navegación detallada quedarnos exhaustos tras la constatación de su predio de calidad, técnica, inspiración y genio.

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Fabulario de escenografías visionarias

Adrian Sommeling es un creador de espectáculos inéditos que provienen de un imaginario infantil que celebra y rememora cada vez que se congrega en su trabajo con su hijo; un colega inseparable de sus hazañas pictóricas de quien sabe extrapolar aquellos sueños que experimentó cuando niño, retrotrayéndolos al entorno que más le place emular mediante su técnica, recursos y altos conocimientos de imagen. Desde siempre a Mr. Sommeling le cautivó la facilidad creativa de su madre y aún cuando igualmente le hubiere gustado disponer de dotes musicales, literarias u oratorias, finalmente se enfocó en el entorno de lo gráfico ayudado del ejemplo y el trayecto de su… -también artista sabia- …progenitora. De tal modo fue acuñando un talento destacable con el aerógrafo, la pintura o el dibujo, hasta convertirse en todo un diseñador de ambientes y situaciones atípicas que, aunque se inspirara mayormente en su infante colaborador asiduo, nos confiesa que en el humor se asienta su más sólido yacimiento de musas; cualquier cosa que le haga reír es motivo suficiente y bastante para idear una foto o una imagen compuesta por varias, con tan solo imaginarse al frente de ella, en primera persona; motivado a edificarla hasta hacerla tangible, atrayente, contagiosa y pegadiza.

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Guru de Photoshop

Mediante algunos de los párrafos de la entrevista que en su día concedió a la web especializada Xatakafoto.com podemos entender mejor el prisma de este artesano de la imagen imaginada.

“…/… A menudo, la gente me ve como un gurú del Photoshop pero no lo soy. Prefiero realizar todo lo posible… -e imposible, añadiría yo- …con mi cámara. Cuanto menos tenga que hacer con Photoshop, mejor. Aunque he de confesar que los efectos que logro en mis trabajos fotográficos serían imposibles de hacer sin ese software. Solamente con mucha paciencia puedo lograr esos resultados finales. Así que, diría que me considero ambas cosas: Un fotógrafo y un artista digital.”

“Tal y como puedo recordar en mi vida, siempre he estado creando imágenes. Mi madre es artista, nunca he vista nadie tan creativa como ella. Siempre estaba sentado a su lado… -mientras creaba, apunta- …realizando mis propios dibujos. Según fui creciendo rápidamente levanté mi propia agencia relacionada con la imagen.”

“Realmente no empecé a trabajar en serio el lado fotográfico hasta que hace cuatro años (*) compré una Nikon D3100 y empecé disparar con ella. Al principio apuntaba a todo pero pronto comencé a darme cuenta de que eso no era lo mío. Quería aportar algo más con mis imágenes. Quería contar historias. Y así es como todo empezó.”

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Nikon-D3100-1

Nikon D-3100

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(*) Dada la fecha en que se realizó esta entrevista, el 30 de marzo de 2015, estamos pues ante un número uno de la fotografía más vanguardista y contemporánea que apenas lleva, a día de hoy (en octubre de 2017) seis escasos años, seis… dedicado profesionalmente al mercado y la edición de la imagen digital además de a la manipulación y el retoque de sus capturas vía Photoshop y otras aplicaciones relacionadas; y tampoco parece causarle complejo admitir que fue por esas fechas cuando adquirió su primera máquina fotográfica reflex, tratándose además de una de las de más sencillo manejo del mercado de aquellos días; la Nikon D3100. Todo lo cual, a algunos nos pone el vello de punta.

“Started photography in february, 2011… and since then I find it hard to think about anything else. Photography has a big impact on your life and the way you look at it. It opens your eyes.” – Adrian Sommeling.

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Compartiendo secretos

El procedimiento que confiesa seguir Sommeling en el ejercicio de su trabajo puede arrojarnos algunas pistas sobre la complejidad de su tarea como constructor de mundos imposibles:

“1: Esbozo la idea en papel durante unos días.

2: Busco el fondo de la escena con mi cámara, habitualmente al caer el sol. Cualquier cosa puede servirme como fondo.

