‘Surrealist reality’ by Kinga Britschgi

-(Artículo en construcción)-

About Kinga Britschgi, in her own words.

Kinga Britschgi is a Hungarian artist living in the United States. She is best known for her magical digital images that always have some dark surrealistic elements. She was born in Nagyatád, Hungary and moved to the U.S. in 1995. She has a degree in Fine Arts (graphic design), TEFL (Teaching English as a Foreign Language), and Elementary Education.

Her works were published in numerous professional publications and in 2013 Adobe chose her as one of the artists in their ‘New Creatives’ campaign.

She lives with her husband and son in Boise, Idaho.

– I earned a degree in Elementary Education, including Art Education and also in Teaching English as a Foreign Language. For a long time I had a very hard time deciding which direction I wanted to take. In Hungary, it seemed to be teaching English and some art, in the United States, it is mainly art with some teaching.

I try to make art a daily ritual or at least a daily engagement. Although I usually define myself as a collage-painter and block printer, I have mainly four areas of interest: collages (in a broad sense; as I am also attracted to assemblage, bricollage and such things), block printing, artist books and computer graphics.

I create my pieces from “found objects.” Mainly old ephemera, books, charms, photos, nature’s treasures, fabric and a lot of other sources. I also have innumerable rubber stamps. I am a “metallic” fan: gold, copper, silver, bronze.

Lately I have returned to some of my old college routines: oil paintings, some watercolor and pencil drawings. My favourite and always returning motif is the female nude in many, many forms.

As I also write (unfortunately much less lately than I used to) I often use my writings as a starting and/or inspiring point. I create either a ‘visual writing chunk’ (when the actual words, their physical appearance, have vital parts in the finished piece) or merely an illustration for the chosen sentences.

Recently, while I was drawing for one of my newer collages, I stopped and started to think: why do I not draw/paint a ‘whole-story’ picture? (You know: women are sitting in a sun-lit forest chatting; little cottage on a river bank or even a portrait; you know what I am talking about.) Why do I feel the urge of pasting bits and pieces to / at / below / above / through my seemingly unfinished drawings / paintings and finish them in this way, creating a collage? It is not because I could not paint or draw an ‘epic’ picture, I guess. It is because I do not think in a linear way, and because I always want to express much more than I ever could in any other ‘linear‘ form. I am not saying other directions are wrong; what I mean is, that for the ultimate and only way of my self-expression is the collage form with its unbelievable freedom.

I am a very slow artist; in this context it means that although collage seems to be a very improvisational form, for me it is a very, very serious, bittersweet battle: when I finish my piece I can tell you exactly why I have chosen a certain piece of paper or why I attached that label or why I positioned that rusty piece of metal just there. What I mean is, yes, even if I hate this term, my pieces do have some message; on the other hand I am the last person who expects anyone to ‘go for’ this message. But it is extremely important for me to create purposefully; to know what I do and why exactly I do that in that certain piece. I do believe that in this way I create something that is worth looking at, ‘deeper‘ than a decoupage (“a surface decoration“). And I do believe that even if my ‘message’ cannot be discovered sometimes, the piece can put up with time for a long while and please people as it is being born out of a painful but extremely joyful creative process.

I do not like the term, “fast and easy to make.” I think it is always very hard to make something meaningful and in a lot of cases it is a long and frustrating process. But this is exactly what is most beautiful about being an artist.

In the future, I am planning to go back to school and study printing and book arts.

Per più informazioni leggi qui:


© Tutt’Art@ | Pittura * Scultura * Poesia * Musica |

Info imported from: tuttartpitturasculturapoesiamusica


Kinga Britschgi Tutt'Art@


More about ‘Kingabrit’

I am a Hungarian artist having been living in the U.S. since 1995. Although my art degree is graphic design I work in both traditional and digital media. Apart from magazine covers and cd covers my works appeared in several professional magazines. I like to create magical worlds in my pictures and my specialty is creating surrealist photo manipulations / photo collages with a touch of fantasy; I call them ‘surrealist reality’. I sometimes design digital collage elements that my clients can mix-and-match to make their own art pieces.

Corporate & personal print designs (posters, flyers, invitations, brochures), book- and cd-covers, packaging, digital illustrations, and digital fine art. Ten plus years of experience in the creative field.

If you are interested in hiring me for a graphic design job visit my website ( kingabrit.wix.com/kinga “Contact” tab) or simply send me a note here. Please allow me a few days to respond.

I am a professional graphic designer and digital artist working in both traditional and digital media. My specialities are print designs, illustrations, and surreal digital fine art. I love creating corporate and personal flyers, brochures, cards, direct mail pieces (mailers), signage, magazine ads, and banners. I am also designing eye-catching book- and cd-covers.

I do have a very specific and unique way of seeing the world around me, so my designs, although always very professional and effective, stand out of the mainstream designs helping my clients a great deal to achieve their business goal. My clients include Adobe, Sydney Theatre School (Australia), The College of Idaho, Olibet (Belgium), and numerous small businesses and individuals.


Links to Kinga’s demos:
Kinga Britschgi shop:

Open Edition, Digitally Signed and Signed Prints

Thank you for your interest in my digital fine art prints! You can order your Open Edition Prints of my images here:

Kinga Britschgi Prints

There are many options and sizes, greeting cards, and a lot of gift items (mugs, coasters, etc) – check them out!

If you would like to have a signed print (either digitally signed or with an original signature, please let me know through my Contact Page and I will get back to you very shortly.

Kinga Britschgi on Behance



Sullivan Moore
rep email: kate@sullivanmoore.com
phone: 631-235-5245


'Ojos a obscuras' ('Eyes in the dark'). Remix of unknown photographers composed by Digital Imagine TV.

‘Carmita, Patricia, Daniela y Maya’… desde el prisma nítido de la visión de Ariadna.

El blog de la singular artista Ariadna invita a la re-publicación de uno de sus textos más enigmáticos al tiempo de originales y sinceros: ‘Carmita, Patricia, Daniela y Maya’.

Ariadna traza una prosa poética al servicio de musicalidades inesperadas que se ciernen contundentes y tenaces a medida que se tejen sus vocablos y se vierten sobre los tímpanos escondidos de nuestra imaginación absorta; en ocasiones, abrumada por la autenticidad de sus rezos y proclamas de libertad rítmica, pletórica en esquemas sencillos que devienen elocuentes y magnánimos a medida que se paladean al silencio de madrugadas clandestinas, militantes y hasta a veces temerarias.



‘Carmita, Patricia, Daniela y Maya’… conforma un pasaje de texto que arrancará más de una melodía inédita de la lira de cualquier ‘Asurancetúrix’ bardo que cabalgue por sus sílabas… -como ha sido mi caso-.


[ Publicado en el blog de Ariadna el … 7 ENERO, 2017

Carmita, Patricia, Daniela y Maya.

Pilar de mi vida
La columna vertebral de todos aquellos en los que alguna vez te has cruzado
No solo has rozado personas
Has marcado a fuego el corazón de muchas
Pilar de la vida
Porque eres esencial
Porque siempre has sido vital
El muro de carga que nadie ha sabido derrumbar
por mucho que lo hayan intentado
Pilar del mundo
Porque el universo si necesita algo, lo crea
lo moldea
y lo transforma
Y tu, y la madre que te dio la vida, me creasteis, me moldeasteis y me transformasteis
y por eso
Tu eres el pilar
el mío, el de muchos y sobretodo
el tuyo.

Source: Carmita, Patricia, Daniela y Maya.    ]


En definitiva… -y tal y como le hice saber en comentario ulterior, a pie de su atractivo escrito-…

Muy bueno, Ariadna.

Suena música en mi cabeza al seguir la transcripción de semejante arrebato de sinceridad amétrica. Es la forma más libre de dejar fluir un discurso no metódico, espontáneo y atrevido.

Enclaustrarse en sincronismos de encaje y geometrías matemáticas solo comprime la versatilidad del verso al servicio del acervo acumulado en nuestra bilis tras eones y centurias de miserias propiciadas por las huestes de espíritus baldíos; de penurias y zozobras al pairo de la galerna urbanita, campechana, furibunda o campesina; de riesgos de maltrato por cariños vespertinos que devienen envidiosos forajidos transformándose en desasosiego incauto en un eterno trasiego de humanidades en barbecho continuo que asombrarán con espanto el pulsar de tu corazón nítido, boquiabierto y aguerrido; fascinado entre el caos y maravillas cuidadosamente ordenadas; entre el ying y el yang del Tao de aquella: Tu efigie orgánica y su predio circundante, gravitatorio y firme:

Tu planeta y tu morada.

Fruto de una observación sagaz y culta, académica, elegante y… -en tu caso, a mis efectos- …bien hallada… así surge el producto que se gesta tras la mirada de Ariadna.

A pesar del embiste fraudulento de milicias de actores y actrices en ejercicio hipócrita y flagrante, hastiada de peroratas sin sentido de los otros… -como pueden ser las mías-… abrumada por el hálito falsario de gregarios al servicio de sí mismos… te sinceraste cuerda y cierta y acertaste certera en la diana de una verdad inexpugnable y una unidad de destino indisoluble:

Tus palabras.

Y lo hiciste a tu manera: Libre, sana, saludable, admirable y admirada.

Entre toda esa vorágine de entuertos y recelos, de amenazas y sospechas de los mismos bucaneros de lo cínico, entre todo aquel ejército desvergonzado y nimio que a priori impedía vuestro arribo a buenos puertos, tras la búsqueda incansable de un suelo de arena estable y seca en la que moldear vuestra espalda acomodada… te erigiste incólume, impasible, inexpugnable… definiendo y defendiendo con sutil destreza lírica el tesoro más gentil que la vida te otorgara:

Carmita, Patricia, Daniela y Maya… al amparo del buen gusto y el acierto narrativo de una nueva musa:


Suena música si os sigo; y hasta lo mismo me atrevo en exceso al añadir alguna secuencia de acordes a semejante lindeza de versículos anárquicos, como alegato y brindis de una Artemisa artista hacia su insigne madre, también diosa; su incondicional pilar y su sustento amigo, además de su eterna compañera de aventuras y fatigas… por los siglos de los siglos.

