The London eye (engine) - A.Sommeling

La luz esencial. Adrian Sommeling.

El maestro del still con cinemática

En nuestra terca búsqueda de maestros de la creación actual más vanguardista y en el apartado que concierne al diseño multimedia y las artes digitales, al tropezar con el trabajo de Adrian Sommeling hemos tenido que hacer hacer pausa, hollar asiento, respirar hondo y hasta tragar saliva; para durante y después culminar con solemne protocolo de café, copa y habano.

Adrian Sommeling es un mago deteniendo el movimiento sin convertirlo en reposo. Buena parte de sus gráficos contienen esa tensión de un instante capturado en la secuencia de cinética más inquieta e impaciente de la que es imposible aprehender un fotograma de calma. Su talento al aplicar los procesos Color burn y Color dodge o su temple calibrado a la hora de tratar el proyecto con los filtros HDR de los Nik plug-ins de Google… -o cualquiera de sus análogos de otras marcas sucesoras- …convierten el disparo originario de su cámara en auténticas viñetas de historietas dibujadas. Así es la magia de la postproducción de hoy en día, en la que el logro de un trucaje de intención fotorrealista se fusiona con un pretendido cariz vintage y caricaturesco tan de moda en estos tiempos, en los que el procesado de alto rango dinámico (HDR) se ha convertido en un estándar en la industria. Pero en el caso de Sommeling, el balance entre ambas pautas se torna magnificente.

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Un guión y un argumento en un solo fotograma

Este singular fotógrafo, artista digital, diseñador gráfico y Web… -que mora en sus Países Bajos- …viene ganándose la vida operando en el mercado de la publicidad y trabajando para empresas nacionales e internacionales, cuando no contratado por agencias y gobiernos. Y no nos debería asombrar esto último pues dado el dominio que ostenta en retoque y postproducción Photoshop, lo extraño será que no acabe contratado por la NASA a fin de echarles un cable a la hora de afinar un pelín más en sus patéticas y del todo inverosímiles imágenes de “exploración cósmicacómica“, tan pésimamente trucadas como aún peor, ‘renderizadas.

Según sus testimonios propios, en sus primeras etapas se enfocó más en el diseño gráfico y la programación Web; pero tras no muchas temporadas de constante aplicación actualizada… -en el siempre mutante entorno de las tecnologías digitales- …la fotografía acabó conformando su principal obsesión; hasta tal punto que en las actuales fechas (octubre, 2017) no se limita a trabajar los encargos de sus clientes sino que, en ratos libres, se divierte sin cesar ingeniando todo tipo de escenarios surrealistas, alocados e insensatos en los que, casi siempre se hace eco del carisma socarrón y vivaracho de su cómplice vástago; un buen actor, expresivo y altamente espabilado cuyo padre no titubea a la hora de insertarle en escenas tan mágicas como hilarantes hasta convertirle en el carácter vital de estas historias delirantes e imposibles.

“Love to tell stories with my photos. It’s an addiction…” – Adrian Sommeling.

¡Desde luego que le gusta narrar semblanzas inéditas con cada una de sus fotos intrincadas y arriesgadas! Y hasta el mero hecho de verlas también puede llegar a crear adicción a cierta audiencia; porque cada imagen de su hijo pululando por los aires o surcando decorados virtuales asombrosos nos evoca una aislada secuencia congelada de un más que probable cómic disparatado, increíble y aventurero que se extiende atrás y avante en una línea de tiempo a la que asistimos en su momento más cúspide, aun perdiéndonos tanto su introducción y exordio… como su efecto, peroratio y desenlace.

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La animación congelada en un instante puntero

A las imágenes de Sommeling solo les falta hablar y animarse en el tejido de su espacio y de su tiempo para estirarse y elongarse en episodios de vida y devenir de historieta de tebeo, asombrosa, fascinante y milagrosa. Nadie sabe cómo acaban los relatos e imaginarios de los Sommeling, -padre e hijo-; lo que sí estamos llamados a atestiguar aturdidos es al clímax de intención e intensidad que alcanzaron una vez llegaron ambos a inmortalizar tales supuestos sucesos en su estudio, con la ayuda de su avanzado maremágnum cibernético.

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El resumen de un portfolio de imaginación incesante

Se nos hace un tanto cuesta arriba tratar de confeccionar un epítome del trabajo de Sommeling por cuanto gustaríamos de incluir el total de su muestrario sin dejar apenas signos o evidencias sin cubrir. De modo que lo más práctico a estos efectos va a ser zambullirse en sus cuentas de 500px, Flickr o Instagram y tras su navegación detallada quedarnos exhaustos tras la constatación de su predio de calidad, técnica, inspiración y genio.

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Fabulario de escenografías visionarias

Adrian Sommeling es un creador de espectáculos inéditos que provienen de un imaginario infantil que celebra y rememora cada vez que se congrega en su trabajo con su hijo; un colega inseparable de sus hazañas pictóricas de quien sabe extrapolar aquellos sueños que experimentó cuando niño, retrotrayéndolos al entorno que más le place emular mediante su técnica, recursos y altos conocimientos de imagen. Desde siempre a Mr. Sommeling le cautivó la facilidad creativa de su madre y aún cuando igualmente le hubiere gustado disponer de dotes musicales, literarias u oratorias, finalmente se enfocó en el entorno de lo gráfico ayudado del ejemplo y el trayecto de su… -también artista sabia- …progenitora. De tal modo fue acuñando un talento destacable con el aerógrafo, la pintura o el dibujo, hasta convertirse en todo un diseñador de ambientes y situaciones atípicas que, aunque se inspirara mayormente en su infante colaborador asiduo, nos confiesa que en el humor se asienta su más sólido yacimiento de musas; cualquier cosa que le haga reír es motivo suficiente y bastante para idear una foto o una imagen compuesta por varias, con tan solo imaginarse al frente de ella, en primera persona; motivado a edificarla hasta hacerla tangible, atrayente, contagiosa y pegadiza.

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Guru de Photoshop

Mediante algunos de los párrafos de la entrevista que en su día concedió a la web especializada Xatakafoto.com podemos entender mejor el prisma de este artesano de la imagen imaginada.

“…/… A menudo, la gente me ve como un gurú del Photoshop pero no lo soy. Prefiero realizar todo lo posible… -e imposible, añadiría yo- …con mi cámara. Cuanto menos tenga que hacer con Photoshop, mejor. Aunque he de confesar que los efectos que logro en mis trabajos fotográficos serían imposibles de hacer sin ese software. Solamente con mucha paciencia puedo lograr esos resultados finales. Así que, diría que me considero ambas cosas: Un fotógrafo y un artista digital.”

“Tal y como puedo recordar en mi vida, siempre he estado creando imágenes. Mi madre es artista, nunca he vista nadie tan creativa como ella. Siempre estaba sentado a su lado… -mientras creaba, apunta- …realizando mis propios dibujos. Según fui creciendo rápidamente levanté mi propia agencia relacionada con la imagen.”

“Realmente no empecé a trabajar en serio el lado fotográfico hasta que hace cuatro años (*) compré una Nikon D3100 y empecé disparar con ella. Al principio apuntaba a todo pero pronto comencé a darme cuenta de que eso no era lo mío. Quería aportar algo más con mis imágenes. Quería contar historias. Y así es como todo empezó.”

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Nikon-D3100-1

Nikon D-3100

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(*) Dada la fecha en que se realizó esta entrevista, el 30 de marzo de 2015, estamos pues ante un número uno de la fotografía más vanguardista y contemporánea que apenas lleva, a día de hoy (en octubre de 2017) seis escasos años, seis… dedicado profesionalmente al mercado y la edición de la imagen digital además de a la manipulación y el retoque de sus capturas vía Photoshop y otras aplicaciones relacionadas; y tampoco parece causarle complejo admitir que fue por esas fechas cuando adquirió su primera máquina fotográfica reflex, tratándose además de una de las de más sencillo manejo del mercado de aquellos días; la Nikon D3100. Todo lo cual, a algunos nos pone el vello de punta.

“Started photography in february, 2011… and since then I find it hard to think about anything else. Photography has a big impact on your life and the way you look at it. It opens your eyes.” – Adrian Sommeling.

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Compartiendo secretos

El procedimiento que confiesa seguir Sommeling en el ejercicio de su trabajo puede arrojarnos algunas pistas sobre la complejidad de su tarea como constructor de mundos imposibles:

“1: Esbozo la idea en papel durante unos días.

2: Busco el fondo de la escena con mi cámara, habitualmente al caer el sol. Cualquier cosa puede servirme como fondo.

3: Una vez que he conseguido ese fondo necesito los modelos para el primer plano. Ilumino los modelos, habitualmente con 3 flashes a través de un paraguas blanco, colocando las luces para que cuadre todo con la iluminación del fondo.

4: Una vez que he realizado todas las fotos las abro en Camera RAW. Juego con los ajustes para conseguir un estilo un poco HDR, cuando estoy satisfecho, abro las imágenes en Photoshop y las recorto y ajusto unas con otras y comienzo el postprocesado de todo menos el fondo. Una vez hecho todo, trabajo dicho fondo y lo acoplo.

5: Uso el método de enfoque de filtro de paso alto, al final, para darle un toque de mayor nitidez al resultado.

6: Abro, a veces, de nuevo el resultado en Camera RAW y ajusto el estilo HDR inicial.

7: FIN

El caso es que, explicado así… hasta parece sencillo.

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La luz esencial

En cuanto a la iluminación, Sommeling insiste en cada entrevista que concede en el hecho de que, ante de centrarse en la edición mediante Photoshop o la aplicación que se elija, la iluminación implica el factor más importante a la hora de organizar su trabajo:

“Sin duda la iluminación (es prioritaria en mi esquema de trabajo). Con mucha paciencia puedes conseguir la foto (final) sin apenas (emplearte con el) Photoshop; (de este modo aspiro a lograr la imagen que definitivamente) se aproxime a mi estilo. Pero no puedo conseguir ese estilo si no llego a iluminarla de la manera en que lo hago.”

A la vista de buena parte de sus fotos, no nos cabe duda alguna de que Adrian Sommeling es un maestro en el uso de la luz. Si el eminente creador plástico barroco Caravaggio reencarnara en estos tiempos y se hiciera fotógrafo… lo más probable es que, entre otros, acudiría a la oficina de Sommeling a ponerse al día con las técnicas de gestión de luz de nuestros tiempos.

“Un reflejo (de luz) natural (realista) es fundamental para conseguir imágenes compuestas al estilo de la ‘publicidad norteamericana’ hiperrealista.