3: Una vez que he conseguido ese fondo necesito los modelos para el primer plano. Ilumino los modelos, habitualmente con 3 flashes a través de un paraguas blanco, colocando las luces para que cuadre todo con la iluminación del fondo.

4: Una vez que he realizado todas las fotos las abro en Camera RAW. Juego con los ajustes para conseguir un estilo un poco HDR, cuando estoy satisfecho, abro las imágenes en Photoshop y las recorto y ajusto unas con otras y comienzo el postprocesado de todo menos el fondo. Una vez hecho todo, trabajo dicho fondo y lo acoplo.

5: Uso el método de enfoque de filtro de paso alto, al final, para darle un toque de mayor nitidez al resultado.

6: Abro, a veces, de nuevo el resultado en Camera RAW y ajusto el estilo HDR inicial.

7: FIN

El caso es que, explicado así… hasta parece sencillo.

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La luz esencial

En cuanto a la iluminación, Sommeling insiste en cada entrevista que concede en el hecho de que, ante de centrarse en la edición mediante Photoshop o la aplicación que se elija, la iluminación implica el factor más importante a la hora de organizar su trabajo:

“Sin duda la iluminación (es prioritaria en mi esquema de trabajo). Con mucha paciencia puedes conseguir la foto (final) sin apenas (emplearte con el) Photoshop; (de este modo aspiro a lograr la imagen que definitivamente) se aproxime a mi estilo. Pero no puedo conseguir ese estilo si no llego a iluminarla de la manera en que lo hago.”

A la vista de buena parte de sus fotos, no nos cabe duda alguna de que Adrian Sommeling es un maestro en el uso de la luz. Si el eminente creador plástico barroco Caravaggio reencarnara en estos tiempos y se hiciera fotógrafo… lo más probable es que, entre otros, acudiría a la oficina de Sommeling a ponerse al día con las técnicas de gestión de luz de nuestros tiempos.

“Un reflejo (de luz) natural (realista) es fundamental para conseguir imágenes compuestas al estilo de la ‘publicidad norteamericana’ hiperrealista.

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El balance entre las capturas ‘RAW’ y la postproducción de ‘Alto Rango Dinámico’ (High Dynamic Range – HDR)

¿Cómo hacer que la luz se refleje de una forma natural en el contexto de una imagen compuesta? Si realmente estamos por la labor habremos de consultar las pautas que se exponen en los tutoriales de Sommeling. En ellos se nos muestra paulatinamente la técnica y el proceso más ágil para lograr que la imagen más fantástica, falaz e inverosímil nos inspire sensación de realismo posible y hasta a veces plausible; porque… ¿a quién no iba a gustar sentirse protagonista de semejantes episodios de ingravidez trepidante? De igual modo, en sus dictados maestros nos indicará con gran detalle qué herramientas debemos elegir de entre la ya amplia gama de recursos Photoshop así como en las que obran en nuestra tableta Wacom. -Como suelen proceder buena parte de los profesionales del gremio- …para lograr un mapa de bits y pixels más gráfico, fulgurante y explícito Adrian suele hacer uso de una o dos copias de una misma escena básica dispuestas ambas en sendas capas (layers) superpuestas; especialmente a la hora de enfocarse en dotar a sus creaciones de ese sello típico del estilo de la ‘publicidad norteamericana’; de igual modo que solía imbricar en sus trabajos su referente favorito en ese aspecto: El fotógrafo Dave Hill.

En esta tendencia en boga de realce de la escena se trataba pues de adquirir un efecto de ‘realismo artificial’ a base de retoques lumínicos mesurados y esmerado uso de plug-ins, filtros, efectos y procedimientos combinados en secuencia, que finalmente ha pautado la evolución de una moda que no cesa de expandirse.