Entretanto me hallarás siempre a los pies… de tus escritos.



El blog de Ariadna

Carmita, Patricia, Daniela y Maya



No music needed…


-( Header graphics composed by Digital Imagine TV )-


Reflexiones sobre belleza y magia: Oriana & Nephthys Stregga

Dedicado al perfil de esta ingeniosa y cándida blogger venezolana… y al de su madre, maga y su benefactora, desde el respeto y admiración que promueven en la atención de no pocos de sus lectores.




De haberlas, usted lo que sería es una ‘divinidad’ caída de las nubes en un salto de ángel que atinara en el único suelo donde solo los alados Febos disponen de sus propios pedestales… desde donde hacerse al aire entre el bramido de cascadas.

Usted lo que es es una promesa. Augurio de virtud semiescondida al regazo de un emporio de plenitud de paz… y al socaire de ternuras que allí emanan cautelosamente labradas por el amor de una madre.

Usted lo que es, es un ingenio, organismo y artefacto de terraformación de bienes y bellezas; de constructos acústicos y gráficos; de germinación de ideas, ideales e idearios pretendidos desde infancias en retiros de clandestinidad araucana, amazona amorosa… y hasta quizás selvática; prototipo mutante del futurible que aguarda a la Noosfera de todo un planeta tras la interacción de avatares de dimensón fuerte, aguerrida… y en parte sofisticada; de naturalidad clara y de contorno de expresividad indígena… entre parda, negruzca y azulácea; y entre pestañas puntas… brillantes, obscuras y afiladas; recreo del que posó allí sus ojos a visitar cutiz de terciopelo… y andarlo virtualmente con su pupila absorta, pánfila y embelesada… arrodillado al límite de ti y de tus montañas, perdido entre paisajes densos de un país que ha visto surgir ignea a su Oriana… al asiento de arenas y areniscas salpicadas de espumas oceánicas… y al viento de sus selvas y sus junglas aromáticas… con su emulsión de savias de rosa, azafrán, lianas… salitre y luz volcánica

Semejantes esquemas de descripción tan solo son fragancias del emblema de abolengo y humanidad prístina… -de reseñas históricas puras y hereditarias- …que poseen las ninfas jinetes galopantes de aquellas tierras de gracia.

De manera Oriana que te faltó añadir datos al respecto de la intensidad áurea, etérica y astral, de tu mirada, ubicada en perímetros regados por espesuras negras… cuidadosamente abonadas en el predio de un rostro… -refugio de la atención de poetas- …yacimiento de sensibilidad magna, magnífica y magnética… entre magnolia y mágica; entre azabache y púrpuras de lodos de pantanos y terrarios que habrán de fructificar en imperios de juncos… cabellos y herbolarios… de jardines botánicos blindados por ejércitos de lirios y azucenas…

…y entre sonrisas de tus labios: Los pétalos de miel carmesí y niebla… con su hálito de atmósferas de néctar, prana, bruma de akasha… de éter, saliva y menta… vapores de rocíos apresados entre estambres de geometrías curvas… cálidas y onduladas… oriundas, salvajes, femeninas… los étnicos trazados dibujados al arbitrio de una intensidad innata, autóctona y nativa… de Shaktis y pleromas rojizos… de origen precolombino.

Y esos eran los matices más nobles, atractivos y regios… inscritos en las raíces de los reinos de tu espíritu y tu cuerpo… de América y Caracas.

Y transmítale estas palabras a su bendita madre… como ecuánime merecedora del reconocimiento que desde ellas se otorga… a los espíritus que saben nutrirnos de universos de belleza y de gloria…

…de luz, de vida y magia.

-[ Oriana… y el estigma de la azucena negra que floreció un día en Caracas.] –



Acerca de Oriana

Acerca de Nephthys Stregga


Texto extraído del blog de Nephthys Stregga

[ Soy una linda bruja con escoba y sin verruga.

Esta idea se alimenta  por no pertenecer ni aquí ni allá por ser más que materia física; Por recibir la visita de seres espirituales por conectarme con algo diferente que me hacia entender que no pertenezco a este mundo, por   llevar dentro de mí recuerdos ancestrales, el poder de la videncia.

No pretendo cambiar sus creencias religiosas y espirituales. Solo adentrarlos un poco a lo que es mi manera de vivir en este mundo mágico

La magia es variada, como las religiones, la experiencia espiritual  lo común es que es  compartida solo con la divinidad.

 Aunque lo relate no soy quien la ha  inventado, es decir que porque  el sastre  corta el  traje  no es el creador de la tela; intentare introducir una mezcla de mis estudios por todas la religiones o ideologías que cada día me hace entender  que tener un don no te hace un bicho raro. Me nutro de sabiduría infinita las discusiones principales y estructuras de varias religiones del rituales de  magia, no para crear una nueva forma de vida, pero si  para introducir alguna,  de modo que otros puedan convertirlo para su propia práctica mágica.

Cuando comencé a aprender sobre la magia había pocos libros sobre el tema,  Ideologías,  rituales y textos mágicos son mantenidos en secreto en varias corrientes  y solo hace poco tiempo algunos sistemas fueron tornados “públicos”. Debido a este hecho, pocos practicantes escribían libros describiendo los rituales y las enseñanzas internas de la magia, los que están fuera de ella y sobre ella escribieran, proporcionarían forzosamente informaciones erróneas o incompletas.

A medida que proseguía en mis estudios, encontré, percibí que alguien que tratase de aprender y practicar la magia con base apenas en las fuentes publicadas adquiriría una visión tristemente tendenciosa gran parte transmitían su propia forma de magia con  puntos de vista similares, de otros autores haciendo, así, que la mayoría del material publicado sea repetitivo

A pesar de que nada puede sustituir la enseñanza directa e individual, deseo representar una alternativa a los libros sobrios y estructurados sobre la magia, como también quiero retribuir con algo de entrenamiento que recibí en este camino mágico y maravilloso. ]


“Los invito para que el día de hoy, seamos como una esponja…; como polvo de estrellas, danzando en este maravilloso momento.”

“Quien tiene magia en su corazón jamás necesitará trucos. Porque hay personas que disponen de esa luz propia que reconforta e ilusiona. Son personalidades valientes que hacen posible lo imposible y que, además, apenas se dan cuenta de todo lo que hacen por nosotros.”

Del blog de Nephtyhs Stregga







Desde aquí queremos invitar a la consulta eventual del blog de Nephthys Stregga donde en el presente y el futuro nos vamos a topar con mucho más que Esoterismo:

“Esta pagina nació con la intención de presentar la teoría y la práctica del mundo de la magia a partir de una perspectiva individual, basada en años de experiencia en el mundo de la esoterico abriendo para ustedes las puerta de este maravilloso y misterioso mundo magico.”

…y al de Oriana:

Un día con Oriana

Gracias a ambas por servir de inspiración a la ambición de un escriba del todo correligionario.

-La Nube de Oort-



Daniel Merriam. Surrealismo contemporáneo rococó.

La imaginación, la forma y el color al servicio de la psicodelia más cándida, inocente y arquetípica.

Daniel Merriam es un ilustrador surrealista contemporáneo, más conocido por su técnica de pincel seco y por su estilo imaginativo, onírico y colindante con los paisajes y personajes que en su día nos invitaron a ensoñar narradores y dibujantes como Lewis Carroll, John Tenniel o incluso Walter Crane, Arthur Rackham, Mark Ryden o Ray Caesar. Aunque sus influencias más confesadas fueron las de  N.C. Wyeth, Maxfield Parrish, Gustave Doré, pasando por la expresividad de los trazados de Norman Rockwell o el modernismo de Alfons Muchalas visiones únicas de Merriam constituyen un collage de capas y elementos de imágenes coloridas en un estilo propio que recupera el territorio de los sueños más salvajemente infantiles y evocadores, así como el romance por la psicodelia más inocente, legendaria hasta a veces zambullirse en lo arquetípico; de tal modo su trabajo alcanza la sensibilidad tanto de los amantes del arte clásico como del contemporáneo.

Nacido en 1963 en York, Maine aprendió a pintar muy joven y durante su infancia hizo uso de su técnica y su imaginación a modo de metodología reflexiva siempre en clave de juego. Estudió diseño mecánico y arquitectónico y aplicó sus habilidades dimensionales y pasión por la arquitectura en el negocio de diseño y construcción de la familia. A partir de un punto decidió reciclar y readaptar su talento enfocándose en el campo creativo de las más puras bellas artes.

Entre los muchos logros de Merriam está un título honorario de maestro de cartas humanas de la Universidad de Nueva Inglaterra en reconocimiento a la posible contribución social de su arte, varios premios Broderson y el Premio de la Asociación de Prensa Escolástica de Nueva Inglaterra. Sus catálogos han sido incluidos en los archivos permanentes de varios museos y bibliotecas de todo el mundo. Ha celebrado más de un centenar de exposiciones individuales en los Estados Unidos, Europa y Oriente Medio y ha obtenido aclamaciones de numerosas publicaciones nacionales e internacionales así como comentarios elogiosos emitidos por diversos reportajes, documentales y noticiarios de televisión.

Merriam es también fundador y propietario de Bubble Street Gallery, un emporio californiano de arte e imaginación.

“No hay mayor parque de atracciones que la imaginación misma.” – Daniel Merriam –




Los pueblos de Nueva Inglaterra se hacen eco de las imágenes de la arquitectura americana temprana. Las casas de pan de jengibre, coloniales y victorianas construidas por los carpinteros de los barcos motean el paisaje dentado. Nací allí, el 1 de febrero de 1963, en el puerto de York, un pequeño pueblo en la costa de Maine, donde crecí como el niño medio en una familia de dos muchachas y de cinco muchachos.