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El balance entre las capturas ‘RAW’ y la postproducción de ‘Alto Rango Dinámico’ (High Dynamic Range – HDR)

¿Cómo hacer que la luz se refleje de una forma natural en el contexto de una imagen compuesta? Si realmente estamos por la labor habremos de consultar las pautas que se exponen en los tutoriales de Sommeling. En ellos se nos muestra paulatinamente la técnica y el proceso más ágil para lograr que la imagen más fantástica, falaz e inverosímil nos inspire sensación de realismo posible y hasta a veces plausible; porque… ¿a quién no iba a gustar sentirse protagonista de semejantes episodios de ingravidez trepidante? De igual modo, en sus dictados maestros nos indicará con gran detalle qué herramientas debemos elegir de entre la ya amplia gama de recursos Photoshop así como en las que obran en nuestra tableta Wacom. -Como suelen proceder buena parte de los profesionales del gremio- …para lograr un mapa de bits y pixels más gráfico, fulgurante y explícito Adrian suele hacer uso de una o dos copias de una misma escena básica dispuestas ambas en sendas capas (layers) superpuestas; especialmente a la hora de enfocarse en dotar a sus creaciones de ese sello típico del estilo de la ‘publicidad norteamericana’; de igual modo que solía imbricar en sus trabajos su referente favorito en ese aspecto: El fotógrafo Dave Hill.

En esta tendencia en boga de realce de la escena se trataba pues de adquirir un efecto de ‘realismo artificial’ a base de retoques lumínicos mesurados y esmerado uso de plug-ins, filtros, efectos y procedimientos combinados en secuencia, que finalmente ha pautado la evolución de una moda que no cesa de expandirse.

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Cuando los fotógrafos salen ‘de gira’

Sommeling es un perito diestro y ducho que destaca ciertamente entre los grandes y cuya actividad profesional actual fluctúa entre la creatividad que de él demandan sus clientes, la que se exige a sí mismo en sus travesuras propias y la de su capacidad docente cuando imparte interesantes  talleres de imagen digital, fotografía, retoque e iluminación; operando de tal modo desde en Londres hasta en Roma o Dubai; dando saltos entre Holanda, Alemania, Francia, España o cualquier otro enclave que se preste a convocarle, junto a su actual camarada de fatigas e igualmente fotógrafo, Ronald Koster.

A la vista está, por tanto que, Adrián Sommeling es un sagaz cazador de ilusiones en lo óptico, visual, lo sensitivo y lo emotivo que, dicho sea de paso, no suele transportar un equipo exacerbadamente aparatoso:

“I shoot almost only with my Olympus OMD e-m1 and the 12-40 mm M.Zuiko lens. Sometimes I use a speedlight or a tripod, but only sometimes.” – Adrian Sommeling.

Parece ser que Sommeling se confiesa todo un adicto pues, a las lentes 12 y 40 mm. de M. Zuiko; emblemáticas de, entre el de por sí, ya denso y afamado catálogo de la casa Olympus.

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12-40 mm M.Zuiko lens – Olympus.

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La sincera relación con el resto de artistas

El contacto con su público y alumnado de artistas, diseñadores y creativos es el patrimonio que más beneficio reporta a Mr. Sommeling cuando salta de puerto en puerto a impartir sus prolíficos workshops.

Y a la cuestión acerca de… ¿qué tanto de importancia implica el uso de Photoshop en el logro de sus metas? …hace énfasis en la idea de que, sin una buena captura inicial no se puede aspirar a conseguir el efecto deseado:

“(For me, in my job, Photoshop) …it is 100% important. Without it I can’t get the style that I like to have in my photos, but like I said before, don’t underestimate the part of taking the photos. I think it is 60/70% photography and 40/30 % post processing is what makes the pictures.” – Adrian Sommeling.

Y a la pregunta del millón acerca de… ¿qué máximo de número de capas ha dispuesto en una sesión de edición en Photoshop? …nos alega que… ‘alrededor de 70’; al tiempo de confesarnos sin dilación la importancia de un buen uso de la luz a la hora de ambientar el set y/o la escena de origen.

“Lighting is one of the most important parts of my style. I don’t need to experiment a lot anymore because I almost always use the same light. It isn’t so hard anymore to achieve what I want. Only occasionally I have more lights in a scene and then I practice a bit.” – Adrian Sommeling.

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Experto en post-producción, diestro en docencia.

En base a la pedagógica faceta de Sommeling es posible asistir a buena parte de sus recursos de diseño a través de los copiosos tutoriales que acostumbra a divulgar en su canal YouTube… -así como comercializar a través de su Web site-. Lo cual no es poco tratándose de un experto de su talla; un portfolio con un catálogo de imágenes que, una tras una, sugieren un sinfín de preguntas al respecto de su gesta.

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‘Counting-sheepzzzZZZzzz’ – Adrian Sommeling

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The making of ‘Counting-sheepzzzZZZzzz’, by Adrian Sommeling.

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Técnicas para emular borrascas

Como se adujo poco antes, además de su ya famoso vídeo en el que detallaba el ‘making of’ de su popular foto ‘Wind’, hoy en día Adrian Sommeling nos obsequia con una interesantísima serie de tutoriales de high standing, cuyos enlaces y embeds no podrían faltar en ningún artículo dedicado a su obra.

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Wind – Adrian Sommeling

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Making of ‘Wind’, by Adrian Sommeling.

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The Adrian Sommeling’s making(s) of(s) videos

En sus divertidos vídeos… -y en apenas un minuto de demostración y charla- …te comenta a bote pronto el por qué, el cuándo y el cómo de sus más sonadas opus magnum. Y es por ese, tan magnánimo detalle, que gran parte de su público nos sentimos ciertamente agradecidos.

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Flying with fidget spinners - Adrian Sommeling

‘Flying with fidget spinners’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘Flying with fidget spinners’, by Adrian Sommeling.

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The vintage Vlogger - Adrian Sommeling

‘The vintage Vlogger (YouTuber)’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘The vintage Vlogger (YouTuber)’, by Adrian Sommeling.

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Driving an Aston Martin in Iceland - Adrian Sommeling

‘Driving an Aston Martin in Iceland’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘Driving an Aston Martin in Iceland’, by Adrian Sommeling.

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Bullet time with nerfs - Adrian Sommeling

‘Bullet time with nerfs’ – Adrian Sommeling

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Making of ‘Bullet time with nerfs’, by Adrian Sommeling.

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Iluminando a la luz misma

Cabe pues concluir que la iluminación y el buen uso de la luz en general son las pautas esenciales a la hora de concebir y ocasionar un producto memorable, según nos aduce Adrian Sommeling. De la optimización de la luz propia en el estudio o al aire libre -en el justo momento de la captura- …a la postproducción ulterior en alto rango dinámico -mediante los filtros NIK HDR aplicados casi siempre en Adobe Lightroom …es de donde Sommeling logra realzar la luz misma al tiempo de hacer brillar a su talento propio. Y este sería el resumen más propicio para ensamblar una reseña del trabajo de este impresionante creativo. Ése y la mención de su elástica capacidad para convertirse en otro niño más mientras opera con su hijo y sus amigos… a fin de hacer rejuvenecer igualmente a una gran parte de su público, cual si hojeáramos de nuevo uno de esos cómics de Tintín magistralmente confeccionados por su padre, Hergé. Tanto es así que se podría afirmar que Sommeling es el Hergé de la fotografía más vanguardista y atrevida.

Dicho lo cual habría que hacer especial énfasis en el hecho de que, junto con el resto de la trinidad de genios de las artes digitales no animadas, Erik Johansson y Thomas Barbèy… -y tras la consulta exhaustiva de más de doscientos espadas de la imagen digital estática- …Adrian Sommeling nos dejó boquiabiertos, atónitos y pasmados; tanto por su envidiable técnica fotorrealista como por su admirable talento, inventiva y fantasía. Dicho lo cual, bien se merece un gin-tonic… -degustado a su salud-.

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“Al encontrarte a ti mismo, hallarás tu estilo propio. Será único, tal como tu huella digital”. – Adrian Sommeling.

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Adrian Sommeling – Referencias y enlaces

Adrian Sommeling – Official web site

Adrian Sommeling – Instagram

Adrian Sommeling – 500px.com

Adrian Sommeling – Facebook

Adrian Sommeling – Fickr

Adrian Sommeling – 1x.com

Adrian Sommeling – Twitter

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Adrian Sommeling en Wacom.com

Adrian Sommeling Step by Step – Photo Composite – Fstoppers.com

Adrian Sommeling – Interview in Phlearn.com

Adrian Sommeling – Train to create

Adrian Sommeling – Entrevista en xatacafoto.com

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-( All images inserted are copyrighted by his author, Adrian Sommeling )-

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‘Matte painting’ con Mickaël Forrett

Mickaël Forrett

Mickaël Forrett es un joven diseñador digital con una amplia experiencia en técnicas de mate painting, las cuales permiten la creación de cualquier escenario o paisaje mediante la adecuada mezcla de imágenes fotográficas o ilustraciones a fin de lograr resultados fotorrealistas. Se viene utilizando tanto en el ámbito editorial como en el de la publicidad, el cine, los videojuegos o la arquitectura. Para ello hay que especializarse en una correcta selección y uso de fotografías y texturas así como en la ulterior aplicación de sombras, luces y color. En esta disciplina se combinan diferentes softwares de retoque fotográfico e infografía, así como de efectos especiales, ya bien estáticos o en movimiento.

Mickaël Forrett trabaja con los motores de render Mental Ray, así como con el V-Ray; también diseña terrenos con el World Machine y realiza retoques dinámicos con el Adobe After Effects, el Nuke (un programa de la firma AutoDesk de composición basado en nodos), el Mudbox (software de infografía en 3D también de la empresa AutoDesk), el Adobe Photoshop y el 3D Maya, una compleja aplicación de modelado y animación en tres dimensiones igualmente diseñada por AutoDesk. Hemos de afirmar que en este complejo área de la creación digital, a nuestro juicio Mickaël Forrett logra unos resultados espectaculares.

Mickaël reside en París habitualmente y su ducho dominio de las técnicas de lighting (iluminación), compositing (composición), texturing (aplicación de texturas), shading (sombreado), rendering (procesamiento del producto final), las que conciernen al propio matte painting (pintura y tratamiento de las capas) así como su personal visión del arte conceptual hacen de él uno de los creadores con más futuro en este oficio en nuestros días.

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La técnica del matte painting consiste en reunir varias imágenes o vídeos dentro de la una misma escena, mediante el uso de programas 2D, 3D y de postproducción, para ir luego solapándolas unas a otras a fin de disponer de diferentes capas que, al ser tratadas de manera independiente, coadyuvarán a lograr una mayor sensación de cercanía o lejanía, potenciando de tal modo la sensación de realismo y perspectiva; hablamos de herramientas como las que incorporan los softwares de Adobe, Illustrator, Photoshop o el mágico y divertidísimo After Effects; de este modo se logran resultados prácticamente imposibles de conseguir mediante el rodaje o la grabación de vídeo de escenas reales.

Desde hace ya unas décadas este procedimiento se viene utilizando de modo reiterado tanto en cine como en la realización de spots publicitarios o incluso en imágenes estáticas como las típicas de cartelería. Ya no se trataría de una técnica en particular sino más bien de la mezcla de muchas; tampoco se puede hablar de un solo proceso en concreto dado que se requiere dominar ciertos conceptos previos y entre ellos, la elección del punto de luz es uno de los principales elementos a definir.