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Cuando los fotógrafos salen ‘de gira’

Sommeling es un perito diestro y ducho que destaca ciertamente entre los grandes y cuya actividad profesional actual fluctúa entre la creatividad que de él demandan sus clientes, la que se exige a sí mismo en sus travesuras propias y la de su capacidad docente cuando imparte interesantes  talleres de imagen digital, fotografía, retoque e iluminación; operando de tal modo desde en Londres hasta en Roma o Dubai; dando saltos entre Holanda, Alemania, Francia, España o cualquier otro enclave que se preste a convocarle, junto a su actual camarada de fatigas e igualmente fotógrafo, Ronald Koster.

A la vista está, por tanto que, Adrián Sommeling es un sagaz cazador de ilusiones en lo óptico, visual, lo sensitivo y lo emotivo que, dicho sea de paso, no suele transportar un equipo exacerbadamente aparatoso:

“I shoot almost only with my Olympus OMD e-m1 and the 12-40 mm M.Zuiko lens. Sometimes I use a speedlight or a tripod, but only sometimes.” – Adrian Sommeling.

Parece ser que Sommeling se confiesa todo un adicto pues, a las lentes 12 y 40 mm. de M. Zuiko; emblemáticas de, entre el de por sí, ya denso y afamado catálogo de la casa Olympus.

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12-40 mm M.Zuiko lens – Olympus.

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La sincera relación con el resto de artistas

El contacto con su público y alumnado de artistas, diseñadores y creativos es el patrimonio que más beneficio reporta a Mr. Sommeling cuando salta de puerto en puerto a impartir sus prolíficos workshops.

Y a la cuestión acerca de… ¿qué tanto de importancia implica el uso de Photoshop en el logro de sus metas? …hace énfasis en la idea de que, sin una buena captura inicial no se puede aspirar a conseguir el efecto deseado:

“(For me, in my job, Photoshop) …it is 100% important. Without it I can’t get the style that I like to have in my photos, but like I said before, don’t underestimate the part of taking the photos. I think it is 60/70% photography and 40/30 % post processing is what makes the pictures.” – Adrian Sommeling.

Y a la pregunta del millón acerca de… ¿qué máximo de número de capas ha dispuesto en una sesión de edición en Photoshop? …nos alega que… ‘alrededor de 70’; al tiempo de confesarnos sin dilación la importancia de un buen uso de la luz a la hora de ambientar el set y/o la escena de origen.

“Lighting is one of the most important parts of my style. I don’t need to experiment a lot anymore because I almost always use the same light. It isn’t so hard anymore to achieve what I want. Only occasionally I have more lights in a scene and then I practice a bit.” – Adrian Sommeling.

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Experto en post-producción, diestro en docencia.

En base a la pedagógica faceta de Sommeling es posible asistir a buena parte de sus recursos de diseño a través de los copiosos tutoriales que acostumbra a divulgar en su canal YouTube… -así como comercializar a través de su Web site-. Lo cual no es poco tratándose de un experto de su talla; un portfolio con un catálogo de imágenes que, una tras una, sugieren un sinfín de preguntas al respecto de su gesta.

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‘Counting-sheepzzzZZZzzz’ – Adrian Sommeling

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The making of ‘Counting-sheepzzzZZZzzz’, by Adrian Sommeling.

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Técnicas para emular borrascas

Como se adujo poco antes, además de su ya famoso vídeo en el que detallaba el ‘making of’ de su popular foto ‘Wind’, hoy en día Adrian Sommeling nos obsequia con una interesantísima serie de tutoriales de high standing, cuyos enlaces y embeds no podrían faltar en ningún artículo dedicado a su obra.

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Wind – Adrian Sommeling

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Making of ‘Wind’, by Adrian Sommeling.

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The Adrian Sommeling’s making(s) of(s) videos

En sus divertidos vídeos… -y en apenas un minuto de demostración y charla- …te comenta a bote pronto el por qué, el cuándo y el cómo de sus más sonadas opus magnum. Y es por ese, tan magnánimo detalle, que gran parte de su público nos sentimos ciertamente agradecidos.

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Flying with fidget spinners - Adrian Sommeling

‘Flying with fidget spinners’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘Flying with fidget spinners’, by Adrian Sommeling.

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The vintage Vlogger - Adrian Sommeling

‘The vintage Vlogger (YouTuber)’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘The vintage Vlogger (YouTuber)’, by Adrian Sommeling.