La creatividad llenó todo el aire. Nuestra casa estaba llena de una variedad de instrumentos musicales. Dos pianos sonaban constantemente mientras siete hermanos practicaban con ellos diariamente. Mi madre abría las ventanas y cantaba mientras tocaba himnos, haciendo sonar serenatas en el barrio. A menudo nos sentábamos alrededor de la mesa de la cocina y dibujábamos en bolsas de papel hasta que estaban cubiertas por dentro y por fuera con dibujos de cualquier cosa que pudiéramos imaginar. Las horas las pasamos en la tienda de carpintería de mi padre tallando barcos de juguete y otras cosas divertidas para jugar.



Mi familia pasó los veranos en una pequeña cabaña en el lago Mousam. Recuerdo los juegos en el vecindario: Rowboating, pesca, construcción de castillos de arena, y hacer fogatas en la playa por la noche. Corrimos por los bosques descalzos jugando al escondite, y no nos poníamos un par de zapatos hasta que comenzámos en la escuela llegado el otoño. Nuestra bodega estaba llena de acuarios y cubos llenos de ‘pollywogs’, monos de mar y tortugas recogidas de un pantano cercano a un bosque de arándanos.

Mi pasatiempo favorito era escalar árboles. Buscaba el árbol más alto que pudiera encontrar, me subía a sus ramas y comenzaba a subir. Empujaba hacia arriba de miembro a miembro hasta que las voces de los niños que jugaban abajo se desvanecían con el crujir de las hojas. Me aventuraba más y más, poniendo a prueba mi fe a medida que las ramas crecían progresivamente a mi paso. Una vez cerca de la copa, me sentaba precariamente en un extremo, apoyado contra el tronco mientras se balanceaba en el viento. Este era mi propio mundo, y desde allí pude verlo para siempre.




Cuando no estaba jugando, seguía a mi padre, Fremont, mientras él trabajaba y le hacía una pregunta tras otra observando cada uno de sus movimientos, tan metódico y eficiente. Recuerdo el olor de la madera recién cortada y el sonido de su voz al explicar su oficio. Él era un ingeniero estructural y trabajó muy duro a fletando su propia empresa de construcción. Mi padre estaba encantado de que me interesara tanto en su trabajo y pronto me hizo trabajar a su lado. Él me dio herramientas de carpintero como regalos para cumpleaños y Navidad. Aprendí a manipular la madera sin que se rompiera y a hacer girar un martillo con el ritmo de un baterista. Durante la noche observaba cómo dibujaba los planos de las casas que debía construir. Estos fueron sus sueños y yo fui testigo de la magia de su realización.

A la edad de doce años trabajaba en el bosque con mi padre construyendo cabañas de troncos, cortando troncos con un hacha, una cuchilla y una motosierra. Nuestra familia se trasladó a una nueva casa en el corazón de la región de los Lagos de Sebago. La catedral de pinos majestuosos se elevaba sobre la gran casa colonial holandesa que se orientaba al noroeste alrededor de a unas once millas del lago, con una vista del Monte Washington en la distancia. Esta casa solitaria no tenía no tenía cimientos ni fosa séptica y no estaba aislada térmicamente para los largos inviernos de Maine. Cavamos los cimientos a mano, arrastrándonos sobre nuestras manos y rodillas, raspando el lecho rocoso de las trincheras estrechas. Mi padre había crecido en una granja y creía en las virtudes del trabajo bueno y duro. Seguí trabajando para él en mi adolescencia pero poco a poco me encontré pasando más y más tiempo en el santuario de mi dormitorio.



Fue allí, en mi pequeño escritorio de roble al lado de la ventana, donde empecé a pasar horas dichosas dibujando y pintando. Con un lápiz y una nueva pila de papel blanqueado que me regaló un amigo pronto había dibujado bastantes imágenes fantásticas para empapelar mi habitación entera. Recuerdo de vez en cuando mirar hacia abajo y ver a mi padre trabajando duro en el patio. Aunque sabía que deseaba que le ayudara yo rezaba para que se las apañara sin llamarme. Finalmente se percató de mis dibujos y me llamaba desde mi habitación para mostrarlos orgulloso a sus amigos. Sin embargo fue difícil para mi padre aceptar el arte como una vocación viable. Recuerdo su lucha con su intangibilidad. Para mayor tormento suyo sus cinco hijos sentían inclinaciones artísticas.

La escuela fue difícil para mí. Mi capacidad de atención flaqueaba como un foco en el ejercicio de memorizar fechas y nombres, un hábito que de alguna manera parecía fuera de mi alcance. Mis profesores decían que yo… “simplemente no estaba allí”.




Pasaba la mayor parte de mi tiempo mirando desde la ventana de la clase, soñando despierto, viajando en el tiempo a través de mundos lejanos. A pesar de mis notas erráticas y la falta de interés, mi ventaja en el desempeño de lo artístico de alguna manera me hizo ganar el apoyo de algunos de mis maestros.

Entré en el Bridgton Art Show cuando tenía quince años y gané el primer premio en la categoría de estudiantes. En la ceremonia de entrega de trofeos me presentaron a Alan Magee quien había ganado el gran premio por su pintura titulada ‘Stones’. Me sorprendió su técnica: Un gran realismo, acometido de manera tan simple. Alan pasó mucho tiempo hablando conmigo y para mí marcó un estándar de excelencia no sólo ya por su trabajo sino por su calidad personal. Nunca he podido igualar sus habilidades pero en vez de eso he cultivado méritos propios. A lo largo de mi carrera he recordado esa reunión con Alan y siempre escucho u ofrezco algo de asesoramiento a los artistas aspirantes.




Sentí que había llevado una vida más bien privilegiada, protegido por el clima rural de Maine y la realidad de asistir a la universidad para estudiar arte parecía fuera de mi alcance. Tal vez me faltaba confianza o tal vez carecía de ánimo. En cualquier caso nunca fui a una escuela formal de arte. Estudié durante dos años en el Instituto Técnico Vocacional Central de Maine diseño mecánico y arquitectónico y más tarde comencé a trabajar para arquitectos y constructores.

Mi padre a menudo batalló conmigo desde su compleja comprensión del cálculo y las fórmulas que se desplegaban a lo largo de las páginas. Él deliberaba sobre ellas durante lo que parecían horas presuponiendo que yo iba a ser capaz de seguir su ritmo. Aunque no heredé la competencia matemática de mi padre mis ojos para la perspectiva y mi habilidad para ilustrar la arquitectura resultaron muy útiles durante mis primeros años de trabajo con arquitectos y diseñadores. Después de poner a prueba mis habilidades mi padre me invitó a trabajar en su compañía. Con gusto acepté su oferta ya que trabajar en el negocio familiar parecía prometer mayores recompensas.

A medida que el negocio crecía me veía cargado con más y más responsabilidades. Con el tiempo entré en depresión y mis sentidos comenzaron a flaquear. Al final llegué a un punto en el que me abrumé y me sentí profundamente culpable. Dándome cuenta de que nunca iba a alcanzar la excelencia en el negocio de la construcción decidí que debía emprender lo que más anhelaba. Mi padre tuvo una charla de sincera conmigo y me reveló un lado de él que yo nunca había presenciado anteriormente. Me dijo que tenía la impresión de que estaba dejando echar a perder mi talento. Me pareció extraño oír a este hombre fuerte y corpulento sugerir que debería aspirar a hacer carrera artística. Esto implicó el inicio de lo que iba a ser la búsqueda de una nueva visión de por vida; una que dio a mi vida un nuevo significado.




Decidí cultivar mi arte y aprender a sobrevivir de él. Aceptar cualquier otro tipo de trabajo sin duda habría sido una distracción ya que no había mantenido mi ritmo de creatividad durante mi anterior empleo. Trabajé en mi estudio día y noche, siete días a la semana, parando sólo para dormir un par de horas encima del tablero de dibujo hecho en casa. Alquilé mi casa porque no podía asumir el pago de la hipoteca y nunca estaba en ella. Mi hogar estaba en mi cabeza y mi cabeza en mi estudio. No disponiendo de tiempo libre para el ocio diligentemente mantuve este ritmo durante dos años.

Cuando cumplí veintitrés me mudé a la ciudad portuaria de Portland, en Maine. Trabajando para una galería de arte pude apañar un contrato de alquiler comercial para un sótano vacante en el piso de abajo. Estaba oscuro y mohoso y el horno parecía consumir la mayor parte del oxígeno. Las paredes estaban hechas de ladrillo y piedras desmenuzadas. El mortero se había convertido en polvo y los depósitos de calcio se alineaban en las grietas. Encontré algunas viejas puertas francesas, las dispuse en segmentos y colgué las luces del techo. Aquello fue mi hogar por un tiempo pero al final el horno explotó y el sótano se inundó con agua negra y fuliginosa. Me encontré en la calle en una fría noche de invierno caminando a través de una tormenta de nieve, demasiado orgulloso para ir a casa de mis padres por la mera necesidad de acceder a un hábitat en el que dormir.

Hubo momentos en que tuve ganas de rendirme pero al final hice que las cosas cambiaran perfeccionando mi talento artístico. Si no hubiera sido por mis flaquezas nunca habría descubierto mi fortaleza. A medida que mi corpus de trabajo creció también lo hizo mi lugar en la comunidad de arte.



Hay personas en nuestra sociedad que creen en que el artista tiene un lugar en el mundo. Tengo la suerte de conocer a algunas de esas personas y nunca han dejado de creer en mí. Ellos han compartido sus pensamientos y sentimientos y me han dado apoyo y aliento. Me han demostrado que lo que hago es importante. A través de mi arte he aprendido la importancia de seguir mi corazón.