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Mickaël Forret mate painting procedure 1

Proceso de inserción de máscaras (Mickaël Forrett’s mate painting demo)

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Mickaël Forrett mate painting procedure 2

Escena final (Mickaël Forrett’s mate painting demo)

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Para aspirar a lograr un resultado creíble resulta preciso alcanzar un balance de tono, saturación y brillo entre todos los elementos que se combinan; la imagen de fondo (el background) podría tratarse casi de modo estático mientras que el resto de capas precisarían… -además de un tratamiento de luz y sombras independiente- …la posibilidad de ir reubicándolas en el frame (fotograma) a medida que se va desplazando la cámara.

Como ejemplo de lo dicho anteriormente, la secuencia del teaser ‘Horizon’ que se inserta de seguido serviría para ilustrarnos al respecto; este corto render conforma la mejor muestra de las habilidades multidisciplinares de Forrett, al menos hasta la fecha de la redacción de este artículo:

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En la imagen anterior el citado background ha premanecido prácticamente estático; por lo tanto no sería preciso diseñar y ulteriormente ‘renderizar‘ (procesar y generar digitalmente) nada más que un solo fotograma del mismo, el cual tampoco necesitaría un tratamiento tridimensional sino que una imagen en dos dimensiones bastaría para cumplir su papel como paisaje de fondo; mientras tanto, el resto de elementos dispuestos en las distintas capas superpuestas ha ido cambiando en el transcurso del travelling (movimiento de la cámara); obviamente las naves que aparecen en el cielo se desplazan y la orientación de los terrenos y objetos más cercanos igualmente va mutando suavemente a lo largo del traslado del enfoque, en base a lo cual, se requeriría de un ‘renderizado’ dinámico secuencial -generado fotograma a fotograma- que obedeciera a la perspectiva que en cada instante de tiempo recoge el objetivo. Esto implica que el contraste, la luz y la proyección de sombras no va a alterarse en los objetos que se encuentran a mayor distancia tanto como en los que se sitúan en la cercanía. La suma de tales factores invitaría a optar por un proceso de construcción tridimensional de dichos cuerpos cercanos a la cámara.

Conviene recordar que todas las aplicaciones de diseño en 3D disponen, no ya de una sola sino de varias cámaras virtuales desde las que se trabaja la producción de la escena, así como la percepción final de la secuencia; una cámara a la que normalmente también hay que implementar un determinado movimiento, zoom o tránsito.

En definitiva, para lograr un comportamiento coherente del total de los elementos y parámetros en juego es preciso aplicar los debidos ajustes en las diferentes capas involucradas así como en los modos de superposición éstas; y estos son los requerimientos que permiten efectuarse desde herramientas como Photoshop o After Effects, ambos productos de la pionera marca Adobe; además de tratarse de aplicaciones líderes en esta disciplina prácticamente desde que se lanzaron al mercado a inicios de la década de los 90 del pasado siglo.

After Effects viene a ser como un Photoshop dedicado a la postproducción, edición, retoque y trucaje de imágenes animadas para cine y vídeo en general; su kernel (núcleo del sistema operativo) y algoritmos de funcionamiento de los plug-ins (filtros y aplicaciones aditivas) responden a la misma arquitectura de programación que los que operan bajo Photoshop.

En cualquier caso el trabajo de Forrett devino en un acertado proceso de imaginación conceptual, técnica y buen gusto que hubo de elongarse hasta cinco meses para llegar a transmutarse desde la fase de sketches preliminares... :

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'Horizon' breakdown - Sketch - Mickaël Forrett

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…hasta llegar a convertirse en…:

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Del digital painting al matte painting

Desde los films ‘King Kong’ hasta ‘Blade runner’, pasando por ‘2001: A space odissey’ o la saga ‘Star Wars’ diferentes modalidades de procedimientos de mate painting han venido siendo utilizados por los cineastas de unas y otras épocas. Especialistas de la talla de Dylan Cole, Dusso, Chris Stoski, Alp Altiner o Darin Hilton se lucieron en su día en esta faceta creativa trabajando para las factorías de ILM, Digital Domain, Cinesite, DreamWorks SKG, Pixar, con cada vez más asombrosos resultados. Y en el caso que nos ocupa y aún tratándose todavía de una joven promesa en la materia, la verdad es que los comentarios de algunos de los especialistas y forofos del gremio no nos resultan demasiado exagerados:

[ “I’ve always been amazed by the Matte painting work on Bladerunner. And off topic, the model work as well. Those men were brilliant, and before the aid of computing. Mickaël Forrett’s work on Horizon is stunning! ]

Igualmente en estas artes de composición de imágenes se hace uso de la técnica de la pintura digital (digital painting) combinada con las herramientas de subexposición y sobrexposición (double expossure) que incorporan las últimas versiones de Photoshop; de tal forma es posible combinar los grados de iluminación de cada sección de la escena así como el control del contraste de manera tanto global como local, permitiéndonos parametrizar la exposición final manualmente y a la medida de las necesidades del film-set (escenario, ya bien virtual o real).

En referencia a todo lo expuesto anteriormente, la importancia del buen uso de las máscaras (mattes) diseñadas para cada capa (layout) viene a ser particularmente vital a la hora de conseguir la coherente simbiosis de los distintos componentes en una sola y única percepción final.

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Mickaël Forrett - Matte painting technics for Horizon I

Proceso de mate painting para ‘Horizon’

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‘Horizon’ proceso de producción

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Escenas de ‘Horizon’

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-(Pulsar en los marcos de imágenes para la navegación en alta definición)-

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Digital painting

A continuación una muestra del complejo y elogiable arte del digital painting de la mano del propio Forrett, realizado en este caso para el diseño de las escenas del cortometraje The end of Sparta; incluso para los buenos dibujantes o artistas pintores sobre lienzo, papel, que se aplicaran ya bien en el uso del lápiz, carboncillos, óleos, acuarelas o pinturas, el desenvolverse con mediana soltura con las herramientas que provee el ordenador comporta un mundo nuevo de desafíos aunque a la vez un universo aún más vasto de posibilidades:

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M.Forrett-Sparta-1s.jpg

The end of Sparta’, escena final.

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Speed painting

Nuevos ejemplos, a continuación, de diseño ‘pictórico’ digital abordado a cierta velocidad, de factura de la diestra mano de Forrett:

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Sunny morning - Final scene - (Mickaël Forrett)

Sunny morning – Final scene – (Mickaël Forrett)

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LightHouse - (M.Forrett)

LightHouse – Final scene – (Mickaël Forrett)

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Steamship - Final scene - Mickaël Forrett

Steamship – Final scene – Mickaël Forrett

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En fin; como alega uno de los comentaristas a pie del vídeo que sigue:

“This kills everything I know in Speedpainting”.

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Endless Space 2 – The Unfallen – Prologue

Para más datos, seguidamente enmarcamos un video que realizó para la empresa Supamonks Studio como promoción del video-juego Endless Space 2 (Amplitude Studio). Los caracteres y diseños de la nave espacial fueron acometidos por el equipo de Amplitude Studio; mientras que, obviamente, el paisaje del entorno y las imágenes de los backgrounds corrieron de la mano de Mickaël Forrett.

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3D modeling, texturing, lighting and rendering

Por si fuera poco todo lo hasta aquí expuesto, Mickaël también es músico y produce sus propias mezclas que pueden escucharse en algunos de sus clips así como en su cuenta personal en el seno de la plataforma SoundCloud; pero en lo que atañe estrictamente al apartado de imagen, su cada vez mayor implicación con las herramientas de diseño en 3D le avalan para producir proyectos cien por cien infográficos ciertamente notables.

En el caso que sigue, el modelado, la animación, la generación de partículas (particles generator), el sombreado, la iluminación y el render final fueron realizados desde el Autodesk 3D Maya; y lo cierto es que el resultado ofrece un aspecto impecable; desde nuestro particular entender, especialmente en lo que toca al capítulo de iluminación. Se hizo uso también del Autodesk Mudbox y el Photoshop para ultimar el acabado de texturas y la composición final se efectuó desde The Foundry Nuke y el Adobe After Effects.

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Mickaël Forrett demo reel

En definitiva pues,  tras haber descubierto hace poco las imágenes de Mickaël… -y habernos puesto en contacto con él a fin de solicitarle la licencia para redactar un artículo sobre su perfil y su obra- …nos congratulamos de que nos facilitara la tarea de compilar e incluir los enlaces correspondientes a fin de ser insertados en este post dedicado.

Y como colofón del presente memorándum nada mejor que añadir también su propio demo reel (carrete de demostración) -producido en 2016- para hacernos una idea global de su capacidad de ingenio conceptual, inventiva y desarrollo.

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Mickaël Forrett – Breve resumen de su carrera profesional

January 2015 – Current : One More Production – Paris – CG Artist / VFX Supervisor.

March 2015 – December 2015 : Fortiche Production – Paris – Compositing.

November 2014 – March 2015 : One More Production – Paris – CG artist / VFX Supervisor.

June 2012 – October 2014 : One More Production – Paris – CG artist.

July 2012 – May 2013 : Freelance – New York city.

April 2012 – June 2012 : Intern at The Mill New York – Matte painting and compositing.

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-(Pulsar en los marcos de imágenes para la navegación en alta definición)-

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Enlaces a los sitios web de Mickaël Forrett

Mickaël Forrett en ArtStation

Mickaël Forrett en Vimeo

Mickaël Forrett en la prestigiosa web de Behance

Mickaël Forret en IMDBb

Mickaël Forrett en Linkedin

Mickaël Forrett en SoundCloud

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Surrealist reality. Kinga Britschgi.

 

About Kinga Britschgi, in her own words.

Kinga Britschgi is a Hungarian artist living in the United States. She is best known for her magical digital images that always have some dark surrealistic elements. She was born in Nagyatád, Hungary and moved to the U.S. in 1995. She has a degree in Fine Arts (graphic design), TEFL (Teaching English as a Foreign Language), and Elementary Education.

Her works were published in numerous professional publications and in 2013 Adobe chose her as one of the artists in their ‘New Creatives’ campaign.

She lives with her husband and son in Boise, Idaho.

– I earned a degree in Elementary Education, including Art Education and also in Teaching English as a Foreign Language. For a long time I had a very hard time deciding which direction I wanted to take. In Hungary, it seemed to be teaching English and some art, in the United States, it is mainly art with some teaching.

I try to make art a daily ritual or at least a daily engagement. Although I usually define myself as a collage-painter and block printer, I have mainly four areas of interest: collages (in a broad sense; as I am also attracted to assemblage, bricollage and such things), block printing, artist books and computer graphics.

I create my pieces from “found objects.” Mainly old ephemera, books, charms, photos, nature’s treasures, fabric and a lot of other sources. I also have innumerable rubber stamps. I am a “metallic” fan: gold, copper, silver, bronze.