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Driving an Aston Martin in Iceland - Adrian Sommeling

‘Driving an Aston Martin in Iceland’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘Driving an Aston Martin in Iceland’, by Adrian Sommeling.

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Bullet time with nerfs - Adrian Sommeling

‘Bullet time with nerfs’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘Bullet time with nerfs’, by Adrian Sommeling.

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Iluminando a la luz misma

Cabe pues concluir que la iluminación y el buen uso de la luz en general son las pautas esenciales a la hora de concebir y ocasionar un producto memorable, según nos aduce Adrian Sommeling. De la optimización de la luz propia en el estudio o al aire libre -en el justo momento de la captura- …a la postproducción ulterior en alto rango dinámico -mediante los filtros NIK HDR aplicados casi siempre en Adobe Lightroom …es de donde Sommeling logra realzar la luz misma al tiempo de hacer brillar a su talento propio. Y este sería el resumen más propicio para ensamblar una reseña del trabajo de este impresionante creativo. Ése y la mención de su elástica capacidad para convertirse en otro niño más mientras opera con su hijo y sus amigos… a fin de hacer rejuvenecer igualmente a una gran parte de su público, cual si hojeáramos de nuevo uno de esos cómics de Tintín magistralmente confeccionados por su padre, Hergé. Tanto es así que se podría afirmar que Sommeling es el Hergé de la fotografía más vanguardista y atrevida.

Dicho lo cual habría que hacer especial énfasis en el hecho de que, junto con el resto de la trinidad de genios de las artes digitales no animadas, Erik Johansson y Thomas Barbèy… -y tras la consulta exhaustiva de más de doscientos espadas de la imagen digital estática- …Adrian Sommeling nos dejó boquiabiertos, atónitos y pasmados; tanto por su envidiable técnica fotorrealista como por su admirable talento, inventiva y fantasía. Dicho lo cual, bien se merece un gin-tonic… -degustado a su salud-.

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“Al encontrarte a ti mismo, hallarás tu estilo propio. Será único, tal como tu huella digital”. – Adrian Sommeling.

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Adrian Sommeling – Referencias y enlaces

Adrian Sommeling – Official web site

Adrian Sommeling – Instagram

Adrian Sommeling – 500px.com

Adrian Sommeling – Facebook

Adrian Sommeling – Fickr

Adrian Sommeling – 1x.com

Adrian Sommeling – Twitter

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Adrian Sommeling en Wacom.com

Adrian Sommeling Step by Step – Photo Composite – Fstoppers.com

Adrian Sommeling – Interview in Phlearn.com

Adrian Sommeling – Train to create

Adrian Sommeling – Entrevista en xatacafoto.com

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-( All images inserted are copyrighted by his author, Adrian Sommeling )-

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‘Matte painting’ con Mickaël Forrett

Mickaël Forrett

Mickaël Forrett es un joven diseñador digital con una amplia experiencia en técnicas de mate painting, las cuales permiten la creación de cualquier escenario o paisaje mediante la adecuada mezcla de imágenes fotográficas o ilustraciones a fin de lograr resultados fotorrealistas. Se viene utilizando tanto en el ámbito editorial como en el de la publicidad, el cine, los videojuegos o la arquitectura. Para ello hay que especializarse en una correcta selección y uso de fotografías y texturas así como en la ulterior aplicación de sombras, luces y color. En esta disciplina se combinan diferentes softwares de retoque fotográfico e infografía, así como de efectos especiales, ya bien estáticos o en movimiento.

Mickaël Forrett trabaja con los motores de render Mental Ray, así como con el V-Ray; también diseña terrenos con el World Machine y realiza retoques dinámicos con el Adobe After Effects, el Nuke (un programa de la firma AutoDesk de composición basado en nodos), el Mudbox (software de infografía en 3D también de la empresa AutoDesk), el Adobe Photoshop y el 3D Maya, una compleja aplicación de modelado y animación en tres dimensiones igualmente diseñada por AutoDesk. Hemos de afirmar que en este complejo área de la creación digital, a nuestro juicio Mickaël Forrett logra unos resultados espectaculares.