Texto de la Web site oficial de Daniel Merriam

Galerías de exposición del trabajo de Daniel Merriam

Catálogo de originales de Daniel Merriam

Catálogo de copias impresas de Daniel Merriam




Testimonios de Merriam importados del blog ‘elhurgador.blogspot.com.es’

Nací en York Harbor, un pequeño pueblo de pescadores con una próspera escena turística veraniega. La zona atrae a decenas de artistas debido a sus cualidades rústicas y un encanto de viejo mundo. Teníamos mucha exposición al arte en la región. De hecho, las expectativas artísticas eran bastante altas debido a las prósperas artes locales y su formación académica. De niño vi a algunos de los mejores ejemplos de arte moderno original de nuestro tiempo. Me sorprendieron tanto que me vi obligado a dominar las habilidades de arte, incluso cuando aún era un niño. Maine también es bastante rural, por lo que los paseos por los bosques eran naturales para mí. Podía caminar millas sólo, sin una brújula o un camino a seguir. Pero además de lo mucho que sabía de la tierra, también era un maestro de las aguas. Entre la navegación, la pesca y el buceo, pasé tanto tiempo en el agua como fuera. Mi mundo estaba hecho de la crudeza de la realidad de la naturaleza y los tratamientos de fantasía de mi percepción. Mi conexión con la naturaleza, sin duda, está arraigada en las formas y patrones dentro de mi arte. Tanto mi familia como nuestra comunidad poseían una calidad caprichosa que permanece en mi arte hasta el día de hoy. Podría decir que mi infancia es lo que más ha inspirado mi arte.

En 1980, cuando me entrevistaron para una escuela de arte, no se estimulaba el trabajo figurativo. Me habían dicho que mis habilidades no serían apreciadas. Escogí trabajar como ilustrador antes que convertirme en un pintor abstracto. Las modas en arte habían cambiado varias veces desde entonces, y afortunadamente las obras figurativas han mantenido un fuerte interés entre los coleccionistas de arte. En cuanto a educación artística, no tuve casi ninguna. Tuve clases de arte en la secundaria, pero fueron muy básicas. Aprendí mis técnicas mediante la observación y por ensayo y error.

Es difícil para mí encontrar un mentor, pero nunca olvidaré la generosidad de Alan Magee al compartir conmigo sus sabiduría. Por supuesto la naturaleza es mi mayor inspiración. Cuando se menciona la literatura, no puedo menos que encontrar una conexión entre las obras de Ernest Hemingway y mi infancia. Yo estaba menos por la mitología de lo que estaba por Julio Verne. También me interesaba la ciencia y la historia, y sus relaciones con el arte y la religión. La música siempre ha sido la otra mitad de las inclinaciones artísticas de mi familia, y para mí permanece como parte de mi tapiz emocional.

‘Fantástico’ podría ser el término académico [para describir mi arte] hasta hace unos 6 años. Ahora aceptamos nuevos movimientos en el arte como el Steampunk, Neo victoriano, lowbrow, surrealismo pop. Realismo imaginario y Realismo mágico son dos de los nuevos que luchan por reclamar su puesto. Mi arte puede caer en cualquiera de esas categorías. Me considero un surrealista romántico. Estoy influenciado por el Art Nouveau, y la Belle Époque, el gótico, renacimiento, victoriano, vaudeville, y cualquier otro que me fascine.

[El circo y el teatro] son las arenas donde abunda la imaginación. Tengo afinidad con los intérpretes, supongo que porque yo interpreto a través de mi arte. El escenario es mi caballete.

Testimonios de Merriam importados del blog ‘elhurgador.blogspot.com.es’



Entrevista de BSC news France a Daniel Merriam


Fragmentos de entrevista a Daniem Merriam en ‘The thinker’s garden’

“No es casual o académico que me haya convertido en un artista. Mi trabajo se ha manifestado por medio de la imaginación hiperactiva de un niño que estaba en cierto modo profundamente preocupado. Los dibujos y las pinturas fueron la manera que encontré para manejar o equilibrar el horror y el caos que estremecieron y casi destrozaron mi mundo. Es por soñar despierto que he sobrevivido y por la pintura por lo que he fijado los sueños de mi elección de la manera que es más adecuada para el mundo del arte, que para cualquier otra existencia.”

“Hoy me acerco a los temas de mi pintura con un sentido de responsabilidad hacia ese sueño, ya que es el pozo del que bebo. Más allá de la retórica que se puede entrever atravesada en el mundo del arte durante los últimos treinta años, los frutos de la imaginación siguen siendo el recurso más renovable y profundamente humano que tenemos a nuestra disposición.”

“No sólo me rompí los dientes como arquitecto sino también como caricaturista político. Descubrí el poder de la pluma justo antes de descubrir el poder eminente de la censura. No es hasta que tenemos nuestras libertades amenazadas que nos damos cuenta de lo poderosa y frágil que es nuestra libertad de soñar.”

Mis pinturas son vehículos para mis sueños, no simplemente el producto de ellos. Esto permite al espectador recoger el argumento donde lo dejé y reescribir sus desenlaces una y mil veces. No deseo que concluyan nunca, de manera que que limito cualquier movimiento o expresión que pudiera facilitar el medio para alcanzar un final. El pintor captura el tiempo en un contexto seleccionado, ya sea secuencial o estático. Está implícita y percibida dentro de la intención del artista si son conscientes de su medio.”

Mi madre había coleccionado una serie de libros ilustrados por N.C. Wyeth, Maxfield Parrish, Gustave Doré sólo por mencionar algunos. Siempre me impresionó la entonación de Norman Rockwell y su capacidad para observar y representar el carácter humano con un estilo coherente y comunicativo. Más tarde supe que estos ilustradores fueron entrenados clásicamente y llevaron la antorcha del arte figurativo a través de las oscuras sombras proyectadas en el mundo del arte después de la Segunda Guerra Mundial y los efectos del futurismo. Encontré la historia subyacente de Alphons Mucha como un gran ejemplo de la disparidad entre las culturas y el arte, tanto en lo regional como en lo político. Creo que mi trabajo incorpora un giro de la estética del siglo XIX y XX, respaldado por las huellas de la disciplina que todavía persigue la tradición de los artistas que frecuentaban mi estado natal de Maine.”

“Me gustaría pensar en Bubble Street como la semilla de la cual pudiera desplegarse una vía real a mi estilo. Como muchas cosas que sueño, estas ideas pueden vivir en mi mente como nutriente de sueños futuros, pero algunas de ellas pueden deslizarse a través de las grietas y engendrar semillas en el mundo real. Tal como está, Bubble Street es mi emporio de objetos y artistas encontrados que colaboran con mi propio arte en un ambiente que se mantiene fiel a la lengua vernácula. El mundo sigue siendo mi lugar de exhibición. Bubble Street es el edificio de ladrillo y mortero del intento de un artista.”

“Daría la bienvenida a cualquier excusa para vestirse con un traje y mezclarme con otros entusiastas.”

Mucho se puede decir sobre el punto álgido del rococó y sus patrones de ornamento. Me considero un estudiante de la escuela de Eastlake y no ya sólo del corpus europeo, pero la extrapolación que se dio en los EEUU después de Eastlake había alcanzado su punto máximo. Me gustaron especialmente los estilos de transición como el Victoriano transmutado en Art Nouveau. Los motivos grotescos y ornamentos del período de resurgimiento del Renacimiento compararon una altura del diseño que fue tristemente interrumpida en su pico por las muertes en masa y el miedo de los fantasmas (bye-bye a los ángeles en la arquitectura). Había una sensibilidad Jules Verne a estas estéticas que se beneficiaba de la ingenua edad de la globalización temprana. La diversidad de materiales y motivos tejidos por arquitectos clásicamente disciplinados rivalizaba con los romanos y economizaba la frivolidad del rococó y la redundancia de los patrones moriscos. Al ser atados por el dogma de la religión y no contaminados por los intereses de un mundo corporativo, el diseño fue potenciado por el pasado y el futuro. Ojalá pudiera haber visitado París antes de la bola de ‘recking’.

– Entrevista completa a Daniel Merriam en ‘The thinker’s garden’ –


Perfil de Daniel Merriam (Wikipedia)

Daniel Merriam es un ilustrador surrealista contemporáneo y es más conocido por su técnica de pincel seco y estilo imaginativo.

Merriam creció en Nápoles, Maine y es uno de entre sus siete hermanos. Estudió diseño mecánico y arquitectónico en el Instituto Técnico Vocacional Central de Maine. Más tarde trabajó para el negocio de diseño y construcción de su familia y como ilustrador arquitectónico y comercial. Tuvo su primera exposición individual como artista en la galería Abacus en Maine en 1987.

Merriam ha producido cuadros para las portadas de libros de Paula Volsky y Neal Barrett Jr. publicados por Bantam Books, así como para la Mid-American Review. Su trabajo también fue utilizado en el playbill de ‘El sueño de una noche de verano’ de William Shakespeare, producida por el McCarter Theatre de New Jersey. Publicó dos catálogos de colecciones de sus pinturas en 1998 y 2007 que forman parte de los archivos permanentes del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo Nacional de Ilustración Americana y el Museo Peninsular de Arte.



Ha organizado exposiciones en Estados Unidos, Europa y Oriente Medio. El trabajo de Merriam está incluido en las colecciones públicas del Museo de Arte de Riverside, Merrill Lynch, The Gesundheit! Institute y el Manhattan Club, entre otros.

Los galardones de Merriam incluyen varios Premios Broderson, primer puesto y el Premio de la Asociación de Prensa de Escolas de Nueva Inglaterra, primer puesto, por caricaturas editoriales.

En 1987 recibió una Maestría Honoraria de Cartas Humanas de la Universidad de Nueva Inglaterra en reconocimiento de la posible contribución social de su trabajo.