Lately I have returned to some of my old college routines: oil paintings, some watercolor and pencil drawings. My favourite and always returning motif is the female nude in many, many forms.

As I also write (unfortunately much less lately than I used to) I often use my writings as a starting and/or inspiring point. I create either a ‘visual writing chunk’ (when the actual words, their physical appearance, have vital parts in the finished piece) or merely an illustration for the chosen sentences.

Recently, while I was drawing for one of my newer collages, I stopped and started to think: why do I not draw/paint a ‘whole-story’ picture? (You know: women are sitting in a sun-lit forest chatting; little cottage on a river bank or even a portrait; you know what I am talking about.) Why do I feel the urge of pasting bits and pieces to / at / below / above / through my seemingly unfinished drawings / paintings and finish them in this way, creating a collage? It is not because I could not paint or draw an ‘epic’ picture, I guess. It is because I do not think in a linear way, and because I always want to express much more than I ever could in any other ‘linear‘ form. I am not saying other directions are wrong; what I mean is, that for the ultimate and only way of my self-expression is the collage form with its unbelievable freedom.

I am a very slow artist; in this context it means that although collage seems to be a very improvisational form, for me it is a very, very serious, bittersweet battle: when I finish my piece I can tell you exactly why I have chosen a certain piece of paper or why I attached that label or why I positioned that rusty piece of metal just there. What I mean is, yes, even if I hate this term, my pieces do have some message; on the other hand I am the last person who expects anyone to ‘go for’ this message. But it is extremely important for me to create purposefully; to know what I do and why exactly I do that in that certain piece. I do believe that in this way I create something that is worth looking at, ‘deeper‘ than a decoupage (“a surface decoration“). And I do believe that even if my ‘message’ cannot be discovered sometimes, the piece can put up with time for a long while and please people as it is being born out of a painful but extremely joyful creative process.

I do not like the term, “fast and easy to make.” I think it is always very hard to make something meaningful and in a lot of cases it is a long and frustrating process. But this is exactly what is most beautiful about being an artist.

In the future, I am planning to go back to school and study printing and book arts.

Per più informazioni leggi qui:

http://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com/2016/06/Kinga-Britschgi.html

© Tutt’Art@ | Pittura * Scultura * Poesia * Musica |

Info imported from: tuttartpitturasculturapoesiamusica

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Kinga Britschgi Tutt'Art@

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More about ‘Kingabrit’

I am a Hungarian artist having been living in the U.S. since 1995. Although my art degree is graphic design I work in both traditional and digital media. Apart from magazine covers and cd covers my works appeared in several professional magazines. I like to create magical worlds in my pictures and my specialty is creating surrealist photo manipulations / photo collages with a touch of fantasy; I call them ‘surrealist reality’. I sometimes design digital collage elements that my clients can mix-and-match to make their own art pieces.

Corporate & personal print designs (posters, flyers, invitations, brochures), book- and cd-covers, packaging, digital illustrations, and digital fine art. Ten plus years of experience in the creative field.

If you are interested in hiring me for a graphic design job visit my website ( kingabrit.wix.com/kinga “Contact” tab) or simply send me a note here. Please allow me a few days to respond.

I am a professional graphic designer and digital artist working in both traditional and digital media. My specialities are print designs, illustrations, and surreal digital fine art. I love creating corporate and personal flyers, brochures, cards, direct mail pieces (mailers), signage, magazine ads, and banners. I am also designing eye-catching book- and cd-covers.

I do have a very specific and unique way of seeing the world around me, so my designs, although always very professional and effective, stand out of the mainstream designs helping my clients a great deal to achieve their business goal. My clients include Adobe, Sydney Theatre School (Australia), The College of Idaho, Olibet (Belgium), and numerous small businesses and individuals.

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Links to Kinga’s demos:
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Kinga Britschgi shop:

Open Edition, Digitally Signed and Signed Prints

Thank you for your interest in my digital fine art prints! You can order your Open Edition Prints of my images here:

Kinga Britschgi Prints

There are many options and sizes, greeting cards, and a lot of gift items (mugs, coasters, etc) – check them out!

If you would like to have a signed print (either digitally signed or with an original signature, please let me know through my Contact Page and I will get back to you very shortly.

Kinga Britschgi on Behance

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Representation:

Sullivan Moore
http://www.sullivanmoore.com
rep email: kate@sullivanmoore.com
phone: 631-235-5245

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‘Carmita, Patricia, Daniela y Maya’… desde el prisma nítido de la visión de Ariadna.

El blog de la singular artista Ariadna invita a la re-publicación de uno de sus textos más enigmáticos al tiempo de originales y sinceros: ‘Carmita, Patricia, Daniela y Maya’.

Ariadna traza una prosa poética al servicio de musicalidades inesperadas que se ciernen contundentes y tenaces a medida que se tejen sus vocablos y se vierten sobre los tímpanos escondidos de nuestra imaginación absorta; en ocasiones, abrumada por la autenticidad de sus rezos y proclamas de libertad rítmica, pletórica en esquemas sencillos que devienen elocuentes y magnánimos a medida que se paladean al silencio de madrugadas clandestinas, militantes y hasta a veces temerarias.

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‘Carmita, Patricia, Daniela y Maya’… conforma un pasaje de texto que arrancará más de una melodía inédita de la lira de cualquier ‘Asurancetúrix’ bardo que cabalgue por sus sílabas… -como ha sido mi caso-.

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[ Publicado en el blog de Ariadna el … 7 ENERO, 2017

Carmita, Patricia, Daniela y Maya.

Pilar…
Pilar de mi vida
La columna vertebral de todos aquellos en los que alguna vez te has cruzado
No solo has rozado personas
Has marcado a fuego el corazón de muchas
 
Pilar
Pilar de la vida
Porque eres esencial
Porque siempre has sido vital
El muro de carga que nadie ha sabido derrumbar
por mucho que lo hayan intentado
 
Pilar
Pilar del mundo
Porque el universo si necesita algo, lo crea
lo moldea
y lo transforma
Y tu, y la madre que te dio la vida, me creasteis, me moldeasteis y me transformasteis
y por eso
Tu eres el pilar
el mío, el de muchos y sobretodo
el tuyo.
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Source: Carmita, Patricia, Daniela y Maya.    ]

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En definitiva… -y tal y como le hice saber en comentario ulterior, a pie de su atractivo escrito-…

Muy bueno, Ariadna.

Suena música en mi cabeza al seguir la transcripción de semejante arrebato de sinceridad amétrica. Es la forma más libre de dejar fluir un discurso no metódico, espontáneo y atrevido.

Enclaustrarse en sincronismos de encaje y geometrías matemáticas solo comprime la versatilidad del verso al servicio del acervo acumulado en nuestra bilis tras eones y centurias de miserias propiciadas por las huestes de espíritus baldíos; de penurias y zozobras al pairo de la galerna urbanita, campechana, furibunda o campesina; de riesgos de maltrato por cariños vespertinos que devienen envidiosos forajidos transformándose en desasosiego incauto en un eterno trasiego de humanidades en barbecho continuo que asombrarán con espanto el pulsar de tu corazón nítido, boquiabierto y aguerrido; fascinado entre el caos y maravillas cuidadosamente ordenadas; entre el ying y el yang del Tao de aquella: Tu efigie orgánica y su predio circundante, gravitatorio y firme:

Tu planeta y tu morada.

Fruto de una observación sagaz y culta, académica, elegante y… -en tu caso, a mis efectos- …bien hallada… así surge el producto que se gesta tras la mirada de Ariadna.

A pesar del embiste fraudulento de milicias de actores y actrices en ejercicio hipócrita y flagrante, hastiada de peroratas sin sentido de los otros… -como pueden ser las mías-… abrumada por el hálito falsario de gregarios al servicio de sí mismos… te sinceraste cuerda y cierta y acertaste certera en la diana de una verdad inexpugnable y una unidad de destino indisoluble:

Tus palabras.

Y lo hiciste a tu manera: Libre, sana, saludable, admirable y admirada.

Entre toda esa vorágine de entuertos y recelos, de amenazas y sospechas de los mismos bucaneros de lo cínico, entre todo aquel ejército desvergonzado y nimio que a priori impedía vuestro arribo a buenos puertos, tras la búsqueda incansable de un suelo de arena estable y seca en la que moldear vuestra espalda acomodada… te erigiste incólume, impasible, inexpugnable… definiendo y defendiendo con sutil destreza lírica el tesoro más gentil que la vida te otorgara:

Carmita, Patricia, Daniela y Maya… al amparo del buen gusto y el acierto narrativo de una nueva musa:

Ariadna.

Suena música si os sigo; y hasta lo mismo me atrevo en exceso al añadir alguna secuencia de acordes a semejante lindeza de versículos anárquicos, como alegato y brindis de una Artemisa artista hacia su insigne madre, también diosa; su incondicional pilar y su sustento amigo, además de su eterna compañera de aventuras y fatigas… por los siglos de los siglos.

Entretanto me hallarás siempre a los pies… de tus escritos.

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El blog de Ariadna

Carmita, Patricia, Daniela y Maya

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No music needed…

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-( Header graphics composed by Digital Imagine TV )-

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Earth girl Arjuna OST – Yōko Kanno

Earth Girl Arjuna – Into the Another World – (Original Soundtrack by Yōko Kanno)

Arjuna, la chica de la Tierra. La primera banda sonora de Yōko Kanno que tuvimos ocasión de escuchar junto a los dibujos animee de la serie que nos fue recomendada por una de nuestras seguidoras de aquel, ahora ya extinto, canal YouTube que administramos del 2010 al 2013: Nuestra amiga canadiense-mejicana Foki, a quien desde aquí remitimos un nuevo abrazo de agradecimiento.

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Tras el anterior tráiler en inglés y en base a las continuas pruebas de maquetación requeridas hasta llegar al pleno dominio de uso de estas plantillas WordPress, incluiremos en primera instancia las 21 pistas de audio de la serie utilizando un código HTML básico; para después insertar los vídeos de los 13 episodios en que fue sesgada, a efectos de comprobar de qué forma un/a maestro/a de la composición, el contrapunto, las mezclas y la producción de audio debe obrar a efectos de lograr realzar, tanto guión como imágenes, en cualquier proyecto de sincronización audiovisual.

Desde que la banda Genesis dejó de operar como la mejor asamblea de creatividad de la historia de la música contemporánea jamás habíamos tenido oportunidad de asistir a semejante despliegue de buen gusto, versatilidad, agilidad y dominio del medio y la estilística en el discurso musical de ningún compositor de nuestros tiempos.