Mickaël reside en París habitualmente y su ducho dominio de las técnicas de lighting (iluminación), compositing (composición), texturing (aplicación de texturas), shading (sombreado), rendering (procesamiento del producto final), las que conciernen al propio matte painting (pintura y tratamiento de las capas) así como su personal visión del arte conceptual hacen de él uno de los creadores con más futuro en este oficio en nuestros días.

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La técnica del matte painting consiste en reunir varias imágenes o vídeos dentro de la una misma escena, mediante el uso de programas 2D, 3D y de postproducción, para ir luego solapándolas unas a otras a fin de disponer de diferentes capas que, al ser tratadas de manera independiente, coadyuvarán a lograr una mayor sensación de cercanía o lejanía, potenciando de tal modo la sensación de realismo y perspectiva; hablamos de herramientas como las que incorporan los softwares de Adobe, Illustrator, Photoshop o el mágico y divertidísimo After Effects; de este modo se logran resultados prácticamente imposibles de conseguir mediante el rodaje o la grabación de vídeo de escenas reales.

Desde hace ya unas décadas este procedimiento se viene utilizando de modo reiterado tanto en cine como en la realización de spots publicitarios o incluso en imágenes estáticas como las típicas de cartelería. Ya no se trataría de una técnica en particular sino más bien de la mezcla de muchas; tampoco se puede hablar de un solo proceso en concreto dado que se requiere dominar ciertos conceptos previos y entre ellos, la elección del punto de luz es uno de los principales elementos a definir.

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Mickaël Forret mate painting procedure 1

Proceso de inserción de máscaras (Mickaël Forrett’s mate painting demo)

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Mickaël Forrett mate painting procedure 2

Escena final (Mickaël Forrett’s mate painting demo)

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Para aspirar a lograr un resultado creíble resulta preciso alcanzar un balance de tono, saturación y brillo entre todos los elementos que se combinan; la imagen de fondo (el background) podría tratarse casi de modo estático mientras que el resto de capas precisarían… -además de un tratamiento de luz y sombras independiente- …la posibilidad de ir reubicándolas en el frame (fotograma) a medida que se va desplazando la cámara.

Como ejemplo de lo dicho anteriormente, la secuencia del teaser ‘Horizon’ que se inserta de seguido serviría para ilustrarnos al respecto; este corto render conforma la mejor muestra de las habilidades multidisciplinares de Forrett, al menos hasta la fecha de la redacción de este artículo:

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En la imagen anterior el citado background ha premanecido prácticamente estático; por lo tanto no sería preciso diseñar y ulteriormente ‘renderizar‘ (procesar y generar digitalmente) nada más que un solo fotograma del mismo, el cual tampoco necesitaría un tratamiento tridimensional sino que una imagen en dos dimensiones bastaría para cumplir su papel como paisaje de fondo; mientras tanto, el resto de elementos dispuestos en las distintas capas superpuestas ha ido cambiando en el transcurso del travelling (movimiento de la cámara); obviamente las naves que aparecen en el cielo se desplazan y la orientación de los terrenos y objetos más cercanos igualmente va mutando suavemente a lo largo del traslado del enfoque, en base a lo cual, se requeriría de un ‘renderizado’ dinámico secuencial -generado fotograma a fotograma- que obedeciera a la perspectiva que en cada instante de tiempo recoge el objetivo. Esto implica que el contraste, la luz y la proyección de sombras no va a alterarse en los objetos que se encuentran a mayor distancia tanto como en los que se sitúan en la cercanía. La suma de tales factores invitaría a optar por un proceso de construcción tridimensional de dichos cuerpos cercanos a la cámara.

Conviene recordar que todas las aplicaciones de diseño en 3D disponen, no ya de una sola sino de varias cámaras virtuales desde las que se trabaja la producción de la escena, así como la percepción final de la secuencia; una cámara a la que normalmente también hay que implementar un determinado movimiento, zoom o tránsito.