Texto original del perfil de Daniel Merriam en Wikipedia











ArtScans CMYK







Daniel Merriam official Web site


Kris Kuksi

Desde Caravaggio a El Bosco y Bernini, pasando por H.R. Giger

Nacido el 2 de marzo de 1973, en Springfield Missouri y creciendo en la vecina Kansas, Kris Kuksi pasó su juventud en aislamiento y aislamiento rural, junto con una madre trabajadora, dos hermanos significativamente mayores y un padre ausente. Campo abierto, árboles escasos y padrastro alcohólico, allanando el terreno para un individuo saturado de imaginación e introversión. Su propensión a lo inusual ha sido una constante desde la infancia, una fascinación de toda la vida que se prestó a su arte macabro más tarde en la vida. Lo grotesco para él, al parecer, era hermoso.

“Un maestro rococó post-industrial, Kris Kuksi organiza obsesivamente personajes y arquitectura en composiciones asimétricas con un exquisito sentido del drama. En lugar de piedras y conchas utiliza soldados de plástico gritando, bloques de motor en miniatura, torres altísimas y una variedad de escombros para formar sus paisajes. El conflicto político, espiritual y material dentro de estos santuarios se promulga bajo la calma mirada de deidades remotas y augusta estatuaria. Kuksi se las arregla para evocar, a la vez, un santuario y un mausoleo para nuestro espíritu sofocado. “

– Guillermo del Toro –


“La historia como la sopa primordial – un guiso burbujeante de emocionantes resaltes y tragedias épicas que no sólo resuenan en el ojo de la mente, sino también inspirar todo tipo de emociones – bueno, malo y de otra manera.”

– David Pagel. Los Angeles Times –


Kris Kuksi official Web site




La escultura cuelga en la pared: Un mundo extenso, una advertencia, una revelación, una visión de un alma colectiva. De lejos, la composición es lo que es llamativo, formalmente equilibrado, juguetón pero contenido y elegante. Hace señas, atrae al espectador a su enredo de sentido, la historia se despliega en sus profundidades y se reverencia descubierta dentro del surtido de la iconografía inventada. Esta escultura lo tiene todo – las conquistas imaginadas, el sexo y la muerte, la huida de un héroe lleno de huida, el ombligo y el olvido, los personajes trágicos reviviendo los errores que la humanidad continúa haciendo, la búsqueda, la visión, el guerrero, el profeta, el místico. Los arquetipos de los niños a los que se adhieren, se proyectan en otros arquetipos que anidan la historia y siguen fascinándose en diferentes contextos.

Esta escultura es un nuevo marco para algo que se siente totalmente familiar. Cuanto más cerca se mueve el espectador, más encantados se vuelven. Los intrincados detalles de la asamblea hacen resaltar los matices de la narración, y queda claro que cada uno de los miles de piezas que hay en el interior fue escogido, sacado de este vasto mundo de objetos materiales y colocado con intención en el contexto de la escultura.

Aunque miles de decisiones se tomaron para esta escultura, se unifican en una armonía lúcida y barroca.




El proceso de Kris Kuksi es enteramente suyo. Comienza con la chispa de una idea que se suele encontrar en las primeras horas de la mañana cuando el trabajo está canturreando, un desprendimiento de su rica historia personal, por lo general algo iconoclasta, serio y lleno de paradojas. Él va a echar un vistazo y la imagen se quemará en su mente el tiempo suficiente para que él lo traiga a la existencia.

“Las esculturas tardan horas, semanas ya veces meses en completarse ya veces
Trabajo de catorce a dieciséis horas al día, pero todo parece ir tan rápido.”

Las minuciosamente recolectadas piezas del kit modelo, huérfanos moldeados por inyección, bric-a-brac y knick knacks, figurillas, joyería y animales de plástico se congelan en un friso re-imaginado, una amalgama macabra que revela, confronta y provoca el sistema de creencias de un espectador. Reimaginando narrativas familiares en nuevos contextos.

Irónico, un hombre que deconstruye y reestructura la iconografía saldría de una iglesia reutilizada, de fines del siglo XIX, pero su estudio abarca todo el plano de un edificio a través del río Kansas en un rincón post-industrial de Lawrence, Kansas. Rodeado por la pátina de la vieja maquinaria y silos inminente, podría ser apropiado que la mayoría del proceso de Kuksi ocurra aquí.

Desde forjar las profundidades de Internet para los componentes perfectos del modelo, hasta componer juxtaposiciones reflexivas y complejas, todo el camino a través del ensamblaje, cebado, recubrimiento y texturización de la miríada de piezas, Kuksi pasa horas contemplando y ejecutando una escultura.

Este proceso no ha sido fácil para Kris Kuksi; él pone en el tiempo y el trabajo y tiene desde una edad joven. Nacido en 1973 en Springfield, Missouri, se trasladó posteriormente de su padre que luchó con el alcoholismo a una infancia socialmente aislada al norte de Wichita, Kansas. Con una madre ocupada trabajando para mantener a su familia ya dos hermanos mayores de una década, su creatividad fue animada por su abuela que compartía su papelería para mantener viva su imaginación a través del dibujo. Con el ambiente silenciado de forma abrumadora del Medio Oeste y el aislamiento causado por la fobia social de su madre, Kris comenzó a desarrollar un rico tapiz interior de fantasía y creatividad. LEGO se mezcla con detritos rurales, héroes de acción con desechos agrarios, para dar vida a las imágenes inventadas de su mente.




Una propensión a dibujar y pintar en la escuela secundaria y el apoyo de un profesor de arte alentador empujó a Kuksi para completar ambos licenciatura y maestría en pintura de la Universidad Estatal de Fort Hays. Su pintura temprana varió del retrato gestual a la de Caravaggio, al trabajo más psicodélico y visceral, reminiscencia de Hieronymus Bosch y de H.R. Giger. Las dos últimas influencias encontrarían su camino en su escultura, pero esto tomaría algún tiempo.

“Mis primeros cuadros y conjuntos de medios mixtos representan el ápice del descubrimiento de mí mismo como artista. Al principio, era difícil aceptar que yo era realmente un constructor y no un pintor. Si me sueltas en un museo, encontraré donde están las esculturas europeas en el mapa. La escultura renacentista italiana es lo que más aprecio y respeto me merece. Bernini es mi héroe definitivo.”

Después de recibir varios talleres amplios centrados en las técnicas de los antiguos maestros de Austria, Alemania e Italia, una de sus pinturas fue aceptada Exposición selectiva en la galería nacional del retrato del Smithsonian.

El paso de su padre junto con la intensidad de su taller de formación propulsó a Kris hacia nuevas fronteras de significado y medio. Estaba inspirado y dispuesto a arriesgarse, queriendo hacer algo de sí mismo al darse cuenta de que su destino era suyo, no relacionado en absoluto con los errores cometidos por sus padres en el pasado. Después de un voto personal para convertirse en un artista exitoso, comenzó a explorar las profundidades de las luchas de la humanidad utilizando una nueva técnica de ensamblaje.

“La función de mi trabajo tiene que ver con relacionarse con el lado más oscuro de la psicología humana”.

Es más que su educación religiosa que empuja a Kuksi a reinventar la iconografía.

“Me gusta la idea de distorsionar la escultura clásica y religiosa porque es lo que la humanidad siempre ha hecho. Los seres humanos han tomado prestados los dioses de otros dioses. Los romanos reemplazaron a los dioses griegos, los cristianos reemplazaron a los dioses paganos, y así sucesivamente. Simplemente me gusta crear el siguiente paso, otra realidad paralela donde he robado imágenes clásicas y religiosas y he creado nuevos símbolos e ídolos.”

En el transcurso de la carrera de Kuksi, sus obras han aparecido en muchas publicaciones de revistas como Hi Fructose, Juxtapoz, Wild y muchas otras. El arte de Kuksi ha atraído a muchos coleccionistas públicos y privados en los Estados Unidos, Europa, Oriente Medio y Australia que incluyen a personas como Mark Parker (CEO de Nike), Chris Hardwick (comediante y actor), Swizz Beatz y Alicia Keys (músico y productor) Wendy Asher (coleccionista de arte), Sean Parker (cofundador de Facebook), Steve Aoki (DJ), Kay Alden (tres veces ganador de premios Emmy), Fred Durst (músico y director de cine), Usher Guillermo del Toro (director de El laberinto y Hell Boy 2), Community Dinner Club (Los Ángeles), Randal Haworth (cirujano plástico) y Robin Williams (Premio de la Academia y actor ganador de Globo de Oro).

Kris ha colaborado también con otras personas y empresas como Saatchi Art, Nike, Cosmopolitan Hotel (Las Vegas), The Mortal Instruments: City of Bones (película), Visionaire (publicación de Givenchy), Iris van Herpen (diseñadora de moda) Y Tíbet (subasta de beneficios). Está representado por Joshua Liner Gallery en Nueva York y Mark Moore Gallery en Los Angeles.

Actualmente trabaja y vive fuera de Lawrence, Kansas con su esposa y sus tres hijos.

[ Texto de Neal Barbour ]

Texto biográfico de Kris Kuksi

Entrevistas con Kris Kuksi


Yoko Kanno – I

La mejor compositora de bandas sonoras de todos los tiempos

Yoko Kanno debería ser descrita como un prodigio para la música, una compositora con un don natural inmenso. Trasciende en casi todas las clasificaciones y categorías de la música. Lo más notable en ella es la versatilidad; en cada una de sus composiciones te transporta a un lugar totalmente diferente. Desde los sonidos ancestrales de Asia (Nobumga’s ambition) pasando por los sonidos electrónicos de Europa (Macross) del Norte y sur de América (Cowboy Beebop, Uncharted Waters), desde la más poderosa melodía sinfónica hasta el jazz, pasando por la ópera y el pop, de lo acústico a lo electrónico y de lo tradicional a lo moderno; en pocas palabras es un monstruo virtuoso para la composición que viene siendo muy respetado. Kanno te dejará sorprendido en cualquier género de música de tu gusto.