Earth girl Arjuna conforma una de las bandas sonoras con aires más femeninos de todas cuantas compuso Kanno hasta la fecha; así fue debido a requerimientos del director de la serie, Shoji Kawamori. Haciendo uso de su impecable capacidad para remezclar timbres étnicos, electrónicos, clásicos, sinfónicos y orquestales, Kanno deviene entre pasajes de inspiración hindú y otros más urbanos y en ambos casos tanto la electrónica más avanzada como los sonidos de la orquesta clásica convencional conviven de manera inédita. Añadiendo el toque naif que evocan las cuerdas vocales de sus asiduas Maaya Sakamoto, y Chinatsu Yamamoto a los que ella misma incorpora tesituras de su propia garganta rubricadas más tarde bajo su pseudónimo, ‘Gabriela Robin’, el resultado no puede ser más inocente, infantil y hasta a veces angelical.

Para aquellos que disponen de buenos paladares acústicos y mejores sensores de percepción en sus corazones, la narrativa armónico-melódica, rítimica y tímbrica de Yōko Kanno constituirá una sobredosis de éxtasis acústico; una recarga emocional sin parangón que a los más ingenuos aspirantes a evocar gloria sonora solo les instará a abandonar por un tiempo sus sesiones de trabajo creativo rutinarias para disponerse tan solo a escuchar y a aprender… disfrutando.

Yōko Kanno… la música que protege.

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Earth Girl Arjuna – Into the Another World – (Original Soundtrack by Yōko Kanno)

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01 Early bird

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02 Kakusei – (Awakening)

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03 Cloe

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04 Time to die

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05 Second life

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06 Diving

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07 Clone

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08 Feel the circle

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09 Earobi – Aerobics

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10 Omega blue

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11 Toki no shizuku – (Drop of time)

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12 Chikyuu kyoumei – (Resonance of the Earth)

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13 Yogensha – (Prophet)

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14 Before breakfast

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15 Bells for her

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16 Balku – (Bike)

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17 Diamond

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18 Mameshiba

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19 Kuuki to hoshi – (Air and star)

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20 Aqua

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21 Mameshiba (instrumental) (Hidden track)

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Earth Girl Arjuna (Arjuna, la chica de la Tierra) (Full episodes).

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Earth Girl Arjuna – Into the Another World – (Original Soundtrack by Yōko Kanno)

Archivos .mp3 importados de la Web:

http://downloads.khinsider.com/game-soundtracks/album/earth-girl-arjuna-into-the-another-world-original-soundtrack

Archivos de vídeo de la serie de televisión importados de la cuenta YouTube del usuario ‘APCAnoblogs‘.

Lista de reproducción alternativa:

https://www.youtube.com/user/APCAnoblogs/feed

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Earth girl Arjuna (o ‘Earth maiden Arjuna’) reseñas técnicas y descriptivas

Earth Girl Arjuna (Chikyū Shōjo Arjuna), o simplemente Arjuna, es una serie de anime con intensa conciencia ecologista y un clima expectante a cada minuto. Fue creada por Shoji Kawamori y por el equipo detrás de series como Escaflowne y Macross Plus; de esta manera, Yōko Kanno estuvo a cargo de la banda sonora. Fue emitida originalmente por TV Tokyo entre el 9 de enero de 2001 y el 27 de marzo del mismo año.

Para América Latina la serie fue licenciada y estrenada por Locomotion con doblaje argentino, emitiéndose desde el 16 de mayo del año 2004 hasta el cierre del canal; siguió siendo emitida por Animax, desde el 3 de agosto de 2005 hasta fines de agosto del año siguiente.

Earth Girl Arjuna es una historia basada en filosofías como el panteísmo, ideologías como la hindú y el budismo, e historias de ecología que tratan de dejar una lección de por medio, sin dejar de lado el conflicto de cada personaje involucrado en la historia. La música combinada con la animación 3D contenida en la serie, sin duda, es lo que más la favorece, ya que crea una ambientación totalmente realista.

Este anime trata la historia de Juna Ariyoshi, una estudiante de secundaria que es elegida para ser el “Avatar del Tiempo” y se le es confiado salvar la tierra.

Argumento

Cuando una chica llamada Juna Ariyoshi tiene un accidente grave, su espíritu se convierte en luz y sale de su cuerpo hacia el cielo nocturno donde, durante unos instantes, ve la Tierra unos meses en el futuro. Lo que ella ve es la Tierra al borde de la destrucción total, por las fuerzas de un mundo cruel gobernado por demonios llamados Rajas. Entonces, la persona llamada Chris le da a Juna una “piedra de poder” y le dice que la use para salvar la Tierra. El poder de la piedra le da la habilidad de convocar un “traje aura”, que mejora los propios poderes especiales de una persona que de otra manera permanecerían dormidos.

Banda sonora

La banda sonora del anime fue compuesta por Yōko Kanno. El director Shoji Kawamori dijo que instruyo a Kanno para que la música sonara femenina. Ella se inspiró en música india para algunos tracks. Otros son más experimentales y más mundanos.

La vocalización fue echa por Maaya Sakamoto, Gabriela Robin y Chinatsu Yamamoto. La banda sonora fue lanzada en dos CD: Arjuna: Into the another world3 yOnna no Minato.

Ending

Con la ausencia de un opening, la serie presenta diferentes endings a lo largo de la serie:

  • Mameshiba por Maaya Sakamoto (episodios 1, 2, 5, 6, 8, 11).
  • Sanctuary por Maaya Sakamoto (episodios 3 y 9).
  • Kuuki to oshi por Maaya Sakamoto (episodio 4).
  • Teresa (episodios 7 y 13).
  • Motor Bike por Maaya Sakamoto (episodio 10).
  • Early Bird por Gabriela Robin (Yōko Kanno) (episodio 12).

Información importada de:

https://es.wikipedia.org/wiki/Earth_Girl_Arjuna

http://jkanime.net/earth-maiden-arjuna/

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Earth girl Arjuna. Complete soundtrack video

Vídeo con el total de la banda sonora importado del canal YouTube del usuario ‘DrunkUncleJesse‘:

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Header graphics composed by Digital Imagine TV

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Reflexiones sobre belleza y magia: Oriana & Nephthys Stregga

Dedicado al perfil de esta ingeniosa y cándida blogger venezolana… y al de su madre, maga y su benefactora, desde el respeto y admiración que promueven en la atención de no pocos de sus lectores.

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Oriana:

De haberlas, usted lo que sería es una ‘divinidad’ caída de las nubes en un salto de ángel que atinara en el único suelo donde solo los alados Febos disponen de sus propios pedestales… desde donde hacerse al aire entre el bramido de cascadas.

Usted lo que es es una promesa. Augurio de virtud semiescondida al regazo de un emporio de plenitud de paz… y al socaire de ternuras que allí emanan cautelosamente labradas por el amor de una madre.

Usted lo que es, es un ingenio, organismo y artefacto de terraformación de bienes y bellezas; de constructos acústicos y gráficos; de germinación de ideas, ideales e idearios pretendidos desde infancias en retiros de clandestinidad araucana, amazona amorosa… y hasta quizás selvática; prototipo mutante del futurible que aguarda a la Noosfera de todo un planeta tras la interacción de avatares de dimensón fuerte, aguerrida… y en parte sofisticada; de naturalidad clara y de contorno de expresividad indígena… entre parda, negruzca y azulácea; y entre pestañas puntas… brillantes, obscuras y afiladas; recreo del que posó allí sus ojos a visitar cutiz de terciopelo… y andarlo virtualmente con su pupila absorta, pánfila y embelesada… arrodillado al límite de ti y de tus montañas, perdido entre paisajes densos de un país que ha visto surgir ignea a su Oriana… al asiento de arenas y areniscas salpicadas de espumas oceánicas… y al viento de sus selvas y sus junglas aromáticas… con su emulsión de savias de rosa, azafrán, lianas… salitre y luz volcánica

Semejantes esquemas de descripción tan solo son fragancias del emblema de abolengo y humanidad prístina… -de reseñas históricas puras y hereditarias- …que poseen las ninfas jinetes galopantes de aquellas tierras de gracia.

De manera Oriana que te faltó añadir datos al respecto de la intensidad áurea, etérica y astral, de tu mirada, ubicada en perímetros regados por espesuras negras… cuidadosamente abonadas en el predio de un rostro… -refugio de la atención de poetas- …yacimiento de sensibilidad magna, magnífica y magnética… entre magnolia y mágica; entre azabache y púrpuras de lodos de pantanos y terrarios que habrán de fructificar en imperios de juncos… cabellos y herbolarios… de jardines botánicos blindados por ejércitos de lirios y azucenas…

…y entre sonrisas de tus labios: Los pétalos de miel carmesí y niebla… con su hálito de atmósferas de néctar, prana, bruma de akasha… de éter, saliva y menta… vapores de rocíos apresados entre estambres de geometrías curvas… cálidas y onduladas… oriundas, salvajes, femeninas… los étnicos trazados dibujados al arbitrio de una intensidad innata, autóctona y nativa… de Shaktis y pleromas rojizos… de origen precolombino.

Y esos eran los matices más nobles, atractivos y regios… inscritos en las raíces de los reinos de tu espíritu y tu cuerpo… de América y Caracas.

Y transmítale estas palabras a su bendita madre… como ecuánime merecedora del reconocimiento que desde ellas se otorga… a los espíritus que saben nutrirnos de universos de belleza y de gloria…

…de luz, de vida y magia.

-[ Oriana… y el estigma de la azucena negra que floreció un día en Caracas.] –

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Acerca de Oriana

Acerca de Nephthys Stregga

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Texto extraído del blog de Nephthys Stregga

[ Soy una linda bruja con escoba y sin verruga.

Esta idea se alimenta  por no pertenecer ni aquí ni allá por ser más que materia física; Por recibir la visita de seres espirituales por conectarme con algo diferente que me hacia entender que no pertenezco a este mundo, por   llevar dentro de mí recuerdos ancestrales, el poder de la videncia.

No pretendo cambiar sus creencias religiosas y espirituales. Solo adentrarlos un poco a lo que es mi manera de vivir en este mundo mágico

La magia es variada, como las religiones, la experiencia espiritual  lo común es que es  compartida solo con la divinidad.

 Aunque lo relate no soy quien la ha  inventado, es decir que porque  el sastre  corta el  traje  no es el creador de la tela; intentare introducir una mezcla de mis estudios por todas la religiones o ideologías que cada día me hace entender  que tener un don no te hace un bicho raro. Me nutro de sabiduría infinita las discusiones principales y estructuras de varias religiones del rituales de  magia, no para crear una nueva forma de vida, pero si  para introducir alguna,  de modo que otros puedan convertirlo para su propia práctica mágica.

Cuando comencé a aprender sobre la magia había pocos libros sobre el tema,  Ideologías,  rituales y textos mágicos son mantenidos en secreto en varias corrientes  y solo hace poco tiempo algunos sistemas fueron tornados “públicos”. Debido a este hecho, pocos practicantes escribían libros describiendo los rituales y las enseñanzas internas de la magia, los que están fuera de ella y sobre ella escribieran, proporcionarían forzosamente informaciones erróneas o incompletas.