En definitiva, para lograr un comportamiento coherente del total de los elementos y parámetros en juego es preciso aplicar los debidos ajustes en las diferentes capas involucradas así como en los modos de superposición éstas; y estos son los requerimientos que permiten efectuarse desde herramientas como Photoshop o After Effects, ambos productos de la pionera marca Adobe; además de tratarse de aplicaciones líderes en esta disciplina prácticamente desde que se lanzaron al mercado a inicios de la década de los 90 del pasado siglo.

After Effects viene a ser como un Photoshop dedicado a la postproducción, edición, retoque y trucaje de imágenes animadas para cine y vídeo en general; su kernel (núcleo del sistema operativo) y algoritmos de funcionamiento de los plug-ins (filtros y aplicaciones aditivas) responden a la misma arquitectura de programación que los que operan bajo Photoshop.

En cualquier caso el trabajo de Forrett devino en un acertado proceso de imaginación conceptual, técnica y buen gusto que hubo de elongarse hasta cinco meses para llegar a transmutarse desde la fase de sketches preliminares... :

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'Horizon' breakdown - Sketch - Mickaël Forrett

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…hasta llegar a convertirse en…:

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Del digital painting al matte painting

Desde los films ‘King Kong’ hasta ‘Blade runner’, pasando por ‘2001: A space odissey’ o la saga ‘Star Wars’ diferentes modalidades de procedimientos de mate painting han venido siendo utilizados por los cineastas de unas y otras épocas. Especialistas de la talla de Dylan Cole, Dusso, Chris Stoski, Alp Altiner o Darin Hilton se lucieron en su día en esta faceta creativa trabajando para las factorías de ILM, Digital Domain, Cinesite, DreamWorks SKG, Pixar, con cada vez más asombrosos resultados. Y en el caso que nos ocupa y aún tratándose todavía de una joven promesa en la materia, la verdad es que los comentarios de algunos de los especialistas y forofos del gremio no nos resultan demasiado exagerados:

[ “I’ve always been amazed by the Matte painting work on Bladerunner. And off topic, the model work as well. Those men were brilliant, and before the aid of computing. Mickaël Forrett’s work on Horizon is stunning! ]

Igualmente en estas artes de composición de imágenes se hace uso de la técnica de la pintura digital (digital painting) combinada con las herramientas de subexposición y sobrexposición (double expossure) que incorporan las últimas versiones de Photoshop; de tal forma es posible combinar los grados de iluminación de cada sección de la escena así como el control del contraste de manera tanto global como local, permitiéndonos parametrizar la exposición final manualmente y a la medida de las necesidades del film-set (escenario, ya bien virtual o real).

En referencia a todo lo expuesto anteriormente, la importancia del buen uso de las máscaras (mattes) diseñadas para cada capa (layout) viene a ser particularmente vital a la hora de conseguir la coherente simbiosis de los distintos componentes en una sola y única percepción final.

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Mickaël Forrett - Matte painting technics for Horizon I

Proceso de mate painting para ‘Horizon’

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‘Horizon’ proceso de producción

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Escenas de ‘Horizon’

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-(Pulsar en los marcos de imágenes para la navegación en alta definición)-

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Digital painting

A continuación una muestra del complejo y elogiable arte del digital painting de la mano del propio Forrett, realizado en este caso para el diseño de las escenas del cortometraje The end of Sparta; incluso para los buenos dibujantes o artistas pintores sobre lienzo, papel, que se aplicaran ya bien en el uso del lápiz, carboncillos, óleos, acuarelas o pinturas, el desenvolverse con mediana soltura con las herramientas que provee el ordenador comporta un mundo nuevo de desafíos aunque a la vez un universo aún más vasto de posibilidades:

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M.Forrett-Sparta-1s.jpg

The end of Sparta’, escena final.

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Speed painting

Nuevos ejemplos, a continuación, de diseño ‘pictórico’ digital abordado a cierta velocidad, de factura de la diestra mano de Forrett:

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Sunny morning - Final scene - (Mickaël Forrett)

Sunny morning – Final scene – (Mickaël Forrett)

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LightHouse - (M.Forrett)

LightHouse – Final scene – (Mickaël Forrett)

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Steamship - Final scene - Mickaël Forrett

Steamship – Final scene – Mickaël Forrett

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En fin; como alega uno de los comentaristas a pie del vídeo que sigue:

“This kills everything I know in Speedpainting”.