Nace el 19 de Mayo de 1967 en la prefectura de Miyagi-Ken, localizada en la parte Norte de la Isla Honshu de Japón; Ella empieza a tocar el piano a la edad de 3 años y a hacer sus primeras composiciones a la edad de 8, más adelante entra a estudiar música en la universidad de Waseda, y es en donde se centra en las influencias de los estilos de Maurece Ravel y Claude Debussy. Después de estudiar en la universidad de Waseda, debuta como tecladista profesional en un grupo de Pop Rock llamado TETSU 100% en 1987 al mismo tiempo hace la música para telenovelas como “High school Teacher”, “Somebody Loves Her”, “Unpainted Face” y más recientemente “Beautyfull sunday” , pero veamos su trayectoria desde el inicio, en la banda Tetsu 100%, hasta lo más reciente Arjuna OST2 , pasando por su participación para la compañía de juegos para PC KOEI y música para documentales.

En adición, ella es considerada como la compositora más prolífica de estos tiempos, dejando como huella hasta el momento alrededor de 40 discos, incluyendo muchos promocionales para televisión. Notas para Trivia: Yoko Kanno arreglo la melodía de créditos finales para el filme animado de Miyazaki “Kurenai Kobuta”. Su instrumento principal para sus composiciones es el piano, y por supuesto cualquier instrumento que tenga las teclas similares (Acordeón, celesta, harpiscordio), por último, bajo el seudónimo de Gabriela Robin, ella escribe canciones y las canta (esto lo encontraras en la mayoría de sus discos).

Texto importado de:

Yoko Kanno fuentes – 01


La Reina de los Soundtracks: Yoko Kanno

Artículo importado de la web:

La Reina de los Soundtracks: Yoko Kanno

11 octubre, 2012.

Con un volumen de producción que supera a norteamericanos y europeos juntos, la industria de la animación japonesa (llamada animé, descendiente directa del cómic japonés, el manga) ha probado ser una fuente generosa de ingresos, la cual sin duda ha aumentado gracias a su gradual expansión en el exterior. Los que se dedican a dibujar, animar, musicalizar y escribir animaciones o manga son ampliamente respetados en Japón, siendo una profesión igual de importante que la del médico o el arquitecto, lo que demuestra una vez más la importancia que la da la sociedad japonesa a esta industria.

La cantidad no es siempre calidad, pero entre la caudalosa producción masiva siempre resaltan obras excepcionales, poderosos creadores de historias y dibujantes fuera de la norma. La música que obligadamente acompaña al animé se rige bajo los mismos principios, entre la multitud de compositores que se dedican de manera profesional a esta industria sobresalen nombres como Kenji Kawaii, Joe Hisiahi y Yoko Kanno (entre otros), músicos que dedican su talento a darle profundidad a las imágenes en movimiento. El soundtrack como forma de expresión.



No sólo por ser mujer en una sociedad esencialmente machista, Yoko Kanno merece una mención especial por propios logros musicales. Capaz de moverse sin dificultad entre el jazz, el pop y las suites orquestales, ha sabido manejar su carrera de manera que hoy es una de las artistas más reconocidas del Japón. Ha participado tanto en obras maestras del animé como Memories de Katsuhiro Otomo, Jin-Roh de Mamoru Oshii o las series de tele Cowboy Bebop y Ghost in the Shell: Stand Alone Complex como en obras más comerciales (el tema inicial de Cardcaptor Sakura por ejemplo) e incluso videojuegos (Ragnarok Online 2).

Yoko Kanno nació el 19 de marzo de 1964 en la prefectura de Miyagi. Además de ser conocida como compositora se le considera una gran intérprete del piano, siendo la líder de la banda The Seatbelts, el cual ha participado junto a ella en varios de sus soundtracks. El caso más relevante es Cowboy Bebop, serie animada de ciencia ficción de pocos capítulos pero que generó cuatro discos, todos interpretados por diversas formaciones de los Seatbelts, siempre comandados por Kanno.

Utilizando estilos como si fueran colores, las 60 composiciones que completan esta obra son un excelente ejemplo del manejo que tiene de todos, absolutamente todos los trucos del oficio, siendo genial para generar o acentuar atmósferas, brincando del new age al rock, del jazz al bossa nova y de las orquestas de cámara a una canción pop llena de sintetizadores y voces melosas.

A pesar de su obvio dominio de la industria y de ser una destacada representante de la tradicional seriedad japonesa, varias de sus canciones logran pasar el límite de simple artesanía y nos regalan un vistazo a la verdadera Kanno, una mujer llena de humor que de manera sutil critica la voraz cultura moderna de su país. Destacan Wo Qui Non Coin, Tank! y The Real Folk Blues, composiciones que a primer instancia podrían parecer un intento nipón por sonar occidental, pero que al ser analizadas con más cuidado revelan su gracia y leve humorismo.



Parte de esto explica la historia de Gabriela Robin, a la que se le acreditan varias composiciones así como la voz principal (siempre cantando en un idioma improvisado y sin sentido) en varios de los discos de Kanno. Esto ocasionó una larga discusión entre los fanáticos, quienes en vano intentaban rastrear a la misteriosa Gabriela, indignados que la desconocida hubiera compuesto una de las mejores piezas del soundtrack de Macross Plus: Santi-U, melodía memorable que ilustra como pocas las vastedades del espacio y a una frenética sociedad futurista envuelta en una eterna batalla contra fuerzas alienígenas (simplificando un complejo trama alargado por más de veinte años y cuatro series).

El misterio sobre Gabriela Robin quedó resuelto cuando Kanno, en una entrevista con la revista Newtype, reveló ser la verdadera compositora de la canción. El crear a Gabriela, una ser más libre y experimental, le permitió jugar un poco consigo misma, y de paso abrir un espacio para la especulación y así enriquecer una micra más el pujante mundo del manga y animé japonés.

Tal vez sea precisamente el soundtrack de Macross Plus el disco más interesante de Kanno hasta la fecha, quitando las piezas orquestales aptas sólo para los más clavados, resultan seis composiciones que forman parte de lo mejor de la música popular japonesa actual: Idol Talk, Cantabile, Torch Song, Santi-U, Wanna Be an Angel y Voices (Myung Theme).

En la serie estas canciones son interpretadas por Sharon Apple, superestrella de la música pop sideral que acompaña sus conciertos con un espectáculo de imágenes holográficas, el cual culmina cuando la cantante se multiplica en el mismo número de asistentes y les canta sentada en sus piernas. De alguna manera Yoko Kanno (o Gabriela Robin) logra crear la sensación de estar escuchando música del futuro, lo que acoplado a las imágenes da como resultado una experiencia memorable.



Tal vez sea precisamente el soundtrack de Macross Plus el disco más interesante de Kanno hasta la fecha, quitando las piezas orquestales aptas sólo para los más clavados, resultan seis composiciones que forman parte de lo mejor de la música popular japonesa actual: Idol Talk, Cantabile, Torch Song, Santi-U, Wanna Be an Angel y Voices (Myung Theme). En la serie estas canciones son interpretadas por Sharon Apple, superestrella de la música pop sideral que acompaña sus conciertos con un espectáculo de imágenes holográficas, el cual culmina cuando la cantante se multiplica en el mismo número de asistentes y les canta sentada en sus piernas. De alguna manera Yoko Kanno (o Gabriela Robin) logra crear la sensación de estar escuchando música del futuro, lo que acoplado a las imágenes da como resultado una experiencia memorable.

No basta con ser un profesional para destacar en el competido mundo de la animación y el cine japonés, se requiere un toque de genialidad y una voz propia que sepa cantar a coro cuando sea necesario. La profunda tradición nipona de anteponer el interés colectivo al personal marca inevitablemente al arte creado en la isla, lo que a su vez ocasiona un interés desmedido en aquellos que por sí mismos han logrado destacar, siendo su firma una garantía de calidad, el caso de esta pianista y compositora. Casada con el también compositor (y a veces colaborador) Hajime Mizoguchi, a sus 48 años Yoko Kanno puede sentirse parte de la elite de creativos que mantienen en alto la animación japonesa, orgullo nacional.

Baste con decir que la música de Yoko Kanno, o al menos sus obras más famosas, son fáciles de conseguir en México, existen varias tiendas especializadas que se desviven por contar con catálogos actualizados y nutridos. Sólo es necesario buscar un poco.

– Publicado por xansi en 11:57-

Artículo importado de la web:

La Reina de los Soundtracks: Yoko Kanno



Who is Yoko Kanno you ask?

Composer of music from anime titles such as Macross Plus & Vision of Escaflowne, as well as game music for Koei, Ms. Kanno is known worldwide for her moving and adventurous orchestral, jazz and experimental works.

Yoko Kanno was born March 18, 1964 in Miyagi Prefecture, Japan. She made her debut as a keyboardist in the band TETSU100%

Prominence in piano was Kanno’s fortè for Japanese TV Dramas “High School Teacher”, “Somebody Loves Her””, “Unpainted Face” and other TV presentations such as an NHK special, “The Reformation and Liberation of One Billion Chinese”. Ms. Kanno has even graced television commercials: music for a Japanese Coca-Cola Commercial, as well as others (NTT Burutta, Georgia Coffee, etc.)

Yoko Kanno is well known for her music productions in the anime arena. In the net newgroup rec.arts.anime.music there have been endless requests for Kanno’s works. From pleas for the sheet music to Cowboy Bebop or questions about her identity and that of “Gabriela Robin”, her music is appreciated by anime enthusiasts and musicians alike.

Some may be mislead that Yoko Kanno is responsible for “the whole soundtrack”. This is not necessarily the case. In fact, it seems almost apparent that she and two other musicians: Hajime Mizoguchi and Akino Arai, cross paths frequently. Mizoguchi was responsible for composing most of the “Please Save My Earth” soundtracks, and Arai has composed several songs but has mostly performed vocals for many of Kanno’s works such as the ever-so-famous “Voices” and seemingly exotic “Idol Talk“. Furthermore, Mai Yamane has been a strong presence in Kanno’s more recent “Cowboy Bebop” soundtracks.