A medida que proseguía en mis estudios, encontré, percibí que alguien que tratase de aprender y practicar la magia con base apenas en las fuentes publicadas adquiriría una visión tristemente tendenciosa gran parte transmitían su propia forma de magia con  puntos de vista similares, de otros autores haciendo, así, que la mayoría del material publicado sea repetitivo

A pesar de que nada puede sustituir la enseñanza directa e individual, deseo representar una alternativa a los libros sobrios y estructurados sobre la magia, como también quiero retribuir con algo de entrenamiento que recibí en este camino mágico y maravilloso. ]

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“Los invito para que el día de hoy, seamos como una esponja…; como polvo de estrellas, danzando en este maravilloso momento.”

“Quien tiene magia en su corazón jamás necesitará trucos. Porque hay personas que disponen de esa luz propia que reconforta e ilusiona. Son personalidades valientes que hacen posible lo imposible y que, además, apenas se dan cuenta de todo lo que hacen por nosotros.”

Del blog de Nephtyhs Stregga

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https://nephtyhsstregga.wordpress.com/

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Desde aquí queremos invitar a la consulta eventual del blog de Nephthys Stregga donde en el presente y el futuro nos vamos a topar con mucho más que Esoterismo:

“Esta pagina nació con la intención de presentar la teoría y la práctica del mundo de la magia a partir de una perspectiva individual, basada en años de experiencia en el mundo de la esoterico abriendo para ustedes las puerta de este maravilloso y misterioso mundo magico.”

…y al de Oriana:

Un día con Oriana

Gracias a ambas por servir de inspiración a la ambición de un escriba del todo correligionario.

-La Nube de Oort-

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Daniel Merriam. Surrealismo contemporáneo rococó.

La imaginación, la forma y el color al servicio de la psicodelia más cándida, inocente y arquetípica.

Daniel Merriam es un ilustrador surrealista contemporáneo, más conocido por su técnica de pincel seco y por su estilo imaginativo, onírico y colindante con los paisajes y personajes que en su día nos invitaron a ensoñar narradores y dibujantes como Lewis Carroll, John Tenniel o incluso Walter Crane, Arthur Rackham, Mark Ryden o Ray Caesar. Aunque sus influencias más confesadas fueron las de  N.C. Wyeth, Maxfield Parrish, Gustave Doré, pasando por la expresividad de los trazados de Norman Rockwell o el modernismo de Alfons Muchalas visiones únicas de Merriam constituyen un collage de capas y elementos de imágenes coloridas en un estilo propio que recupera el territorio de los sueños más salvajemente infantiles y evocadores, así como el romance por la psicodelia más inocente, legendaria hasta a veces zambullirse en lo arquetípico; de tal modo su trabajo alcanza la sensibilidad tanto de los amantes del arte clásico como del contemporáneo.

Nacido en 1963 en York, Maine aprendió a pintar muy joven y durante su infancia hizo uso de su técnica y su imaginación a modo de metodología reflexiva siempre en clave de juego. Estudió diseño mecánico y arquitectónico y aplicó sus habilidades dimensionales y pasión por la arquitectura en el negocio de diseño y construcción de la familia. A partir de un punto decidió reciclar y readaptar su talento enfocándose en el campo creativo de las más puras bellas artes.

Entre los muchos logros de Merriam está un título honorario de maestro de cartas humanas de la Universidad de Nueva Inglaterra en reconocimiento a la posible contribución social de su arte, varios premios Broderson y el Premio de la Asociación de Prensa Escolástica de Nueva Inglaterra. Sus catálogos han sido incluidos en los archivos permanentes de varios museos y bibliotecas de todo el mundo. Ha celebrado más de un centenar de exposiciones individuales en los Estados Unidos, Europa y Oriente Medio y ha obtenido aclamaciones de numerosas publicaciones nacionales e internacionales así como comentarios elogiosos emitidos por diversos reportajes, documentales y noticiarios de televisión.

Merriam es también fundador y propietario de Bubble Street Gallery, un emporio californiano de arte e imaginación.

“No hay mayor parque de atracciones que la imaginación misma.” – Daniel Merriam –

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Los pueblos de Nueva Inglaterra se hacen eco de las imágenes de la arquitectura americana temprana. Las casas de pan de jengibre, coloniales y victorianas construidas por los carpinteros de los barcos motean el paisaje dentado. Nací allí, el 1 de febrero de 1963, en el puerto de York, un pequeño pueblo en la costa de Maine, donde crecí como el niño medio en una familia de dos muchachas y de cinco muchachos.

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La creatividad llenó todo el aire. Nuestra casa estaba llena de una variedad de instrumentos musicales. Dos pianos sonaban constantemente mientras siete hermanos practicaban con ellos diariamente. Mi madre abría las ventanas y cantaba mientras tocaba himnos, haciendo sonar serenatas en el barrio. A menudo nos sentábamos alrededor de la mesa de la cocina y dibujábamos en bolsas de papel hasta que estaban cubiertas por dentro y por fuera con dibujos de cualquier cosa que pudiéramos imaginar. Las horas las pasamos en la tienda de carpintería de mi padre tallando barcos de juguete y otras cosas divertidas para jugar.

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Mi familia pasó los veranos en una pequeña cabaña en el lago Mousam. Recuerdo los juegos en el vecindario: Rowboating, pesca, construcción de castillos de arena, y hacer fogatas en la playa por la noche. Corrimos por los bosques descalzos jugando al escondite, y no nos poníamos un par de zapatos hasta que comenzámos en la escuela llegado el otoño. Nuestra bodega estaba llena de acuarios y cubos llenos de ‘pollywogs’, monos de mar y tortugas recogidas de un pantano cercano a un bosque de arándanos.

Mi pasatiempo favorito era escalar árboles. Buscaba el árbol más alto que pudiera encontrar, me subía a sus ramas y comenzaba a subir. Empujaba hacia arriba de miembro a miembro hasta que las voces de los niños que jugaban abajo se desvanecían con el crujir de las hojas. Me aventuraba más y más, poniendo a prueba mi fe a medida que las ramas crecían progresivamente a mi paso. Una vez cerca de la copa, me sentaba precariamente en un extremo, apoyado contra el tronco mientras se balanceaba en el viento. Este era mi propio mundo, y desde allí pude verlo para siempre.

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Cuando no estaba jugando, seguía a mi padre, Fremont, mientras él trabajaba y le hacía una pregunta tras otra observando cada uno de sus movimientos, tan metódico y eficiente. Recuerdo el olor de la madera recién cortada y el sonido de su voz al explicar su oficio. Él era un ingeniero estructural y trabajó muy duro a fletando su propia empresa de construcción. Mi padre estaba encantado de que me interesara tanto en su trabajo y pronto me hizo trabajar a su lado. Él me dio herramientas de carpintero como regalos para cumpleaños y Navidad. Aprendí a manipular la madera sin que se rompiera y a hacer girar un martillo con el ritmo de un baterista. Durante la noche observaba cómo dibujaba los planos de las casas que debía construir. Estos fueron sus sueños y yo fui testigo de la magia de su realización.

A la edad de doce años trabajaba en el bosque con mi padre construyendo cabañas de troncos, cortando troncos con un hacha, una cuchilla y una motosierra. Nuestra familia se trasladó a una nueva casa en el corazón de la región de los Lagos de Sebago. La catedral de pinos majestuosos se elevaba sobre la gran casa colonial holandesa que se orientaba al noroeste alrededor de a unas once millas del lago, con una vista del Monte Washington en la distancia. Esta casa solitaria no tenía no tenía cimientos ni fosa séptica y no estaba aislada térmicamente para los largos inviernos de Maine. Cavamos los cimientos a mano, arrastrándonos sobre nuestras manos y rodillas, raspando el lecho rocoso de las trincheras estrechas. Mi padre había crecido en una granja y creía en las virtudes del trabajo bueno y duro. Seguí trabajando para él en mi adolescencia pero poco a poco me encontré pasando más y más tiempo en el santuario de mi dormitorio.

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Fue allí, en mi pequeño escritorio de roble al lado de la ventana, donde empecé a pasar horas dichosas dibujando y pintando. Con un lápiz y una nueva pila de papel blanqueado que me regaló un amigo pronto había dibujado bastantes imágenes fantásticas para empapelar mi habitación entera. Recuerdo de vez en cuando mirar hacia abajo y ver a mi padre trabajando duro en el patio. Aunque sabía que deseaba que le ayudara yo rezaba para que se las apañara sin llamarme. Finalmente se percató de mis dibujos y me llamaba desde mi habitación para mostrarlos orgulloso a sus amigos. Sin embargo fue difícil para mi padre aceptar el arte como una vocación viable. Recuerdo su lucha con su intangibilidad. Para mayor tormento suyo sus cinco hijos sentían inclinaciones artísticas.

La escuela fue difícil para mí. Mi capacidad de atención flaqueaba como un foco en el ejercicio de memorizar fechas y nombres, un hábito que de alguna manera parecía fuera de mi alcance. Mis profesores decían que yo… “simplemente no estaba allí”.

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Pasaba la mayor parte de mi tiempo mirando desde la ventana de la clase, soñando despierto, viajando en el tiempo a través de mundos lejanos. A pesar de mis notas erráticas y la falta de interés, mi ventaja en el desempeño de lo artístico de alguna manera me hizo ganar el apoyo de algunos de mis maestros.

Entré en el Bridgton Art Show cuando tenía quince años y gané el primer premio en la categoría de estudiantes. En la ceremonia de entrega de trofeos me presentaron a Alan Magee quien había ganado el gran premio por su pintura titulada ‘Stones’. Me sorprendió su técnica: Un gran realismo, acometido de manera tan simple. Alan pasó mucho tiempo hablando conmigo y para mí marcó un estándar de excelencia no sólo ya por su trabajo sino por su calidad personal. Nunca he podido igualar sus habilidades pero en vez de eso he cultivado méritos propios. A lo largo de mi carrera he recordado esa reunión con Alan y siempre escucho u ofrezco algo de asesoramiento a los artistas aspirantes.

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Sentí que había llevado una vida más bien privilegiada, protegido por el clima rural de Maine y la realidad de asistir a la universidad para estudiar arte parecía fuera de mi alcance. Tal vez me faltaba confianza o tal vez carecía de ánimo. En cualquier caso nunca fui a una escuela formal de arte. Estudié durante dos años en el Instituto Técnico Vocacional Central de Maine diseño mecánico y arquitectónico y más tarde comencé a trabajar para arquitectos y constructores.

Mi padre a menudo batalló conmigo desde su compleja comprensión del cálculo y las fórmulas que se desplegaban a lo largo de las páginas. Él deliberaba sobre ellas durante lo que parecían horas presuponiendo que yo iba a ser capaz de seguir su ritmo. Aunque no heredé la competencia matemática de mi padre mis ojos para la perspectiva y mi habilidad para ilustrar la arquitectura resultaron muy útiles durante mis primeros años de trabajo con arquitectos y diseñadores. Después de poner a prueba mis habilidades mi padre me invitó a trabajar en su compañía. Con gusto acepté su oferta ya que trabajar en el negocio familiar parecía prometer mayores recompensas.