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Endless Space 2 – The Unfallen – Prologue

Para más datos, seguidamente enmarcamos un video que realizó para la empresa Supamonks Studio como promoción del video-juego Endless Space 2 (Amplitude Studio). Los caracteres y diseños de la nave espacial fueron acometidos por el equipo de Amplitude Studio; mientras que, obviamente, el paisaje del entorno y las imágenes de los backgrounds corrieron de la mano de Mickaël Forrett.

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3D modeling, texturing, lighting and rendering

Por si fuera poco todo lo hasta aquí expuesto, Mickaël también es músico y produce sus propias mezclas que pueden escucharse en algunos de sus clips así como en su cuenta personal en el seno de la plataforma SoundCloud; pero en lo que atañe estrictamente al apartado de imagen, su cada vez mayor implicación con las herramientas de diseño en 3D le avalan para producir proyectos cien por cien infográficos ciertamente notables.

En el caso que sigue, el modelado, la animación, la generación de partículas (particles generator), el sombreado, la iluminación y el render final fueron realizados desde el Autodesk 3D Maya; y lo cierto es que el resultado ofrece un aspecto impecable; desde nuestro particular entender, especialmente en lo que toca al capítulo de iluminación. Se hizo uso también del Autodesk Mudbox y el Photoshop para ultimar el acabado de texturas y la composición final se efectuó desde The Foundry Nuke y el Adobe After Effects.

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Mickaël Forrett demo reel

En definitiva pues,  tras haber descubierto hace poco las imágenes de Mickaël… -y habernos puesto en contacto con él a fin de solicitarle la licencia para redactar un artículo sobre su perfil y su obra- …nos congratulamos de que nos facilitara la tarea de compilar e incluir los enlaces correspondientes a fin de ser insertados en este post dedicado.

Y como colofón del presente memorándum nada mejor que añadir también su propio demo reel (carrete de demostración) -producido en 2016- para hacernos una idea global de su capacidad de ingenio conceptual, inventiva y desarrollo.

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Mickaël Forrett – Breve resumen de su carrera profesional

January 2015 – Current : One More Production – Paris – CG Artist / VFX Supervisor.

March 2015 – December 2015 : Fortiche Production – Paris – Compositing.

November 2014 – March 2015 : One More Production – Paris – CG artist / VFX Supervisor.

June 2012 – October 2014 : One More Production – Paris – CG artist.

July 2012 – May 2013 : Freelance – New York city.

April 2012 – June 2012 : Intern at The Mill New York – Matte painting and compositing.

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-(Pulsar en los marcos de imágenes para la navegación en alta definición)-

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Enlaces a los sitios web de Mickaël Forrett

Mickaël Forrett en ArtStation

Mickaël Forrett en Vimeo

Mickaël Forrett en la prestigiosa web de Behance

Mickaël Forret en IMDBb

Mickaël Forrett en Linkedin

Mickaël Forrett en SoundCloud

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Surrealist reality. Kinga Britschgi.

 About Kinga Britschgi, in her own words.

Kinga Britschgi is a Hungarian artist living in the United States. She is best known for her magical digital images that always have some dark surrealistic elements. She was born in Nagyatád, Hungary and moved to the U.S. in 1995. She has a degree in Fine Arts (graphic design), TEFL (Teaching English as a Foreign Language), and Elementary Education.

Her works were published in numerous professional publications and in 2013 Adobe chose her as one of the artists in their ‘New Creatives’ campaign.

She lives with her husband and son in Boise, Idaho.

– I earned a degree in Elementary Education, including Art Education and also in Teaching English as a Foreign Language. For a long time I had a very hard time deciding which direction I wanted to take. In Hungary, it seemed to be teaching English and some art, in the United States, it is mainly art with some teaching.

I try to make art a daily ritual or at least a daily engagement. Although I usually define myself as a collage-painter and block printer, I have mainly four areas of interest: collages (in a broad sense; as I am also attracted to assemblage, bricollage and such things), block printing, artist books and computer graphics.