As of late, Kanno’s team seems to be that of Steve Conte, Tim Jensen and Scott Matthews. They are featured in the Cowboy Bebop, Ghost in the Shell: Standalone Complex and Wolf’s Rain original soundtracks.

Mrs. Kanno has attended anime and comic conventions in the past year, including Anime Expo (99) and Otakon. More information about her attendance and panel discussions are avaiable at Kevin Lillard’s “A Fan’s View“. In addition, she was declared “Personality of the Week” on his website as well.

Read more by clicking the link below:



…/… ]

Text imported from:

Yoko Kanno – Anime Songstress and Composer


Muestras del portentoso trabajo de Kanno


[ Del canal YouTube del usuario ‘integral0‘:

[ Subido el 24 mar. 2007

Strangers by Yoko Kanno from Wolf’s Rain OST.

saw a lot of AMVs for this song and nothing against them, just wanted a simple slide show for a great song.

edit: Thanks for the comments guys! =D ]




Del canal YouTube del usuario ‘Welcome to my channel!

Subido el 6 feb. 2009

A Really pretty song by Yoko Kanno. I do not own the song, or the picture. And whoever made the picture, if you want it removed, please contact me at mexicali12@yahoo.com. If you want an mp3 of the song contact me. ]



Ghost in the Shell – OST

Del canal YouTube del usuario ‘xyzdio‘ :

Subido el 20 abr. 2008

Torukia – Gabriela Robin
Dunno why but i rly like this song 😉



Yoko Kanno – Illustrated Guide to the Fairies – Napple Tale-  OST Vol. 1

Del canal YouTube del usuario ‘France Mikalas‘ :

Publicado el 7 ago. 2013

Soundtrack to the 2000 Sega Dreamcast game Napple Tale: Arsia in Daydream, Composed by Yoko Kanno. Lyrics performed by Maaya Sakamoto. Tracklist:
[00:00] Dove Clock
[01:06] Tail Song
[03:49] Flower of Yesterday’s
[06:58] Chocoloate Forest
[09:48] Jumping Cracker
[11:46] Delightful Arithmetic
[13:22] The Snow Princess
[15:56] A Stroll
[17:09] Balsam
[18:56] Snowball
[21:48] Tree of Church
[22:49] Egg
[23:38] Rain Waltz
[28:22] Cecil’s Garden
[31:49] Skipper
[34:40] Dual Tango
[36:28] Toy Train
[38:40] Gatena Toyshop
[41:06] Pooch
[42:52] Round Sheep
[45:45] Little Black Book
[47:20] Green Wings
[50:13] 13 Icecream



Zankyou no Terror – OST

Del canal YouTube del usuario ‘Israel Ramirez Rodriguez‘ :

Publicado el 5 ene. 2015

0:00 lolol
1:47 von
8:02 ess
11:38 saga
16:33 fugl
19:02 hanna
23:32 veat
27:18 lava
32:09 walt
35:24 birden
40:10 Fa
45:48 nc17
50:31 ís
53:13 22
55:58 seele
58:00 lev low
1:00:36 ili lolol
1:06:18 bless

Banda Sonora por Yoko Kanno

Title 17, US Code
(Sections 107-118 of the copyright law) ]



Yoko Kanno – Into the Another World (Arjuna – OST)

Del canal YouTube del usuario ‘DrunkUncleJesse‘ :

Publicado el 25 abr. 2014

Arjuna Into the Another World (2004)

1. Early Bird (0:00)
2. Awaking (2:10)
3. Cloe (10:08)
4. Time to Die (13:29)
5. 2nd Life (16:20)
6. Diving (19:25)
7. Clone (22:02)
8. Feel the Circle (24:08)
9. Aerobics (25:44)
10. Omega Blue (29:11)
11. Drop of Time (32:00)
12. Earth Resonance (32:54)
13. Prophet (34:51)
14. Before Breakfast (39:01)
15. Bells for Her (40:16)
16. Motorcycle (42:20)
17. Diamond (47:32)
18. Mameshiba (48:58)
19. Kookie (55:10)
20. Aqua (56:20) ]



Wolf’s Rain – OST 1

Del canal YouTube del usuario ‘SpiritWolf1985‘ :

Publicado el 23 abr. 2013

OST de la saison 1 de Wolf’s Rain. ]



Ghost in the Shell – OST

Del canal YouTube del usuario ‘Japan Galaxy‘ :

Publicado el 10 feb. 2015

Voici Ghost in the Shell (Original Soundtrack)

Je fichier audio a été réaliser à partir un cd orignal Japonais

Ce fichier a pour but être écouter uniquement ne peu être reproduit sans détenir l’original. ]






Promethea: La experimentación teórica (Alan Moore).

-(Artículo íntegramente importado de la web: zonanegativa.com)-

Promethea: La experimentación teórica.

Por José Torralba – 16 marzo 2007.

Promethea debe entenderse como un proyecto especialmente personal de Alan Moore dentro del sello America’s Best Comics, dependiente de Wildstorm y, por tanto, de DC Comics. Fue publicada de forma irregular entre 1999-2005 en USA, con numerosos parones y largos períodos de sequía editorial hasta su final programado en el número #32

Estos condicionantes fomentaron un caos total en la edición española, inicialmente llevada a cabo por Planeta DeAgostini. Se publicaron 12 números de 24 páginas en formato grapa, correspondientes a los primeros 12 números USA, con cadencia mensual. Tras un largo período se retomó la publicación, esta vez en forma de tomos recopilatorios que continuaron allá donde se quedó la serie. Aún así, ésta se tuvo que volver a detener por la falta de material. Todo hacía presagiar que iba a tratarse de una de esas series de culto malditas que, como Planetary, nos llegan con cuentagotas y que ni siquiera en USA son bien tratadas.

Esta edición que ahora nos trae Norma Editorial tras la adquisición de los derechos para la publicación de Wildstorm en nuestro país promete ser la definitiva. Están programados cinco tomos trimestrales, correspondientes a los TPB USA en cartoné. La edición que tengo en mis manos tiene unos extras bastante interesantes, que incluyen una introducción de Alan Moore y bocetos sobre el personaje, aunque como lector me quedé con ganas de más. Eso sí, el cuidado de la edición es máximo.


En un presente ucrónico (la acción se sitúa en 1999, el mismo año en que comenzó su publicación), una joven universitaria, Sophie Bangs, se encuentra realizando un trabajo sobre un ser a la vez mitológico y real que responde al nombre de Promethea, y que resulta ser la propia idea de imaginar, encarnada a lo largo de la historia en aquellos con la suficiente fuerza como para hacer prevalecer las ideas frente a las sensaciones. Como nueva Promethea, Sophie deberá afrontar a lo largo de la serie el dominio de sus poderes (guiada por sus predecesoras), la amenaza de aquellos que quieren retener al ser humano en el plano material para conservar su dominio sobre lo terrenal, y el peligro de generar una imaginación desbocada en la mente de los hombres.



Promethea, Moore y Platón

La filosofía platónica estableció, a nivel puramente didáctico, dos mundos separados e irreconciliables. Uno es el mundo de lo sensible, el que ordinariamente habitamos y en el que vivimos, tan sólo existente como sombra y expresión de otro, aparentemente menos accesible pero mucho más sugestivo: el mundo inteligible, que compete a las ideas y que, realmente, es el que posee la propiedad de ser. Sólo superando la barrera perceptiva del primero podemos acceder al segundo y encontrar verdadero conocimiento, aprehendiendo los conceptos que definen lo que vemos como lo que en realidad son: inmutables, perennes, eternas ideas; ideas que han existido antes de nosotros y que nos limitamos, simplemente, a descubrir. A imaginar.

Así pues, cuando en la primera portada de Promethea, Alan Moore (gnóstico y, por tanto, parcialmente neoplatónico), afirma de ella que:

“Si no existiera, tendríamos que inventarla”

…quiere decir justamente eso: ella ya existía y por tanto él no pudo inventarla; se limitó a imaginarla, a subjetivizarla y a darle la forma que creía conveniente hasta alcanzar una representación inmanente a su esencia que presentar al mundo. ¿Y qué es Promethea? La propia idea de imaginar, de la que Moore nos ofrece su visión, su sombra, su imagen.



Para entenderlo más claramente, les propongo hacer un pequeño ejercicio juntos. Imaginen un cómic… a muchos se les vendrá a la cabeza la imagen del Capitán América 25, a otros se les vendrá un número de Sandman y a otros un número de la JLA. Pero eso no es más que una manifestación de la idea cómic. Si profundizan lo suficiente, encontrarán una representación más esencial, aplicable a todos los cómics pero que será (y esto es lo más importante de todo) común a todos los que se propongan hacer el ejercicio. Eso, estimado lector, no es ya una representación: es la idea platónica de cómic, y no pertenece a su imaginación, sino al mundo de lo inteligible, accesible por todo el que se lo proponga.

Lo que Moore hace es intentar imaginar la propia imaginación (al igual que sus personajes), y le da el nombre de Promethea. Conscientemente, no establece una sola Promethea en el cómic, sino que hay muchas en función del “anfitrión” en el que se encarna (y que coincide con el que la imagina) aunque esencialmente, al igual que la idea de cómic, siempre sea la misma. Y lo que pretende es que cada lector recree su propia Promethea, acceda a su mundo interno imaginativo y, tal vez, al mundo inteligible, que es idéntico para todos. Encontrar aquello que nos une a través de lo que tenemos en común en el mundo de las ideas. Y todo ello, mediante el vehículo que supone un cómic.

Paralelamente, se refundan en la obra una gran cantidad de referencias mitológicas y religiosas pero, sobre todo, herméticas, cabalísticas, alquímicas y gnósticas. Para el no iniciado en tales términos, le resumiré simplemente que son una serie de doctrinas esotéricas que mezclan paganismo y religiones monoteístas y que buscan, a través de diversos medios y símbolos, obtener un conocimiento que está vedado para el resto.