A medida que el negocio crecía me veía cargado con más y más responsabilidades. Con el tiempo entré en depresión y mis sentidos comenzaron a flaquear. Al final llegué a un punto en el que me abrumé y me sentí profundamente culpable. Dándome cuenta de que nunca iba a alcanzar la excelencia en el negocio de la construcción decidí que debía emprender lo que más anhelaba. Mi padre tuvo una charla de sincera conmigo y me reveló un lado de él que yo nunca había presenciado anteriormente. Me dijo que tenía la impresión de que estaba dejando echar a perder mi talento. Me pareció extraño oír a este hombre fuerte y corpulento sugerir que debería aspirar a hacer carrera artística. Esto implicó el inicio de lo que iba a ser la búsqueda de una nueva visión de por vida; una que dio a mi vida un nuevo significado.

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Decidí cultivar mi arte y aprender a sobrevivir de él. Aceptar cualquier otro tipo de trabajo sin duda habría sido una distracción ya que no había mantenido mi ritmo de creatividad durante mi anterior empleo. Trabajé en mi estudio día y noche, siete días a la semana, parando sólo para dormir un par de horas encima del tablero de dibujo hecho en casa. Alquilé mi casa porque no podía asumir el pago de la hipoteca y nunca estaba en ella. Mi hogar estaba en mi cabeza y mi cabeza en mi estudio. No disponiendo de tiempo libre para el ocio diligentemente mantuve este ritmo durante dos años.

Cuando cumplí veintitrés me mudé a la ciudad portuaria de Portland, en Maine. Trabajando para una galería de arte pude apañar un contrato de alquiler comercial para un sótano vacante en el piso de abajo. Estaba oscuro y mohoso y el horno parecía consumir la mayor parte del oxígeno. Las paredes estaban hechas de ladrillo y piedras desmenuzadas. El mortero se había convertido en polvo y los depósitos de calcio se alineaban en las grietas. Encontré algunas viejas puertas francesas, las dispuse en segmentos y colgué las luces del techo. Aquello fue mi hogar por un tiempo pero al final el horno explotó y el sótano se inundó con agua negra y fuliginosa. Me encontré en la calle en una fría noche de invierno caminando a través de una tormenta de nieve, demasiado orgulloso para ir a casa de mis padres por la mera necesidad de acceder a un hábitat en el que dormir.

Hubo momentos en que tuve ganas de rendirme pero al final hice que las cosas cambiaran perfeccionando mi talento artístico. Si no hubiera sido por mis flaquezas nunca habría descubierto mi fortaleza. A medida que mi corpus de trabajo creció también lo hizo mi lugar en la comunidad de arte.

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Hay personas en nuestra sociedad que creen en que el artista tiene un lugar en el mundo. Tengo la suerte de conocer a algunas de esas personas y nunca han dejado de creer en mí. Ellos han compartido sus pensamientos y sentimientos y me han dado apoyo y aliento. Me han demostrado que lo que hago es importante. A través de mi arte he aprendido la importancia de seguir mi corazón.

 – DANIEL B. MERRIAM –

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Texto de la Web site oficial de Daniel Merriam

Galerías de exposición del trabajo de Daniel Merriam

Catálogo de originales de Daniel Merriam

Catálogo de copias impresas de Daniel Merriam

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Testimonios de Merriam importados del blog ‘elhurgador.blogspot.com.es’

Nací en York Harbor, un pequeño pueblo de pescadores con una próspera escena turística veraniega. La zona atrae a decenas de artistas debido a sus cualidades rústicas y un encanto de viejo mundo. Teníamos mucha exposición al arte en la región. De hecho, las expectativas artísticas eran bastante altas debido a las prósperas artes locales y su formación académica. De niño vi a algunos de los mejores ejemplos de arte moderno original de nuestro tiempo. Me sorprendieron tanto que me vi obligado a dominar las habilidades de arte, incluso cuando aún era un niño. Maine también es bastante rural, por lo que los paseos por los bosques eran naturales para mí. Podía caminar millas sólo, sin una brújula o un camino a seguir. Pero además de lo mucho que sabía de la tierra, también era un maestro de las aguas. Entre la navegación, la pesca y el buceo, pasé tanto tiempo en el agua como fuera. Mi mundo estaba hecho de la crudeza de la realidad de la naturaleza y los tratamientos de fantasía de mi percepción. Mi conexión con la naturaleza, sin duda, está arraigada en las formas y patrones dentro de mi arte. Tanto mi familia como nuestra comunidad poseían una calidad caprichosa que permanece en mi arte hasta el día de hoy. Podría decir que mi infancia es lo que más ha inspirado mi arte.

En 1980, cuando me entrevistaron para una escuela de arte, no se estimulaba el trabajo figurativo. Me habían dicho que mis habilidades no serían apreciadas. Escogí trabajar como ilustrador antes que convertirme en un pintor abstracto. Las modas en arte habían cambiado varias veces desde entonces, y afortunadamente las obras figurativas han mantenido un fuerte interés entre los coleccionistas de arte. En cuanto a educación artística, no tuve casi ninguna. Tuve clases de arte en la secundaria, pero fueron muy básicas. Aprendí mis técnicas mediante la observación y por ensayo y error.

Es difícil para mí encontrar un mentor, pero nunca olvidaré la generosidad de Alan Magee al compartir conmigo sus sabiduría. Por supuesto la naturaleza es mi mayor inspiración. Cuando se menciona la literatura, no puedo menos que encontrar una conexión entre las obras de Ernest Hemingway y mi infancia. Yo estaba menos por la mitología de lo que estaba por Julio Verne. También me interesaba la ciencia y la historia, y sus relaciones con el arte y la religión. La música siempre ha sido la otra mitad de las inclinaciones artísticas de mi familia, y para mí permanece como parte de mi tapiz emocional.

‘Fantástico’ podría ser el término académico [para describir mi arte] hasta hace unos 6 años. Ahora aceptamos nuevos movimientos en el arte como el Steampunk, Neo victoriano, lowbrow, surrealismo pop. Realismo imaginario y Realismo mágico son dos de los nuevos que luchan por reclamar su puesto. Mi arte puede caer en cualquiera de esas categorías. Me considero un surrealista romántico. Estoy influenciado por el Art Nouveau, y la Belle Époque, el gótico, renacimiento, victoriano, vaudeville, y cualquier otro que me fascine.

[El circo y el teatro] son las arenas donde abunda la imaginación. Tengo afinidad con los intérpretes, supongo que porque yo interpreto a través de mi arte. El escenario es mi caballete.

Testimonios de Merriam importados del blog ‘elhurgador.blogspot.com.es’

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Entrevista de BSC news France a Daniel Merriam

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Fragmentos de entrevista a Daniem Merriam en ‘The thinker’s garden’

“No es casual o académico que me haya convertido en un artista. Mi trabajo se ha manifestado por medio de la imaginación hiperactiva de un niño que estaba en cierto modo profundamente preocupado. Los dibujos y las pinturas fueron la manera que encontré para manejar o equilibrar el horror y el caos que estremecieron y casi destrozaron mi mundo. Es por soñar despierto que he sobrevivido y por la pintura por lo que he fijado los sueños de mi elección de la manera que es más adecuada para el mundo del arte, que para cualquier otra existencia.”

“Hoy me acerco a los temas de mi pintura con un sentido de responsabilidad hacia ese sueño, ya que es el pozo del que bebo. Más allá de la retórica que se puede entrever atravesada en el mundo del arte durante los últimos treinta años, los frutos de la imaginación siguen siendo el recurso más renovable y profundamente humano que tenemos a nuestra disposición.”

“No sólo me rompí los dientes como arquitecto sino también como caricaturista político. Descubrí el poder de la pluma justo antes de descubrir el poder eminente de la censura. No es hasta que tenemos nuestras libertades amenazadas que nos damos cuenta de lo poderosa y frágil que es nuestra libertad de soñar.”

Mis pinturas son vehículos para mis sueños, no simplemente el producto de ellos. Esto permite al espectador recoger el argumento donde lo dejé y reescribir sus desenlaces una y mil veces. No deseo que concluyan nunca, de manera que que limito cualquier movimiento o expresión que pudiera facilitar el medio para alcanzar un final. El pintor captura el tiempo en un contexto seleccionado, ya sea secuencial o estático. Está implícita y percibida dentro de la intención del artista si son conscientes de su medio.”

Mi madre había coleccionado una serie de libros ilustrados por N.C. Wyeth, Maxfield Parrish, Gustave Doré sólo por mencionar algunos. Siempre me impresionó la entonación de Norman Rockwell y su capacidad para observar y representar el carácter humano con un estilo coherente y comunicativo. Más tarde supe que estos ilustradores fueron entrenados clásicamente y llevaron la antorcha del arte figurativo a través de las oscuras sombras proyectadas en el mundo del arte después de la Segunda Guerra Mundial y los efectos del futurismo. Encontré la historia subyacente de Alphons Mucha como un gran ejemplo de la disparidad entre las culturas y el arte, tanto en lo regional como en lo político. Creo que mi trabajo incorpora un giro de la estética del siglo XIX y XX, respaldado por las huellas de la disciplina que todavía persigue la tradición de los artistas que frecuentaban mi estado natal de Maine.”

“Me gustaría pensar en Bubble Street como la semilla de la cual pudiera desplegarse una vía real a mi estilo. Como muchas cosas que sueño, estas ideas pueden vivir en mi mente como nutriente de sueños futuros, pero algunas de ellas pueden deslizarse a través de las grietas y engendrar semillas en el mundo real. Tal como está, Bubble Street es mi emporio de objetos y artistas encontrados que colaboran con mi propio arte en un ambiente que se mantiene fiel a la lengua vernácula. El mundo sigue siendo mi lugar de exhibición. Bubble Street es el edificio de ladrillo y mortero del intento de un artista.”

“Daría la bienvenida a cualquier excusa para vestirse con un traje y mezclarme con otros entusiastas.”

Mucho se puede decir sobre el punto álgido del rococó y sus patrones de ornamento. Me considero un estudiante de la escuela de Eastlake y no ya sólo del corpus europeo, pero la extrapolación que se dio en los EEUU después de Eastlake había alcanzado su punto máximo. Me gustaron especialmente los estilos de transición como el Victoriano transmutado en Art Nouveau. Los motivos grotescos y ornamentos del período de resurgimiento del Renacimiento compararon una altura del diseño que fue tristemente interrumpida en su pico por las muertes en masa y el miedo de los fantasmas (bye-bye a los ángeles en la arquitectura). Había una sensibilidad Jules Verne a estas estéticas que se beneficiaba de la ingenua edad de la globalización temprana. La diversidad de materiales y motivos tejidos por arquitectos clásicamente disciplinados rivalizaba con los romanos y economizaba la frivolidad del rococó y la redundancia de los patrones moriscos. Al ser atados por el dogma de la religión y no contaminados por los intereses de un mundo corporativo, el diseño fue potenciado por el pasado y el futuro. Ojalá pudiera haber visitado París antes de la bola de ‘recking’.