I create my pieces from “found objects.” Mainly old ephemera, books, charms, photos, nature’s treasures, fabric and a lot of other sources. I also have innumerable rubber stamps. I am a “metallic” fan: gold, copper, silver, bronze.

Lately I have returned to some of my old college routines: oil paintings, some watercolor and pencil drawings. My favourite and always returning motif is the female nude in many, many forms.

As I also write (unfortunately much less lately than I used to) I often use my writings as a starting and/or inspiring point. I create either a ‘visual writing chunk’ (when the actual words, their physical appearance, have vital parts in the finished piece) or merely an illustration for the chosen sentences.

Recently, while I was drawing for one of my newer collages, I stopped and started to think: why do I not draw/paint a ‘whole-story’ picture? (You know: women are sitting in a sun-lit forest chatting; little cottage on a river bank or even a portrait; you know what I am talking about.) Why do I feel the urge of pasting bits and pieces to / at / below / above / through my seemingly unfinished drawings / paintings and finish them in this way, creating a collage? It is not because I could not paint or draw an ‘epic’ picture, I guess. It is because I do not think in a linear way, and because I always want to express much more than I ever could in any other ‘linear‘ form. I am not saying other directions are wrong; what I mean is, that for the ultimate and only way of my self-expression is the collage form with its unbelievable freedom.

I am a very slow artist; in this context it means that although collage seems to be a very improvisational form, for me it is a very, very serious, bittersweet battle: when I finish my piece I can tell you exactly why I have chosen a certain piece of paper or why I attached that label or why I positioned that rusty piece of metal just there. What I mean is, yes, even if I hate this term, my pieces do have some message; on the other hand I am the last person who expects anyone to ‘go for’ this message. But it is extremely important for me to create purposefully; to know what I do and why exactly I do that in that certain piece. I do believe that in this way I create something that is worth looking at, ‘deeper‘ than a decoupage (“a surface decoration“). And I do believe that even if my ‘message’ cannot be discovered sometimes, the piece can put up with time for a long while and please people as it is being born out of a painful but extremely joyful creative process.

I do not like the term, “fast and easy to make.” I think it is always very hard to make something meaningful and in a lot of cases it is a long and frustrating process. But this is exactly what is most beautiful about being an artist.

In the future, I am planning to go back to school and study printing and book arts.

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More about ‘Kingabrit’

I am a Hungarian artist having been living in the U.S. since 1995. Although my art degree is graphic design I work in both traditional and digital media. Apart from magazine covers and cd covers my works appeared in several professional magazines. I like to create magical worlds in my pictures and my specialty is creating surrealist photo manipulations / photo collages with a touch of fantasy; I call them ‘surrealist reality’. I sometimes design digital collage elements that my clients can mix-and-match to make their own art pieces.

Corporate & personal print designs (posters, flyers, invitations, brochures), book- and cd-covers, packaging, digital illustrations, and digital fine art. Ten plus years of experience in the creative field.

If you are interested in hiring me for a graphic design job visit my website ( kingabrit.wix.com/kinga “Contact” tab) or simply send me a note here. Please allow me a few days to respond.

I am a professional graphic designer and digital artist working in both traditional and digital media. My specialities are print designs, illustrations, and surreal digital fine art. I love creating corporate and personal flyers, brochures, cards, direct mail pieces (mailers), signage, magazine ads, and banners. I am also designing eye-catching book- and cd-covers.

I do have a very specific and unique way of seeing the world around me, so my designs, although always very professional and effective, stand out of the mainstream designs helping my clients a great deal to achieve their business goal. My clients include Adobe, Sydney Theatre School (Australia), The College of Idaho, Olibet (Belgium), and numerous small businesses and individuals.

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Thank you for your interest in my digital fine art prints! You can order your Open Edition Prints of my images here:

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There are many options and sizes, greeting cards, and a lot of gift items (mugs, coasters, etc) – check them out!

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Kinga Britschgi on Behance

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rep email: kate@sullivanmoore.com
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