El autor aúna todos estos referentes y muchos más. Por ejemplo, HermesToth, que acoge a la pequeña Promethea del primer número, es un mito de la doctrina gnóstica que fundía dos personajes de la mitología griega y egipcia respectivamente en una entidad que personificaba el conocimiento oculto y el saber. O las Sefirot de la Cábala (un conjunto de doctrinas esotéricas de la religión judía), emanaciones y manifestaciones de lo divino que, al ser componentes reduccionistas de aquél, permitían un acercamiento cognoscitivo.



Si en El péndulo de Foucault, Umberto Eco acometía una revisión exhaustiva y novelada de las variantes del “conocimiento secreto” a lo largo de la historia y la cultura con el mero fin de burlarse de ellas, Moore las hace confluir como expresiones de una sola idea (tema recurrente como se ve, en toda la obra); y esa idea es la necesidad de trascendencia, de alcanzar ese mundo inteligible que se eleve sobre la realidad perceptible; es la idea, en definitiva, de imaginar. En ese sentido, no anda desencaminado quien afirma que ésta es, junto con V de Vendetta, la obra más personal de Alan Moore ya que, si esta última definía su orientación política (anarquismo), el material del que hoy nos ocupamos define sus propias creencias.

Tal vez lo único que pueda achacársele como guionista a nivel argumental es que, si bien su propuesta es intelectualmente arrebatadora, el lector (y esto ya es una opinión personal), se muestra poco identificado con los personajes (no así con la acción). Es más sugestivo lo que se cuenta y cómo se cuenta que la empatía que podamos desarrollar por unos personajes un tanto fríos.

La experimentación: Unidad de forma y fondo

Llegados a este punto se hace necesario reseñar el método escogido para vehiculizar el obtuso pero atractivo mensaje que se nos proporciona. Si en mi anterior post sobre 100 Balas decidí analizar por separado el guión del dibujo, aquí haré justamente lo contrario dado que, en el corazón de ambos, late una sola voluntad: innovación experimental. Cada número, dentro de una razonable homogeneidad estética, supone una fuente de hallazgos formales y visuales que hacen que no se pueda hablar de estilo en Promethea. Tanto más cuando se evalúa la heterogeneidad de la serie al completo (es decir, cuando comparamos los números entre sí). Esto, es totalmente buscado: en primer lugar por lo atractivo que resulta tener una serie para experimentar a nivel visual y narrativo, y en segundo porque, si bien cada número es diferente estéticamente del anterior, la esencia de lo que se cuenta sigue siendo la misma; es decir, la idea común a todos los números se mantiene inalterable sea cual sea la forma en la que va contenida. Vemos así como la heterogeneidad se encuentra conceptualmente justificada en la serie.

Es cierto, no obstante, que Promethea bebe de forma regular de las raíces pulp. Se observa en multitud de detalles, y en especial en el acercamiento de la imagen del personaje a iconos como Wonder Woman, Xena, la Princesa Guerrera (que es específicamente mencionada) o a los diseños de Neil Gaiman y Todd Mcfarlane para la Ángela de la serie Spawn. Esas raíces pulp también pueden rastrearse hasta ese presente ucrónicamente futurista, hortera y obtuso, como sólo Moebius pudo imaginar para El Incal, o en el mundo de hombres-lagarto y amazonas guerreras de Hy Brasil (tan cercano a Red Sonja). En ese número por cierto (#6 USA), aparece un homenaje/plagio en la derrota de Marto Neptura a una de las cintas que más me marcó de pequeño: El vuelo de los dragones (1983), una preciosa película de dibujos animados que versa también alrededor de la magia y en el que la lógica reduccionista y científica se aplica en la derrota del villano principal.



También es cierto que se mantiene más o menos un cliché estético en el trato que se otorga a un solo escenario: el mundo real, una amalgama deudora del postmodernismo chic, caótico y con profusión de elementos que resaltan lo materialista (abundancia de coches, anuncios, etc), y que busca redundar en la superficialidad y banalidad de la sociedad actual (perfectamente expresado con el icono del Gorila llorica). Moore apuesta claramente por el mundo de la imaginación (La Inmateria, en el cómic), y se lo hace saber al lector manipulándolo estética y emocionalmente para que prefiera, como la protagonista, el mundo de lo imaginario.

Pero sobre todo ello se eleva, como he mencionado, una voluntad de innovación que afecta tanto a guión como a dibujo; a idea y a ejecución. Cada número se abre como capítulo de un poema épico culto, reseñando los acontecimientos que acontecerán y, tras las portadas (que analizaré aparte) la experimentación es patente desde la unidad fundamental del cómic: la viñeta y su estructuración en la maquetación de página.

Podemos encontrar cuantos hallazgos formales queramos, y no hay un número de viñetas constante por página. Éstas pueden ser además regulares, irregulares, circulares, perimetralmente indefinidas, pueden encontrarse delineadas o sin bordes que las delimiten, e incluso pueden introducirse marcos, dameros o escudos simbólicos que adornen la composición. Y si en las viñetas (la unidad significativa del cómic) se observa heterogeneidad, la maquetación (que es una macrounidad significativa) supone ya el uso de un recurso distinto tras otro. Miren estos ejemplos (seguramente emplearé uno de los post de los jueves sobre lenguaje del cómic para desarrollarlo de forma más adecuada).

A esta deconstrucción formal, le tenemos que añadir la contrapartida gráfica. Aunque el uso de la línea es generalmente discreto y arquetípico, J.H. Williams III se entrega a la experimentación visual con la introducción de volúmenes y colores anómalos, heterogéneos y altamente sugestivos (aplicados por Jeromy Cox), como ya hiciera Frank Miller en su Ronin. Muchas veces incorpora (aunque no sé si de forma deliberada), una complejidad innecesaria en los dibujos, dificultando su comprensión por parte del lector, algo que puede observarse en la aplicación incoherente de sombras usando gradaciones de colores y en la profusión de detalles visualmente irrelevantes.



Williams se ve auxiliado en su labor con pequeñas colaboraciones de otros autores: Todd Klein (para los logos, diseños y escudos iconográficos que a menudo enmarcan las viñetas), Charles Vess (para historias puntuales como Romanza para un hada), o José Villarubia (para la infografía). Pero ante todo, forma un tándem muy atractivo con Mick Gray, su entintador, y auténtica alma del acabado gráfico tanto como lo pueda ser el propio dibujante.

Sobre portadas y homenajes

Siguiendo la tónica general de números estéticamente unitarios pero muy diferentes entre sí, cada portada difiere totalmente de uno a otro, no respetándose ni siquiera el logo definitorio. Todas, salvo la primera, a cargo de Alex Ross, están firmadas por Williams y Gray.

En cualquier caso, puede encontrarse una referencia para cada una de ellas, lo que resulta en una suerte de imitación/homenaje a un estilo o artista determinado. Como curiosidad, debajo de las firmas de los autores en cada portada, podéis encontrar a quién “homenajean” (un repaso por google y listos). Así, para las seis primeras portadas, tenemos:

#1 Nada… Es de Alex Ross, y en la portada alternativa se limitan a seguir su tónica.

#2 No está reseñado, pero homenajean claramente a los thrillers de serie negra de mediados del siglo XX.

#3 Tampoco lo reseñan, pero personalmente lo encuadraría dentro del surrealismo no automatista (Dalí, Magritte).

#4 Supone el primer número en el que empiezan a hacerlo. Al pie de la escalera, sobre la alfombra, puede leerse: “Gray-Klein after Morris”. Se refieren a William Morris (1834-1896), un artista inglés y activista socialista.

#5 Debajo del recuadro donde ambos autores enmarcan su firma, puede leerse “After Leyen-Decker”, haciendo mención a Joseph Christian Leyendecker (1874-1951), un ilustrador americano, especialmente reseñable por la creación de posters propagandísticos durante la II Guerra Mundial.

#6 En el mismo lugar que en el número anterior leemos “After Brundage”, refiriéndose a Margaret Brundage (1900-1976), famosa por haber ilustrado el magazine pulp Weird Tales.




Una obra intelectualmente cautivadora, con un nivel de experimentación formal y visual sobresaliente, inusitado y prolífico, aunque poco proclive a generar empatía y emociones en el lector. Gustará a aquellos que disfruten realizando múltiples lecturas y comprendiendo las referencias más nimias de todo lo que leen. Si no te gustan esta clase de juegos, abstente; esto no es material superheroico al uso, aunque siempre puede llegar a divertirte.

Lecturas recomendadas

Diccionario de símbolos, de Juan-Eduardo Cirlot. Un diccionario que te permite saber rápidamente y con ilustraciones qué significa cada símbolo que aparece en Promethea. Por ejemplo, del caduceo tenemos que es “una vara entrelazada con dos serpientes que en la parte superior tiene dos alas o un yelmo alado. Su origen se explica por la supuesta intervención de Mercurio [Hermes romano] ante dos serpientes que reñían, las cuales se enrollaron en su vara […]”

Diccionario del Péndulo de Foucault, de L. Bauco y F. Millocca. Si quieres saberlo todo sobre sociedades secretas, esoterismo, cábala y hermetismo, éste es tu libro. Funciona como breve enciclopedia sobre el tema o como guía indispensable para leerte la novela.

Los mitos griegos, de Robert Graves.

Estudios sobre iconología, de Erwin Panofsky.

Página de la Wikipedia (en inglés) sobre Promethea.

Imprescindible página (en inglés) con anotaciones a los 18 primeros números.

-(Última actualización de este artículo: 23 de enero de 2010)-

[ La referencia a la última actualización del 23 de enero de 2010 se refiere al artículo original publicado en la web: zonanegativa.com, anteriormente enlazado:

http://www.zonanegativa.com/promethea-la-experimentacion-anempatica/  ]


Fuente: zonanegativa.com

[ Promethea: La experimentación teórica. Un artículo de José Torralba publicado el 16 de marzo de 2007, en la web ‘zonanegativa.com‘. ]


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