– Entrevista completa a Daniel Merriam en ‘The thinker’s garden’ –

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Perfil de Daniel Merriam (Wikipedia)

Daniel Merriam es un ilustrador surrealista contemporáneo y es más conocido por su técnica de pincel seco y estilo imaginativo.

Merriam creció en Nápoles, Maine y es uno de entre sus siete hermanos. Estudió diseño mecánico y arquitectónico en el Instituto Técnico Vocacional Central de Maine. Más tarde trabajó para el negocio de diseño y construcción de su familia y como ilustrador arquitectónico y comercial. Tuvo su primera exposición individual como artista en la galería Abacus en Maine en 1987.

Merriam ha producido cuadros para las portadas de libros de Paula Volsky y Neal Barrett Jr. publicados por Bantam Books, así como para la Mid-American Review. Su trabajo también fue utilizado en el playbill de ‘El sueño de una noche de verano’ de William Shakespeare, producida por el McCarter Theatre de New Jersey. Publicó dos catálogos de colecciones de sus pinturas en 1998 y 2007 que forman parte de los archivos permanentes del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo Nacional de Ilustración Americana y el Museo Peninsular de Arte.

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Ha organizado exposiciones en Estados Unidos, Europa y Oriente Medio. El trabajo de Merriam está incluido en las colecciones públicas del Museo de Arte de Riverside, Merrill Lynch, The Gesundheit! Institute y el Manhattan Club, entre otros.

Los galardones de Merriam incluyen varios Premios Broderson, primer puesto y el Premio de la Asociación de Prensa de Escolas de Nueva Inglaterra, primer puesto, por caricaturas editoriales.

En 1987 recibió una Maestría Honoraria de Cartas Humanas de la Universidad de Nueva Inglaterra en reconocimiento de la posible contribución social de su trabajo.

Texto original del perfil de Daniel Merriam en Wikipedia

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Daniel Merriam official Web site

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Kris Kuksi

Desde Caravaggio a El Bosco y Bernini, pasando por H.R. Giger

Nacido el 2 de marzo de 1973, en Springfield Missouri y creciendo en la vecina Kansas, Kris Kuksi pasó su juventud en aislamiento y aislamiento rural, junto con una madre trabajadora, dos hermanos significativamente mayores y un padre ausente. Campo abierto, árboles escasos y padrastro alcohólico, allanando el terreno para un individuo saturado de imaginación e introversión. Su propensión a lo inusual ha sido una constante desde la infancia, una fascinación de toda la vida que se prestó a su arte macabro más tarde en la vida. Lo grotesco para él, al parecer, era hermoso.

“Un maestro rococó post-industrial, Kris Kuksi organiza obsesivamente personajes y arquitectura en composiciones asimétricas con un exquisito sentido del drama. En lugar de piedras y conchas utiliza soldados de plástico gritando, bloques de motor en miniatura, torres altísimas y una variedad de escombros para formar sus paisajes. El conflicto político, espiritual y material dentro de estos santuarios se promulga bajo la calma mirada de deidades remotas y augusta estatuaria. Kuksi se las arregla para evocar, a la vez, un santuario y un mausoleo para nuestro espíritu sofocado. “

– Guillermo del Toro –

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“La historia como la sopa primordial – un guiso burbujeante de emocionantes resaltes y tragedias épicas que no sólo resuenan en el ojo de la mente, sino también inspirar todo tipo de emociones – bueno, malo y de otra manera.”

– David Pagel. Los Angeles Times –

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Kris Kuksi official Web site

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La escultura cuelga en la pared: Un mundo extenso, una advertencia, una revelación, una visión de un alma colectiva. De lejos, la composición es lo que es llamativo, formalmente equilibrado, juguetón pero contenido y elegante. Hace señas, atrae al espectador a su enredo de sentido, la historia se despliega en sus profundidades y se reverencia descubierta dentro del surtido de la iconografía inventada. Esta escultura lo tiene todo – las conquistas imaginadas, el sexo y la muerte, la huida de un héroe lleno de huida, el ombligo y el olvido, los personajes trágicos reviviendo los errores que la humanidad continúa haciendo, la búsqueda, la visión, el guerrero, el profeta, el místico. Los arquetipos de los niños a los que se adhieren, se proyectan en otros arquetipos que anidan la historia y siguen fascinándose en diferentes contextos.

Esta escultura es un nuevo marco para algo que se siente totalmente familiar. Cuanto más cerca se mueve el espectador, más encantados se vuelven. Los intrincados detalles de la asamblea hacen resaltar los matices de la narración, y queda claro que cada uno de los miles de piezas que hay en el interior fue escogido, sacado de este vasto mundo de objetos materiales y colocado con intención en el contexto de la escultura.

Aunque miles de decisiones se tomaron para esta escultura, se unifican en una armonía lúcida y barroca.

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El proceso de Kris Kuksi es enteramente suyo. Comienza con la chispa de una idea que se suele encontrar en las primeras horas de la mañana cuando el trabajo está canturreando, un desprendimiento de su rica historia personal, por lo general algo iconoclasta, serio y lleno de paradojas. Él va a echar un vistazo y la imagen se quemará en su mente el tiempo suficiente para que él lo traiga a la existencia.

“Las esculturas tardan horas, semanas ya veces meses en completarse ya veces
Trabajo de catorce a dieciséis horas al día, pero todo parece ir tan rápido.”

Las minuciosamente recolectadas piezas del kit modelo, huérfanos moldeados por inyección, bric-a-brac y knick knacks, figurillas, joyería y animales de plástico se congelan en un friso re-imaginado, una amalgama macabra que revela, confronta y provoca el sistema de creencias de un espectador. Reimaginando narrativas familiares en nuevos contextos.

Irónico, un hombre que deconstruye y reestructura la iconografía saldría de una iglesia reutilizada, de fines del siglo XIX, pero su estudio abarca todo el plano de un edificio a través del río Kansas en un rincón post-industrial de Lawrence, Kansas. Rodeado por la pátina de la vieja maquinaria y silos inminente, podría ser apropiado que la mayoría del proceso de Kuksi ocurra aquí.

Desde forjar las profundidades de Internet para los componentes perfectos del modelo, hasta componer juxtaposiciones reflexivas y complejas, todo el camino a través del ensamblaje, cebado, recubrimiento y texturización de la miríada de piezas, Kuksi pasa horas contemplando y ejecutando una escultura.

Este proceso no ha sido fácil para Kris Kuksi; él pone en el tiempo y el trabajo y tiene desde una edad joven. Nacido en 1973 en Springfield, Missouri, se trasladó posteriormente de su padre que luchó con el alcoholismo a una infancia socialmente aislada al norte de Wichita, Kansas. Con una madre ocupada trabajando para mantener a su familia ya dos hermanos mayores de una década, su creatividad fue animada por su abuela que compartía su papelería para mantener viva su imaginación a través del dibujo. Con el ambiente silenciado de forma abrumadora del Medio Oeste y el aislamiento causado por la fobia social de su madre, Kris comenzó a desarrollar un rico tapiz interior de fantasía y creatividad. LEGO se mezcla con detritos rurales, héroes de acción con desechos agrarios, para dar vida a las imágenes inventadas de su mente.

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Una propensión a dibujar y pintar en la escuela secundaria y el apoyo de un profesor de arte alentador empujó a Kuksi para completar ambos licenciatura y maestría en pintura de la Universidad Estatal de Fort Hays. Su pintura temprana varió del retrato gestual a la de Caravaggio, al trabajo más psicodélico y visceral, reminiscencia de Hieronymus Bosch y de H.R. Giger. Las dos últimas influencias encontrarían su camino en su escultura, pero esto tomaría algún tiempo.

“Mis primeros cuadros y conjuntos de medios mixtos representan el ápice del descubrimiento de mí mismo como artista. Al principio, era difícil aceptar que yo era realmente un constructor y no un pintor. Si me sueltas en un museo, encontraré donde están las esculturas europeas en el mapa. La escultura renacentista italiana es lo que más aprecio y respeto me merece. Bernini es mi héroe definitivo.”

Después de recibir varios talleres amplios centrados en las técnicas de los antiguos maestros de Austria, Alemania e Italia, una de sus pinturas fue aceptada Exposición selectiva en la galería nacional del retrato del Smithsonian.

El paso de su padre junto con la intensidad de su taller de formación propulsó a Kris hacia nuevas fronteras de significado y medio. Estaba inspirado y dispuesto a arriesgarse, queriendo hacer algo de sí mismo al darse cuenta de que su destino era suyo, no relacionado en absoluto con los errores cometidos por sus padres en el pasado. Después de un voto personal para convertirse en un artista exitoso, comenzó a explorar las profundidades de las luchas de la humanidad utilizando una nueva técnica de ensamblaje.

“La función de mi trabajo tiene que ver con relacionarse con el lado más oscuro de la psicología humana”.

Es más que su educación religiosa que empuja a Kuksi a reinventar la iconografía.

“Me gusta la idea de distorsionar la escultura clásica y religiosa porque es lo que la humanidad siempre ha hecho. Los seres humanos han tomado prestados los dioses de otros dioses. Los romanos reemplazaron a los dioses griegos, los cristianos reemplazaron a los dioses paganos, y así sucesivamente. Simplemente me gusta crear el siguiente paso, otra realidad paralela donde he robado imágenes clásicas y religiosas y he creado nuevos símbolos e ídolos.”

En el transcurso de la carrera de Kuksi, sus obras han aparecido en muchas publicaciones de revistas como Hi Fructose, Juxtapoz, Wild y muchas otras. El arte de Kuksi ha atraído a muchos coleccionistas públicos y privados en los Estados Unidos, Europa, Oriente Medio y Australia que incluyen a personas como Mark Parker (CEO de Nike), Chris Hardwick (comediante y actor), Swizz Beatz y Alicia Keys (músico y productor) Wendy Asher (coleccionista de arte), Sean Parker (cofundador de Facebook), Steve Aoki (DJ), Kay Alden (tres veces ganador de premios Emmy), Fred Durst (músico y director de cine), Usher Guillermo del Toro (director de El laberinto y Hell Boy 2), Community Dinner Club (Los Ángeles), Randal Haworth (cirujano plástico) y Robin Williams (Premio de la Academia y actor ganador de Globo de Oro).

Kris ha colaborado también con otras personas y empresas como Saatchi Art, Nike, Cosmopolitan Hotel (Las Vegas), The Mortal Instruments: City of Bones (película), Visionaire (publicación de Givenchy), Iris van Herpen (diseñadora de moda) Y Tíbet (subasta de beneficios). Está representado por Joshua Liner Gallery en Nueva York y Mark Moore Gallery en Los Angeles.

Actualmente trabaja y vive fuera de Lawrence, Kansas con su esposa y sus tres hijos.

[ Texto de Neal Barbour ]

Texto biográfico de Kris Kuksi

Entrevistas con Kris Kuksi

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